Todos hemos sido niños alguna vez, todos tenemos juegos que nos representan, ya sea en su melodía, en sus gráficos, quizás en alguna misión o evento que nos haya marcado. Sea como fuere, lo fácil para mí hubiera sido abrir esta entrada con Mundo Misterioso, con el de Pokémon particularmente; muchos otros autores de la plataforma se han hecho eco de sus vivencias con él y yo no soy la excepción. Los finales de los dos miles fueron una época de descubrimiento para mí como jugador, en la que la Nintendo DS jugó un papel crucial, permitiéndome desentrañar a la par que amar géneros que hasta hace poco ni sabía que existían; sin embargo, en honor a la verdad, ya hice mis pinitos antes. Gracias a tanto mi vieja Playstation 2 como el videoclub de mi barrio, dos joyas que ya no están conmigo, pero que aún sigo recordando con mucho cariño y de las que guardo un montón de anécdotas que no he contado ni aquí, ni en otros lares… Por eso, aprovechando que este mes, concretamente el día 3 (aunque tú estarás leyendo este texto más tarde), se cumple un año del nacimiento de este Substack, he decidido aprovechar la ocasión para poner en boga un clásico que, si bien ha conseguido calar lo suficiente para que haya sido remasterizado, tampoco lo suficiente para ser un título recordado por tantos; además, también quiero aprovechar mis ya seis años de experiencia a las espaldas escribiendo entraditas para rescatar una vieja entrada que le escribiría a este videojuego durante 2020, en mis humildes inicios, aprovechando todo mi bagaje actual para actualizarla a unos estándares de calidad algo más altos (si se puede decir de alguna manera).

Así que, aprovechando la ocasión y dado que también estamos de celebración, voy a romper una lanza en pos de un estilo algo más coloquial y combinar un poco el estilo del que estoy haciendo gala en Indeterminados últimamente (mi otro lugar de escritura, que comparto con el bueno de Arald) con el que empleo por estos lares, para intentar hacer un texto que aúne tanto mi background como cierto recorrido histórico que suelo darle a las piezas que genero por aquí. No sé cómo saldrá el experimento, ya que voy formulando todo sobre la marcha, pero espero que, si le dais una oportunidad a mis palabras, también os sirva para descubrir un juego que, pese a los años que tiene encima, todavía tiene mucho que decir, especialmente para todos aquellos que se están introduciendo en el género del ARPG más occidental o los diablolikes.

No me voy a enrollar mucho más; vamos a la manteca, que creedme que hay unas cuantas cositas que desgranar del videojuego de inXile.

Desarrollador: inXile Entertainment.

Distribuidor: El original fue distribuido por Ubisoft en Europa, mientras que Vivendi lo hizo en Norteamerica. Por otra parte el Remaster ha sido distribuido por la inXile en colaboración con Xbox Game Studios.

Plataformas disponibles: PS2, Xbox, PC (Lanzamiento original), PS4, PSVita, Xbox One, Switch, Steam, IOS, Ouya, Android y GOG (Remastered). También puede jugarse a través de retrcompatibilidad tanto en PS5, Switch 2 como Xbox Series X.

Fecha de lanzamiento: 26 de Octubre de 2004 en Europa para PS2 y Xbox, en EEUU sería el 25 de Marzo de 2005, mientras que para PC se haría el 17 y el 25 de Junio respectivamente para cada territorio. El remaster se lanzó primero en IOS y Android el 1 de Diciembre de 2011, luego para Ouya el 4 de Junio de 2013, posteriormente para PS4 y PSVita el 17 y 21 de Agosto primero para la UE y luego para Estados unidos; por ultimo se lanzaría de forma simultanea tanto para Switch como para Xbox el 18 de Junio de 2020.

Género: ARPG de vista cenital muy inspirado tanto en Diablo como en Baldurs Gate: Dark Alliance.

Nivel de dificultad: Medio-Elevado (En función de la dificultad escogida)

Duración: Entre 15 y 20 horas en función de la cantidad de contenido secundario que quieras hacer.

Estado: Finalizado por segunda vez, el 11 de Agosto en PS5 gracias a la retrocompatibilidad.

Antes de sumergirnos de lleno en el título, hay que hablar un poco de cómo inXile acabó teniendo en sus manos la posibilidad de realizar un spin-off de una licencia, que en principio no le pertenecía, sino que era propiedad de Electronic Arts, y para ello, también debemos hacer un poco de retrospectiva de la situación que atravesaba la saga por aquel entonces. El Bard’s Tale original, conocido como Tales of the Unknown, fue desarrollado por Interplay en 1985; por aquel entonces la empresa de Brian Fargo era pequeña, pero prometedora. Por aquel entonces aún no disponían de los medios para poder publicitar y distribuir sus videojuegos, por lo que tenían que recurrir a agentes externos para poder realizar esa labor. Es ahí cuando Fargo hace un contrato con EA, donde, si bien la propiedad intelectual era de Interplay, los derechos del nombre y la distribución pertenecían a la empresa estadounidense. Tras llegar a un acuerdo y lanzar el título, el por aquel entonces Blobber, con fuerte inspiración en Wizardry y similares, se convirtió en todo un éxito, permitiendo a la empresa sacar dos entregas más, que conformarían una trilogía. Es en este momento donde poco a poco la desarrolladora conseguiría el suficiente rédito gracias a obras como el primer Fallout o Wasteland, para poder distribuir sus productos por ella misma, sin la necesidad de que un gigante interviniera en la distribución. Es en este momento cuando veríamos el nacimiento de Black Isle Studios, que en su momento surgió bajo el ala de Interplay y que acabaría trabajando estrechamente con Bioware, o la aparición de Silicon & Synapse, a la que Fargo subcontrató para realizar juegos de deportes y que años más tarde, gracias al talento de sus trabajadores, acabaría desarrollando alguna de las IP más importantes de los juegos de rol, pero eso es otra historia…

Aunque uno pensaría que a Interplay le iba genial, nada más alejado de la realidad. Al intentar tocar muchos palos a la vez, trabajar en exclusiva para el mercado del PC, a la vez que desarrollaban juegos basados en licencias de películas o libros, lo que consiguieron poco a poco es que, aunque tuvieran cierto éxito, no el suficiente para poder seguir rentabilizándolo todo ellos mismos, haciendo que primero el 45% de sus acciones fueran compradas por Universal (que posteriormente se convertiría en Vivendi) para luego en el año 98 tener que realizar una oferta pública de venta para buscar financiación para así poder realizar nuevos videojuegos a la vez que intentaban saldar sus deudas. Poco después, Titus Software, una filial francesa dedicada al desarrollo, aceptaría financiar a la empresa de Brian Fargo, a cambio de colaborar estrechamente en la realización de futuros títulos; no obstante, aunque la relación parecía prometedora, un año después Fargo aludió a que había “diferencias en la ideología de gestión” entre él y los directivos de Titus, consiguiendo estos presionarle en el 2002 para que abandonara su puesto e intentar tener un control aún más férreo sobre Interplay, lo que haría que tan solo dos años después, en 2004, la empresa cerrase sus puertas. Cuando Brian abandonó su estudio, aún sentía la necesidad de canalizar su creatividad y amor por la fantasía de algún modo, por lo que en el mismo año de su marcha, fundaría inXile Entertainment, junto con antiguos compañeros de Interplay que corrieron su mismo destino. Es aquí cuando el equipo sentiría la necesidad de volver a sus raíces y, como ya no disponían de la oportunidad de continuar ciertas obras, decidieron darle un pequeño girito a la cosa.

Como mencioné al principio de la historia, Electronic Arts disponía de los derechos de publicación y distribución de Bard’s Tale; de la misma manera, Interplay aún disponía de derechos asociados a la trama, personajes, nombres y lugares, por lo que Fargo tuvo que jugar sus cartas de manera creativa. Si bien no podía hacer una continuación directa o un sucesor espiritual, sí podía emplear el título del juego original (lo único que consiguió por aquel entonces gracias a negociaciones) para realizar su propio videojuego; es aquí cuando su equipo empezaría a trabajar en una nueva historia, una aventura que, si bien era un punto y aparte en el universo ambientado en Skara Brae, tenía ciertas referencias al mismo. Además, para esta ocasión, sabiendo que tenían que empezar de cero a nivel comercial, como Brian aún mantenía estrecho contacto con algunos de los trabajadores de Interplay, licenció el motor Snowblind Engine, sistema que se había empezado a utilizar para juegos como Baldur’s Gate: Alliance o el futuro Fallout: Brotherhood of Steel, títulos a su vez muy relacionados con la historia de la compañía y que espero que podamos tocar en posteriores entradas. Sea como fuere, teniendo en cuenta que el próximo título del bardo iba a ser un producto principalmente para consolas, además de un supuesto “spin-off”, inXile se esforzó por darle su propia identidad más allá de ser un regreso de una antigua franquicia, al venderlo como una parodia del tropo de fantasía habitual, muy inspirado tanto en la mitología celta como en la nórdica e irlandesa, consiguiendo darle así un estilo muy particular a la vez que conseguía ser un punto de entrada perfecto para gente ajena a la saga original, mientras que cierto punto de contacto para aquellos que echaban de menos la vieja trilogía.

Toda la publicidad de la reimaginación del Bardo, se basaban más en remarcar que no estabamos ante una “fantasia tradicional” que en venderte el juego en si.

Pasando ya al juego per se, interpretaremos al Bardo, un oportunista anónimo que viaja de aquí para allá buscándose el pan. Antes incluso de empezar la historia, tenemos una pequeña toma de contacto de los diretes habituales de su profesión, gracias a tener que limpiar la vieja posada de una viuda de una rata. Lo interesante aquí es que uno podría pensar que es lo habitual del género, pero ya el juego empieza con el giro de que el ratón a enfrentar es un monstruo gigante escupefuego, por lo que nuestro protagonista, sin poder vencerlo, sale ardido del lugar en más de un sentido, obligado a tener que ser ayudado por un anciano misterioso, que le ofrece poderes místicos a cambio de que se enrole en la búsqueda de la liberación de una princesa, enredando a nuestro héroe en toda una épica que sale de todo, menos bien… Antes de pasar a desgranar un poco la trama en sí, quiero hablar de la figura del bardo. En los originales, el bardo existía primero como narrador y luego como clase, dentro de un amasijo de personajes que conformaban un grupo genérico que el jugador creaba para realizar su misión; aquí, con el nuevo milenio, más presencia de la narrativa a través de las cinemáticas y más enfoque en la historia, nuestro héroe no podía ser simplemente un cualquiera, tenía que mantener ese estilo anónimo que permitiera proyectarse en él, a la misma vez que desarrollaba una personalidad fuerte y marcada que le permitiera ser algo más que el avatar del jugador. Es aquí cuando el equipo de guionistas de inXile consigue llegar a un punto intermedio muy satisfactorio, puesto que este trovador es estúpido, sarcástico, mujeriego y egoísta, pero también mantiene partes de hoja en blanco que permiten a la persona fuera de la pantalla moldearse en él; además, aunque simple, el juego cuenta con un pequeño sistema de decisiones que permite dar nuestra propia interpretación del bardo, haciéndolo más amable o más agresivo, condicionando con ello a los NPC con los que interactuamos, para abrirnos o cerrarnos puertas en función de nuestro comportamiento.

Que no falte el sarcasmo y las referencias “verdes” del bardo.

Pero no solo es nuestro protagonista quien en cierta parte desentona de lo habitual, también la narrativa en sí y el resto de personajes que pueblan el mundo. Antes hablamos de la rata gigante, pero también tenemos a sujetos como Bodb y su cuadrilla, el granjero impertinente que acaba peor de lo esperado, los propios enemigos que en muchas ocasiones son iguales de ridículos o tontos que nuestro héroe e incluso cómo lleva hasta el absurdo todo el tono de la trama, al convertir al bardo en uno más dentro de una ristra de “elegidos”, que más que ser elevados por su bravura u honor, son ridiculizados hasta el extremo, convertidos en carne de cañón o directamente siendo advertencias de que la trama a la que nos enfrentamos es en el fondo peor de lo que imaginamos, ya que nada es lo que puede parecer a simple vista. Aun sabiendo todo esto, aun negándose porque rescatar princesas siempre sale mal, nuestro avatar tiene tantas ganas de introducir su espada en la funda, que acaba tragando y siendo partícipe de esta suerte de sátira de lo que sería el camino del héroe habitual. Aun así, la obra no teme burlarse de él de una forma u otra, por correr como pollo sin cabeza detrás de una mujer, junto con los resultados que eso conllevaba, obligándonos incluso a tener que buscarle pretendiente a una chica enamorada de nuestro personaje, tanto para quitárnosla de encima como para contentar a su padre, que tiene algo necesario para que el bardo pueda avanzar en su odisea. Todo sea dicho, si bien la narrativa no revoluciona ni reinventa nada, así como a veces peca de un humor un poco rancio para nuestros estándares actuales, si este juego es tan querido y recordado por todos los que lo jugamos, es por lo gracioso que es de principio a fin, tanto que muchos de sus chistes o roturas de la cuarta pared se pueden recordar años después. Además, hay que sumarle el tremendo trabajo de doblaje detrás del título, no solo por la voz del Bardo interpretada por Cary Elwes, actor de La princesa prometida o Robin Hood, sino también por gente como Tony Jay, quien hace del narrador, o el propio Robin Atkin Downes, prominente doblador que empezaría con esta y varias obras a hacer sus pinitos.

Pero sin duda otro punto que hace tan remarcable al juego de 2004 es su apartado musical. The Bard’s Tale no solo cuenta con actores de categoría poniendo voces, también tiene canciones con un trabajo de setting detrás y voces brutales. Aquellos que me conocen más a fondo saben que odio los musicales; no obstante, aquí los momentos donde se interrumpe la acción para soltar una de estas melodías, aparte de estar muy bien tirados, son empleados más que para ser el cuerpo de la historia o convertir a esta en una excusa para llegar hasta ellos; surgen para o bien hacer su propio chiste o terminar de rematar alguna situación absurda. No son tampoco abundantes y, quitando una canción, que sí es reproducida varias veces con sus determinadas variantes para representar la evolución de cierta trama que se está rondando, son todas únicas y muy acordes a cada momento en el que aparecen. Eso sí, la lástima aquí es que no están traducidas; los subtítulos están en inglés y, a menos que no sepas leer o entiendas bien, te va a costar seguirles el ritmo, cosa que, por otro lado, es un paso atrás, ya que desde que salió el original, ya que por aquel entonces ya estaban así, hubiera sido un gran aliciente para este remaster que se hubiera hecho el esfuerzo de traerlas a los diferentes idiomas a los que están traducidos el resto de diálogos del juego, ya que solo hubiera habido que destinar un poco del presupuesto en arreglar una parte, puesto que el resto del título ya se encuentra preparado desde su lanzamiento en 2004, denotando al final, no solo que inXile es una compañía pequeña, sino que, por desgracia, se hizo el remaster con la ley del mínimo esfuerzo, cosa que me entristece, pues para mí es un juego de la niñez y creo que se merece mucho más cariño, más allá de mejorar las texturas y adaptarlo para nuevas plataformas… Que, ya que estamos sacando este punto, también mencionar que, aunque la mayoría de su contenido está en HD, tanto la cinemática de introducción a la historia como las que representan los diferentes finales de la trama se han mantenido a 240p, intentando resolver la papeleta con un marco cutre alrededor… Simplemente lamentable…

Aquí una pequeña muestra de: “It’s Bad Luck To Be You” uno de los temas más sonados y divertidos del juego.

Mencionar también que, aunque la historia del bardo es hilarante, se echa de menos un poco más de empaque a la misma o desarrollo, porque sí, tener una trama sencilla centrada en la comedia sin muchas aristas permite seguirla fácilmente sin perderse, pero también impide que haya un arco de evolución o profundidad en ciertos personajes. Si bien nuestro héroe puede llegar a sentir dolor y pena, por algunos, realmente es un contenido que solo se puede ver de manera opcional y que no acaba representando los verdaderos intereses de nuestro protagonista, pues más allá de ciertos momentos no es algo que se mencione realmente. Por eso hay momentos como el final del Bodb original, que se sienten demasiado tontos, incluso cuando se nos permite comunicarnos con él más adelante, generando una extraña situación a caballo entre el lamento y el absurdo. Además, aunque el juego tiene sus giritos, como es pura sátira, muchas veces el título acaba arruinando la sorpresa por querer hacer la broma, llegando al punto de que determinadas revelaciones que en otras obras podrían ser cruciales o emocionantes, aquí, si no es a través del humor, acaban perdiendo un poco de fuelle, como por ejemplo toda la leyenda que gira alrededor de la princesa Caleigh y su “elegido”, que sí, que tiene su mensaje subyacente, junto con ser una fuente de risas, pero cuando se da el giro decisivo al final, como el juego lleva todo el tiempo hasta entonces haciendo coñas sobre eso, ya te lo ves venir de demasiado lejos… Cosa que evidentemente puede sentirse mejor o peor, en función de la persona que esté detrás de los mandos. Además, como podremos imaginar, elijas lo que elijas al final, aunque te dé diversos finales, en todos acabas saliendo con la tuya de una manera u otra, incluso en el más “bondadoso” de todos. Una vez más, esto no es necesariamente malo, pero sí se siente que, más allá del cachondeo, el videojuego podría dar más, pero no lo hace porque está al servicio del humor por encima de todo.

Y sí, sé que muchos, entre ellos yo incluido, si venimos aquí y nos quedamos hasta el final, es precisamente por los jajas; no obstante, ahora que me lo he vuelto a terminar de principio a fin después de unos cuantos años, me hubiera gustado más ver un poco más de interés y desarrollo en ciertos personajes junto a sus relaciones, como me pasa con el Bardo y el perrete, e incluso del villano principal con los guardianes de las torres, aliados que se han encargado de mantener cautiva a la princesa durante cientos de años y que se supone que deberían parecer algo más que simples botarates decididos a ser obstáculos en tu camino, y así con unos cuantos más que no quiero desvelar. Con todo, como la obra nos hace encarnar a un antihéroe que solo mira por su propio interés, muchas cosas no se muestran como blancas o negras, ni todo le sale a pedir de boca, por mucho mal o bien que quiera generar, provocando diversos momentos como todo el capítulo opcional con Finstown, que nos demuestran que, más allá de la coña, el bardo no deja de ser un intento patético de héroe al que muchas veces le salen las cosas peor de lo esperado o directamente se mete en líos, por ser un completo idiota o alguien que solo piensa con su miembro inferior, dándole un estilo particular, que, pese a algún que otro chiste que envejeció regular, consigue convertirle en un tipo de protagonista que no empezaríamos a ver más asiduamente en el contenido más mainstream tiempo después, y eso, nos guste o no, también tiene cierto mérito.

Aunque no lo parezca por todo lo dicho, The Bard’s Tale ARPG, sigue descendiendo de una saga muy rolera, por lo que aunque llevemos a alguien más o menos definido parte de la personalización esta aún ahí…

Pasando al apartado jugable, la idea de acercar a Bard’s Tale a consolas hizo que el acercamiento de inXile a la obra fuera radicalmente opuesto a lo mostrado en los ochentas y noventas, con los juegos originales. Los jugadores de este tipo de máquinas en su mayoría ni habían olido ni sabían qué era un Blobber o un Dungeon Crawler, así que el enfoque a la hora de jugar al título también tenía que estar adaptado a eso, así que en vez de forzar a los curiosos a un tipo de juego que en base es muy fácil que les echara para atrás, aprovecho para intentar mantener sus raíces roleras, a la vez que se volvía un juego mucho más casual, centrado en la acción. En función de la dificultad escogida, el bardo dispondrá de una serie de puntos a repartirse entre seis características, que definirán a su vez la manera en la que nos enfrentamos a los peligros; podemos hacer que nuestro protagonista se centre en el combate a distancia, que pelee más con espadones, con un arma en cada mano o bien directamente se centre mucho en sus invocaciones a través del ritmo. Sea como sea, el sistema es lo suficientemente flexible para que podamos hibridar fácilmente a nuestro avatar e incluso, con un poco de maña, pueda llegar a dominarlo todo, puesto que, aunque las subidas de nivel son muy lentas, cada una nos da dos puntos de subida en atributo y, cada dos niveles, podemos escoger una dote, pudiendo desde aprender tiros cargados con el arco, pasando a mejorar nuestro sistema de críticos o incluso aprender movimientos anti-masas o parrys para cuando nos defendamos. Esto consigue que, aunque juguemos de una manera, no tengamos que estar atados a una “clase”, a una forma de jugar, siendo perfecto para aquellxs que buscan una experiencia de rol ligera o probar un juego de rol sin tener que comprometerse demasiado con el mismo, aprendiendo sus intrincados sistemas. Con todo, hay que añadir que todos los atributos son muy obvios, pueden ser revisados en cualquier momento para saber qué hacen y, mediante artefactos, pueden ser potenciados de manera permanente, si nos tomamos la molestia de patear los diversos lugares para encontrarlos. Otro punto a tener en cuenta es que el equipamiento, aunque a veces caro y escaso, hace una diferencia significativa, permitiendo subir la escala de poder de nuestro avatar rápidamente, permitiéndonos hasta en ocasiones, jugando bien, poder superar la mayoría de conflictos sin inconvenientes, ya que entre nuestros lacayos, nuestras herramientas y nuestras habilidades, podemos ir tirando si tenemos algo de cuidado, ya que aunque el videojuego no es extremadamente difícil, sí es exigente, más en sus primeros compases, donde aún nos estamos situando y nuestras posibilidades son bastante limitadas.

Por otra parte, aunque el juego tiene ciertos elementos roleros, en realidad, quitando las mazmorras basadas en mapas del tesoro junto con los capítulos 2 y 9, que son opcionales, es un título muy lineal, que te suele llevar bastante de la mano para que puedas completarlo. Si bien dispone de un montón de dungeons a explorar para obtener secretos interesantes, su recorrido suele ser bastante directo, con algún que otro pequeño desvío; ni es fácil perderse, ni va a ser difícil retomar el punto en el que te quedaste si mueres, porque aunque suele haber un montón de trampas, también hay un montón de puntos de guardado durante cada recorrido (excepto en la dificultad más alta, que se reducen). A esto hay que sumarle que, aunque disponemos de una invocación para restaurarnos rápidamente, tanto la salud como el maná, el bardo regenera automáticamente ambos medidores con el tiempo, tanto en movimiento como quieto, por lo que es sencillo mantenerse más o menos a cubierto cuando las cosas van mal, esperando un poco para recuperarte y volver a la acción, e incluso mantenerte a distancia empleando el arco para reducir a los enemigos que se te intenten acercar durante el descanso, ya que, aunque el juego está en su versión HD, mantiene el bug del original de 2004, en el cual los enemigos fuera de cámara o en el borde de la misma se laguean y, como las flechas cargadas los empujan, es muy cómodo mantenerlos fuera de rango a la vez que los eliminamos. Evidentemente, esto no sucede con los jefes, pero una destreza bien subida con el arma a distancia adecuada puede ser igual de letal para ellos, por mucho que su combate sí suceda con todas las de la ley… Eso sí, quiero corregir a mi yo de 2020 en un detalle: si bien el combate puede llegar a trivializarse en algunos puntos gracias a poder despachar a los enemigos antes de que lleguen, no es lo más cómodo jugar 100% con una build basada en golpear desde lejos, ya que la lucha con arco es mucho más lenta que el combate cuerpo a cuerpo con espada y, aunque los esbirros de nuestro protagonista hacen mucho, no llegan a golpear tan fuerte ni aguantar tanto castigo como nuestro personaje, por lo que, si bien pueden servir como muro de contención, no son la solución a todos nuestros problemas, haciendo que salga más a cuenta debilitar a rivales que se acercan o despachar a los que están lejos para luego unirnos cuerpo a cuerpo con los demás, aprovechando para castigar la espalda del rival ocupado con nuestros siervos, ya que por ahí, el bloqueo no funciona ni tanto para nosotros, como para el resto de NPCS que habitan el mundo. Es más, a la larga, una build más equilibrada sale mucho más a cuenta que centrarse solo en una cosa, puesto que es muy común que el juego nos tire una ingente cantidad de enemigos para eliminarnos, por lo que poder adaptarse a la situación con rapidez y usar la cabeza, junto a todos los recursos que disponemos, es vital para poder seguir adelante…

En esta situación por ejemplo contra este boss si merece la pena castigarlo de lejos con el arco, porque no solo aguanta un montón, sino que además pega mucho y muy fuerte, por lo que mejor debilitarlo todo lo posible, mientras nuestras invocaciones aguanten…

Y tener todo esto en cuenta es sumamente importante, porque pelear es la segunda pata del juego más allá de la narrativa. Si bien visitamos muchos lugares durante la gesta del bardo, en la mayoría de ellos, quitando las primeras ciudades, el modus operandi del juego es tirarnos oleadas de enemigos cada dos por tres, por lo que luchar es lo que más vamos a hacer en el juego. La desgracia es que, aunque el combate es muy accesible a la par de sencillo de dominar, llega un punto en que se queda muy atrás, porque no plantea muchas más opciones o posibilidades más allá de disponer de nuevos esbirros a invocar o que estos sean más poderosos. Por lo que puede llegar un punto en la historia en que algunos jugadores lo sientan algo repetitivo y con razón, puesto que la mayoría de enfrentamientos se acaban resolviendo de la misma manera, sin mucha variación a lo largo de la obra, más allá de que conforme más fuertes somos, menos duran. Con los bosses sucede un punto intermedio, pues según el momento en que nos pillen, pueden costarnos más o menos dependiendo de si vamos parcos de equipo y algo más bajos de nivel. Adversarios como Herne o Lugh, por ejemplo, a mí se me hicieron bastante triviales, gracias a que iba con los deberes hechos; sin embargo, otros como Mananan, pese a ir bien preparado, me costaron por el tipo de enfrentamiento que presentan, así que al final del día depende mucho de lo que hagas antes, aunque quiero presuponer que en la dificultad de “Tipo Duro” (la más alta del juego) sí serán una amenaza, ya que nuestro héroe dispone de muchos menos recursos que en los niveles de dificultad más bajos. Aun con todo, decir que esto permite que muchos que no están tan habituados a este tipo de obras puedan afrontarlas sin problemas a base de ensayo y error, sin necesitar elementos externos como guías, ya que al final del día, nos guste o no, es lo que pretendían Fargo y su equipo, que cualquiera con un mínimo de curiosidad o interés pudiera entrar aquí y salir habiendo echado un buen rato, ya que una vez más, no tienes que comerte la cabeza con intrincados sistemas, aprender cómo tirar ciertas habilidades o incluso conocer los detalles de una “clase” o “build”.

El combate no es complicado, pero si requiere por nuestra parte algo de capacidad de adaptación.

A la larga, esto no puede gustar a todos y lo entiendo, pero si funciona tan bien este juego, es precisamente por querer ser lo más accesible posible, hasta tal nivel que un niño de 10-11 años pueda jugarlo, porque es en esa época de mi vida cuando yo descubrí este título. Y sintiéndolo mucho por mis habituales, aunque me gustaría ponerme muy sentimental, he de seros sinceros, no me acuerdo con todo lujo de detalles, como sí lo hago de obras como Oblivion, y eso es porque, aunque este juego me marcó, además de que le tengo cierto cariño, no fue tan capital para mí como la obra de Bethesda. No obstante, The Bard’s Tale sí representa una época más pura y más sencilla de mi vida, donde yo era un niño dentro de una familia pobre, que si recibía algo, era un juego anual y da gracias; tampoco podía piratear porque no tenía ordenador ni internet en mi casa (mis padres no se lo podían permitir), por lo que mi única forma de disfrutar mi hobby más allá del típico juego de licencia que me regalaran mis padres en algún cumpleaños o Navidad era ir a morir a lo que tuviera el videoclub de mi barrio. La verdad es que mucho antes de ir yo por mi cuenta, mi madre solía llevarme a este y a otros sitios de alquiler de películas, ya que por aquellos años todavía había un montón de ellos, pudiendo alquilar todo tipo de cintas que luego consumiría una y otra vez. Cuando cumplí mi primera década de vida, mi madre ya me dejaba moverme solo por mi barrio, siempre que no volviese tarde a casa, por lo que en cuanto empecé a tener un par de amiguetes, muchas veces íbamos al establecimiento cerca de mi casa a bichear qué posibles videojuegos nos íbamos a llevar para el finde, porque habíamos aprendido el hack de que si pagabas los dos euros en cuestión por el jueguito de marras un viernes o sábado a primera hora, como el domingo no se trabajaba por allí, podías devolverlo el lunes durante todo el día, por lo que te permitía disfrutar de ciertos juegos más tiempo y, si te engorilabas, hasta podértelos pasar en un finde. Es en estos años cuando probé todo tipo de títulos que definirían mi trayectoria como jugador: RPGS, plataformas en 2D/3D, arcades, juegos de carreras; hubo un poco de todo y para todas las edades, ya que mis padres estaban tan ocupados intentando ganarse el pan para mantenernos a mi hermana y a mí, que no se fijaban demasiado en lo que pillábamos por ahí. Además, mi madre, ya tras ayudarme a pasarme el Resident Evil 3 en mi PSX, ya me consideraba lo suficientemente mayor para poder jugar solito sin ayuda.

Por aquel entonces fue gracias a un viejo amigo mío (Sidgur) y su hermano que acabé descubriendo el juego del bardo, ya que, aunque era un título para mayores, realmente solo tocaba el más grande de los dos; sí lo vi jugar en su casa alguna que otra tarde, cuando iba a recoger a mi colega para jugar por ahí. Todo esto acabaría generando mucha curiosidad en mí, haciendo que uno de esos tantos viernes acabara siendo yo el que alquilara el juego de inXile para poder probarlo en mi flamante PS2. Pese a que algunos chistes no los pillaba y las canciones me hacían gracia, pero no las entendía, pude ir poco a poco avanzando en la historia, resolviendo a base de ensayo y error combates complicados, la exploración o la subida de características, entre otras cosas, curtiéndome poco a poco sin saberlo en este tipo de obras, a la par que me obligaba a buscarme las habichuelas para prosperar, a menos que me quedara muy atascado, recurriendo a este chaval mayor que, como yo, iba alquilando el videojuego de higo a brevas algún que otro fin de semana, pero que por supuesto siempre iba más avanzado que yo. A base de esfuerzo, pude llegar prácticamente hasta la última mazmorra, pero nunca lo terminé, ya que en esos momentos no terminaba de entender todos los sistemas e iba un poco más hacia adelante guiado por la linealidad que la obra de Brian Fargo presentaba. También recuerdo haberme borrado la partida y haberla empezado de nuevo un par de veces, probando otros caminos a ver qué me deparaba el destino, aunque siempre acabará pasando por los mismos lugares, con alguna que otra pequeña variación. Poco a poco estuvimos así hasta que años después nuestro lugar de referencia cerraría, gracias al masivo auge de los smartphones e internet, por lo que en vez de simplemente tirar todo su material, sus dueñas decidieron liquidarlo todo a precios muy competitivos, entre ellos sus viejos videojuegos de PS2, ya que tanto la 360 como la PS3 estaban en el mercado y ya la gente, si iba a alquilar algo, lo iba a hacer en el recién estrenado GAME, aprovechando que podías jugar lo más nuevo a un precio competitivo y con el mismo hack que cualquier otro videoclub de turno… Si bien en este momento de mi vida yo ya empezaba a rozar la adolescencia y tenía mis pequeños ahorros, debido a que mi paga era de 5€ cada semana, no es que pudiera permitirme mucho con la misma, por lo que tenía que elegir bien qué juegos quería comprar del local, antes de que cerrara para siempre, por lo que corrí nada más me enteré para poder obtener varios juegos que me encantaban, entre ellos, la vieja y estropeada copia de la aventura del bardo que aún conservaba el lugar. Sin embargo, desgraciadamente, llegué tarde, pues cuando pude ir con algo de dinero, la mayoría de lo que me interesaba se lo habían llevado, entre ellos el juego que hoy nos ocupa, así que tuve que hacer de tripas corazón y perder uno de mis ansiados recuerdos de la niñez, mientras veía cómo uno de los lugares que había sido capital en mi crecimiento como gamer chapaba sin dejar ningún legado consigo…

Cortesía de Google Street View, os abro una ventana a 2008, cuando todavía aún existian los ultimos estertores del Videoclub Milenio, mi lugar de referencia para descubrir videojuegos, entre ellos el The Bard’s Tale.

Poco después me enteraría de que la copia del videoclub se la había quedado el hermano mayor de Sidgur y, como era muy celoso con sus cosas, jamás me quiso hacer el favor de prestármela, incluso cuando ya hacía tiempo que se había ido de la casa de sus padres y había dejado sus videojuegos de PS2 atrás… Así que con todo el dolor de mi corazón tuve que dejar la oportunidad junto al tiempo pasar. Es en 2020 cuando, otra vez sin apenas ingresos, acabaría pudiendo jugar de nuevo a la vez que terminaba por primera vez el juego, gracias a la isla de la tortuga. Si bien no me flipo, me valió en aquel entonces para echar a andar mi blog Greybox, a la par que me servía para reencontrarme con un título que recordaba y echaba de menos, pero que nunca había completado, hasta aquel entonces. Aunque debo decir que me dejó con sensaciones algo más mixtas hace seis años, aún seguía recordando la obra con mucho cariño, así que aproveché este año y este espacio para volver a darle un try como se merece, por lo que aquí estamos otra vez; sin embargo, mis sensaciones son muy diferentes, me explico. La otra vez que lo jugué, lo hice en una versión sin actualizar para Switch, mientras que para esta ocasión lo he jugado en mi PS5 a través de la retrocompatibilidad y el salto que he notado es cuantitativo. Las pantallas de carga duran un par de segundos, va todo muy fluido en casi todo momento, excepto por lo del bug que os mencioné antes; todo se ve muy nítido, permitiendo que, aunque el videojuego no sea exactamente igual que el original del 2004, sea la mejor manera conocida de experimentarlo a día de hoy, siendo una ventana muy cómoda para retrotraernos a ese ya lejano pero querido 2004, en el que lo más puntero que había eran máquinas como la PS2 o la Xbox. Viéndose no tal como era en realidad, pero seguro que sí como nuestra mente lo edulcora y quieras que no, para los estándares de 2026, eso no es poco, porque aunque The Bard’s Tale ARPG sea un título que en algunas cosas sigue oliendo como hace más de 20 años, también tiene que decir mucho a día de hoy, y eso no es precisamente poco…

Pese a estar un poco anticuado, me ha parecido una experiencia maravillosa a día de hoy, con un humor muy particular que ya no es tan fácil que podamos ver, con un protagonista muy carismático, pero a la vez no todo lo definido que se podría para dejarle espacio de creatividad al jugador, con una trama que, sin reinventar nada, consigue ser una sátira muy entretenida que siempre tiene algo que decir o con lo que sorprender. Pero sobre todo, si tengo que destacar una cosa por encima de todo, es el bendito momento en que Brian Fargo y el equipo de inXile decidieron no hacer un título para contentar a aquellos que buscaban más de lo mismo, sino abrir una puerta a muchos niños y adolescentes que sentían cierto interés por el mundo del RPG, pero todavía no se atrevían a dar sus primeros pasos, no tenían un PC gordo del que tirar o alguien que los guiara, siendo el relato del bardo, con todo lo bueno y todo lo malo que eso conllevaba, su primera experiencia algo más dura relacionada con este fascinante género que incluso a día de hoy sigue enamorando a cientos de miles de personas por todo el globo. Quizás si mi yo de 10 años no hubiera ido un viernes por la tarde al videoclub Milenio a bichear ese jueguito de rol de PlayStation 2, el Spi que está ahora sentado escribiendo esto no existiría, ni sentiría la misma pasión ni el mismo interés por descubrir todo tipo de videojuegos, especialmente aquellos relacionados con el mundo del mazmorreo. Por lo que solo puedo decir una cosa: Gracias por existir, The Bard’s Tale; gracias por querer seguir anteponiendo la creatividad a las ganancias, Brian, y gracias, inXile, por crear el videojuego que no sabría que acabaría siendo la puerta de entrada a un mundo maravilloso como este, el que aún me permite seguir descubriendo cosas nuevas no solo para mí, sino también para todos aquellos que mes a mes depositan su confianza en mí y en mi espacio. Gracias por todo, gracias por un año más…

Dos decadas después me pude hacer con mi copia precintada del jueguito para PSVita. Mi idea era reseñar esta versión, pero tengo entendido que va incluso peor que la de Switch, así que me da a mi que se va a tener que quedar precintada…

Desarrollador: Starbreeze Studios.

Distribuidor: TDK Mediactive Europe.

Plataformas disponibles: PS2, Xbox, Gamecube, Wii (a través de retrcompatibilidad), PC (Steam).

Fecha de lanzamiento: 19 de Marzo de 2004 en Gamecube, 8 de Abril de 2004 tanto en PC como en sistemas Xbox, por ultimo el 4 de Junio de 2004 para PS2.

Género: Juego de acción con combate metodico combinado con sistema de desplazamiento y cámara cercanos a un Survival Horror.

Nivel de dificultad: Variable (En función de la dificultad escogida).

Duración: Entre 8 y 15 horas, en función de la dificultad y tú habilidad.

Estado: Finalizado el 27 de Julio en Wii a través de la retrocompatibilidad.

El mundo de los soulslikes es en cierta medida fascinante, no por la cantidad de ellos que existen o directamente por los que se emulan unos a otros, sino más bien por el origen de los mismos. Cualquier persona media diría que sus raíces no son difíciles de rastrear, pues el primer exponente más cercano a la fórmula es Demon’s Souls, el exclusivo de PS3 que Sony desdeñó y acabó convertido en un fenómeno de masas. Sin embargo, aquellos fans más acérrimos, que han ido escarbando en el pasado de FromSoftware, han empezado a cuestionar dicha afirmación, pugnando por darle visibilidad a trabajos como King’s Field o Shadow Tower, obras que, pese a no compartir el mismo sistema de control o visión, sí disponen de ese toque melancólico, oscuro, pero sobre todo exigente, que caracteriza tanto a los trabajos recientes de la empresa nipona como a gran parte de su historial a lo largo de varias décadas. Como estos videojuegos existieron mucho antes de que Hidetaka entrara en la empresa, fueron bautizados por sus defensores como: Proto-souls, al ser versiones precursoras de la escuela que luego afianzaría Dark Souls y todos sus sucedáneos, siendo en muchas ocasiones mucho más duros, al tener una capa de diseño por encima diferente a la vista en estos últimos tiempos.

Hasta aquí, todo bien; sin embargo, las cosas empezaron a complicarse muy rápido, ya que, como este apelativo no es una certeza directa ni realmente un género per se, ha permitido que muchos otros jugadores empiecen a especular y elongar su significado, metiendo diversos juegos en este paraguas. Más allá de los obvios mentados, otros ejemplos han sido: Blade o Severance (según tu lado del charco), The Edge of Darkness, el mítico ARPG hecho por Rebel Act Studios, aka Mercurysteam; el Lords of the Fallen de 2014, juegos como Dark Messiah e incluso se ha llegado a mencionar títulos como Salt and Sanctuary. Lo gracioso de esto es que, realmente, quitando el juego español, ninguno de los demás que se suelen utilizar como ejemplo más directo cumple realmente con los requisitos habituales para considerarse realmente un protosouls, ya que, quitando el juego de Arkane (y tampoco lo consideraría del género como tal), todos los demás aparecieron después de la ópera primera de Miyazaki y todos, en mayor o menor medida, beben en gran parte de él, por lo que, por mucho que se sientan como versiones que podrían dar para más, en el fondo no dejan de ser clones. Es más, diría que videojuegos tangencialmente alejados de From, como Monster Hunter, Rune u Ocarina of Time, han sido mucho más decisivos a la hora de acercarse a las mecánicas de este tipo de obras, muchos años antes; sin embargo, como podréis imaginar, hoy no estamos aquí para rastrear los modelos y orígenes de tan aclamada saga.

Aquí es cuando entra el título que hoy nos ocupa. Durante una investigación para ver con qué próximos juegos de Wii/GameCube iba a ponerme, aprovechando mis vacaciones de verano, descubrí casualmente Knights of the Temple, duología hecha por Starbreeze, responsables de juegos como The Darkness o Payday, obras que he jugado en el pasado y disfrutado; no obstante, debo decir que iba sin ninguna expectativa en mi contacto inicial, pensando simplemente que podría estar entretenido, dados los responsables del juego y que la portada se veía bien. Tras leer varias reviews en diversos idiomas, no podía creerlo; por lo visto, varios reseñadores habían bautizado a este juego de 2004, que pasó sin pena ni gloria, como un protosouls, siendo más exactos, como una joya oculta, borrada por la historia, que supo continuar el legado de Edge of Darkness a la misma vez que exhibía muchos de los elementos que nos fascinan a día de hoy de los Souls y sus clones. Por lo que decidí darle una oportunidad e intentar terminarlo de principio a fin, para ver si dichas afirmaciones son auténticas o solo un reclamo para que veas ciertos videos. Antes de empezar, decir que sí, he jugado a unos pocos Soulslikes para saber de qué va la copla; aun así, si veis que patino en algo o no estoy tan acertado, no olvidéis señalármelo en los comentarios, así aprendemos todos. Sin más dilación, hoy ahondaremos en las andanzas de Paul de Raque para salvar al mundo, pero sobre todo a la cristiandad, de la oscuridad que se cierne…

Muchas de las cinematicas del juego utilizan este diseño pictorico para mostrarse, ya que el motor es lo que es…

Como adelanté, encarnaremos a Paul de Raque, joven hermano de la orden templaria, que, siguiendo los pasos de su padre, un cruzado justo y valeroso, ha decidido alistarse. Es en una cacería cuando a menos de uno de sus compañeros malherido y comido por las moscas recibe una carta de la madre de Adelle, diciéndole que esta no ha vuelto de su visita semanal al monasterio de Belmont. Extrañado por la misiva y el estado de su amigo, nuestro héroe pone rumbo al lugar para hallar respuestas; a su llegada, todo aparenta ser normal; sin embargo, el monje que le guía le informa que algo pasa en el templo, pues sus hermanos actúan de forma extraña y la chica que vino hace unos días ha desaparecido. Es en ese momento cuando el joven templario descubre que el motivo de la visita de la joven es ver al obispo, obispo que lleva 6 años fallecido. Al descubrirlo, este es atacado por los sacerdotes que se encuentran presa de las fuerzas del mal, por lo que ahora Paul deberá intentar localizar a Adelle, mientras obtiene respuestas e intenta frenar a las huestes del mal que están intentando tomar nuestro mundo. Y ya está, eso es todo, no hay giros de guion imprevistos, situaciones fuera de la norma o algún que otro personaje digno de destacar; es más, ni siquiera el trío principal tiene mucho desarrollo más allá de sus arquetipos: el obispo es el villano principal malo-maloso de principio a fin, Adelle no deja de ser el interés romántico a la par que una santa y Paul no deja de ser el héroe bondadoso que resiste con estoicismo a las fuerzas del mal. Si bien es interesante que el poder del mal haya unido a su causa tanto a occidentales como a orientales, con ideologías radicalmente opuestas, más allá de eso, no dejan de ser otros enemigos más, como podría ser otro cualquiera, ya que lo importante aquí no es tanto la historia o su profundidad, sino el viaje que hacemos, los lugares que visitamos y los rivales a los que enfrentamos, siendo todo lo demás más un móvil o justificación para hacernos pasar por los sitios que pasamos y poder meter a los diferentes tipos de adversarios con los que nos topamos, que algo que pudiera suscitar un mínimo interés…

Que no se me malinterprete, esto no es necesariamente malo; muchos juegos clásicos ponen por encima otros aspectos a la narrativa y les funciona genial. No obstante, no hubiera estado mal un poquito más de desarrollo o interés en expandir a los personajes fuera de su rol, porque sí, aunque Paul no hable tanto durante la historia, durante los interludios podemos leer parte de su pensamiento, pudiendo ver algunas de sus inquietudes, pero aun con esas, quitando algunos momentos puntuales, acaba siendo más un resumen de la fase que algo que verdaderamente lo defina como individuo o lo diferencie de cualquier otro protagonista bondadoso genérico del momento. Probablemente en este punto, algún lector o lectora avispadx estará pensando que precisamente lo que hacía especial a juegos de tipo Souls era que había un subtexto detrás, un aire melancólico o incluso ciertas pautas u objetos que ayudaban a descubrir el mundo; por desgracia, siento aguarle la fiesta, pero aquí no hay nada de eso. Si bien es cierto que, gracias al sistema de cámara, ciertas estancias como el monasterio de Belmont o nuestro paso por el infierno pueden suscitar un toque más sombrío, Infernal Crusade en esos segmentos se siente más como un intento de survival horror o un juego de acción con tintes de horror, que algo cercano a los homenajes de Miyazaki, ya que durante el resto de fases vamos a estar visitando entornos más abiertos, más luminosos o que directamente recuerdan más a sitios sacados de un libro de historia. Tampoco hay descripciones detalladas de los objetos y equipo más allá de un par de líneas cuando son recogidos, ni de los lugares; no hay bestiario, ni nada por el estilo que nos informe de las características de nuestros rivales y, más allá del nombre en latín de algunos poderes divinos, tampoco hay mucho que rascar en ese sentido. Por eso insisto en que hubiera estado interesante incidir un poco más en el desarrollo de los personajes o en intentar hacer una historia algo más sesuda, puesto que, al final del día, es la parte que se siente que, con todo el setting alrededor, podría haber dado mucho más de sí, ya que gracias al gameplay se podrían haber explotado más ciertas ideas, como hacer tanto del juego como sus lugares, zonas más oscuras y siniestras, llevando la lucha con los demonios a un punto mucho más relevante, haciéndolo más visible y resaltable, para así conseguir darle un toque mucho más sombrío al producto final, ya que si se introdujeron demonios con equipamiento preparado para duelos de tú a tú, se podría haber hecho que aparecieran más temprano en la trama, tomando un papel más decisivo.

Si bien los combates contra otros humanos no deja de ser lo mejor del título, no hubiera estado mal, darle un matiz más oscuro.

Si Knights of the Temple: Infernal Crusade ha conseguido acaparar tanta atención y hasta ser tildado de un protosouls, es precisamente por su gameplay. Originalmente pensado como un hack and slash que rivalizara contra mastodontes como Devil May Cry, Starbreeze intentó diferenciar a su título de los clásicos nipones, enfatizando en una jugabilidad más lenta, centrada también en fases, donde, aparte de pelear con diversos enemigos, debíamos explorar los lugares y resolver pequeños puzles, mientras lidiábamos con un sistema de cámaras que estaba más cerca de obras como Silent Hill 4 que de juegos como Ninja Gaiden o Blade: The Edge of Darkness, con mucho más énfasis en la acción, pues combatir es lo que más se hace durante una partida media. A su vez, pelear tiene su miga, puesto que luchar contra otros se convierte más en un duelo lento a la par que meditado que en un machacabotones al uso, intentando acercarse más a una simulación de peleas medieval que a un hack and slash al uso… Si bien todo esto le valió en la época para ser vilipendiado, a día de hoy le ha permitido llegar al estatus de culto, siendo el principal reclamo de todos aquellos que lo tildan de “protosouls” para poder mirar de tú a tú a los títulos de From e intentar parecer uno de sus referentes. La lástima es que esas afirmaciones no son del todo exactas, pues si bien la epopeya de Paul tiene un combate fascinante basado en aprender a leer a nuestros enemigos y aprender qué métodos de nuestro arsenal son los más eficientes para cada uno de los rivales a batir, lo cierto es que está a años luz de ser tan siquiera un videojuego difícil, me explico. En su dificultad estándar: Escudero, si bien el juego no es un paseo, con un poco de atención, no se hace complicado; nuestros contrataques, ataques especiales y poderes divinos infringen mucho daño a los enemigos, mientras estos reducen poco nuestra barra de salud. Además, también bloquean menos, por lo que es fácil aprovechar ventanas de oportunidad o spamear ciertas habilidades para salir airoso de la mayoría de enfrentamientos, más a medida que avanza el juego, puesto que nuestro protagonista crece en función de avanzar la historia y no tanto de tener que almacenar gemas o recursos e invertirlos en mejorar. Una vez más, esto no es necesariamente malo, pero sí ayuda a que la aventura sea más asequible, tanto para bien como para mal. Solo cuando decidimos probar suerte e intentar jugar en niveles de dificultad superior, se entiende parte de la magia detrás del sistema de combate.

Me he pasado el juego de principio a fin en dificultad Caballero, que equivale a difícil, y es ahí cuando realmente he sentido el fragor de la batalla, junto con la importancia del sistema de pelea del título. En esta dificultad, nuestros adversarios bloquean muchísimo más, esquivan, sus ataques infligen mucho más daño y castigan mucho más los errores que podamos tener, obligándonos a jugar de manera metódica para poder prosperar, especialmente en situaciones en las que se nos juntan dos o tres de ellos, ya que intentarán avasallarnos para poder mellar en nuestras defensas y acabar rápido con nosotros. El aprender los patrones se hace crucial; el saber qué bloquear, ver aperturas para introducir nuestros ataques, además de saber qué poderes divinos emplear en cada momento, es el mínimo indispensable que debemos dominar para poder llegar a ver los créditos finales, dándole la salsa necesaria a la obra, para que de verdad explote su mecánica principal como dios manda. Aun con esas, aun siendo más exigente, Infernal Crusade nunca termina de ser extremadamente difícil, más allá de su jefe final o algún enemigo puntual, ya que, como dije antes, llegados a cierto punto del juego, tenemos tantas herramientas a nuestra disposición que, con aprendernos bien los patrones enemigos a la vez que jugamos con cuidado, podremos ganar en la mayoría de situaciones, puesto que, aunque Paul no dispone de estus o pociones como en los Souls, su primera bendición divina es Sactorus, un poder que, mejorado, nos cura prácticamente toda la salud, que solo cuesta una de cuatro de las barras de mana disponibles, barras que se regeneran cada vez que eliminamos a un enemigo, por lo que es fácil acabar luchando de forma más arriesgada sabiendo que es muy accesible curarse. Incluso si preferimos no abusar de esta mecánica, el juego es muy generoso con los ungüentos curativos, ya que muchos enemigos los sueltan tras ser derrotados, a la vez que se nos premia con muchos de ellos explorando los niveles, ya que más allá de llaves, ciertas armas o flechas, no hay mucho más que podamos rascar de patearnos los diferentes lugares que visitamos. Parte de la gracia que existe en los prototipos que sirvieron como inspiración para Demon’s Souls es que ir con el culo apretado es la norma, ya que incluso con nuestro avatar mejorado, es muy común que un descuido nos suponga la tumba. Aquí, en cambio, para obtener una experiencia similar, requiere por parte del jugador obligarse a jugar en dificultades altas o tirar de ciertas limitaciones, por lo que, sintiéndolo mucho, ni en tono ni en sensaciones, el primer Knight of the Temple puede equipararse a lo que se supone que tiene que representar un juego de esas características…

Mencionar que tampoco existe sistema de Parry o esquiva; la mayoría de las trifulcas pueden superarse empleando el bloqueo, ya que, quitando ciertos movimientos de los enemigos centrados en romper la defensa, casi todo puede ser parado, incluso si somos arrinconados por varios adversarios a la vez (aunque, como dije, estos no pararán de atacar hasta que nos descuidemos y bajemos la guardia), por lo que sabiendo cuándo apartarnos de un golpe que nos deje vendidos y bloqueando bien lo demás, una vez más podremos avanzar sin problemas. Sí es verdad que echo de menos alguna acción evasiva, ya que hay rivales que, por ejemplo, usan volteretas para apartarse o evitar recibir daño, cosa que nosotros no podemos; hay que decir que la movilidad del juego es muy fluida, es muy sencillo salir del rango de los enemigos para que Paul deje de fijarlos y pueda moverse libremente, además de que, aunque a veces la cámara puede jugarnos malas pasadas, al ser fija y cambiar la dirección en la que debemos inclinar el joystick para movernos, con un par de pasos bien dados, salimos del espacio que ocupan la mayoría de tácticas de nuestros opuestos, pudiendo usar esos momentos para castigarles o incluso hacer diversas acciones como curarnos o emplear herramientas como el arco. Por último, no puedo olvidar decir que aquí no existe el Z-targeting como tal; nuestro protagonista fijará siempre al enemigo que tenga más cerca, cambiando de blanco automáticamente si golpeamos a cualquier otro blanco que esté adyacente o dejando de concentrarse en este, si damos unos cuantos pasos hacia atrás y nos retiramos. Quitando algunas situaciones eventuales, es un sistema que funciona bien con el ángulo fijado que emplea el título y permite tanto moverse como atacar con igual o más precisión que muchos Souls medios, aunque, como podréis imaginar, en el fondo nada tenga que ver.

Enemigos como este, requieren tener masterizado el uso del bloqueo y sus patrones, porque si no, es probable que nos elimine de un par de espadazos bien conectados.

Por cierto, no sé si os habéis fijado a lo largo del texto, pero un punto que diferencia a cualquier juego de un Souls o protosouls son sus elementos RPG y aquí no existe nada de eso… Es cierto que, a medida que avanzamos en el juego, nuestro héroe va evolucionando, cambiando su aspecto en el proceso y aprendiendo nuevos movimientos, así como va actualizando su equipamiento a través de la exploración; no existe sistema de estadísticas como tal, tampoco builds o sistema de debilidades, más allá de que determinados enemigos puedan ser más débiles a la espada, el hacha o la maza. Mentar que todas las armas se emplean igual, variando ligeramente en daño y rango de hitboxes a las que pueden atinar. Por lo que todos los jugadores pasarán por los mismos puntos en los mismos sitios, todos aprenderán ciertas habilidades o poderes divinos al llegar a cierta parte del juego y lo único en lo que podrán tener una mínima variación es en la calidad, así como potencia, de sus armas, en función de lo que le hayan dedicado a la exploración; por supuesto, sí podrán elegir su acercamiento a los diversos enfrentamientos, pero más allá de eso, el camino a seguir será igual para todos. Por lo que, por desgracia para los que buscaban un protosouls aquí, una de las patas más importantes falla en ese sentido.

En cuanto al apartado técnico, no es que el juego aproveche los silencios, ni emplee unos gráficos sencillos, pero que evoquen algo; a nivel tanto musical como gráfico, cumple para la época; no obstante, creo que tiene un problema muy acuciante. Los bugs. Desde enemigos que se atascan en las paredes, otros que caen del cielo, algunos que se quedan quietos haciendo la T pose, pasando por momentos donde no sueltan la llave o el objeto clave para poder avanzar en el nivel, hasta situaciones donde Paul se queda atascado bajo el suelo en una posición sin poder avanzar y la lista continúa… La verdad es que en los análisis previos que he visto antes de ponerme yo a los mandos, este tipo de errores no se mencionan, así que no sé si surgen por la versión que he jugado, porque dicha versión viene de la isla de la tortuga, o es algo común a todas independientemente de la escogida, pero sí diría que estos errores han reducido la calidad de mi experiencia, haciéndome perder tiempo al tener que reiniciar varios segmentos, skipear encuentros o verme obligado a afrontar las cosas de otro modo, así que también lo dejo por aquí, como posible punto a tener en cuenta…

No sé si se podra apreciar en la imagen, pero sí, tengo un enemigo justo encima que acaba de aparecer.

Tras toda esta retahíla, creo que queda claro que Knights of the Temple: Infernal Crusade puede ser varias cosas, pero un protosouls no se incluye entre ellas; es más, tras haberlo terminado, más que a un Souls, si se me parece a otro videojuego, es al fascinante Onimusha Warlords, otro hack and slash de principios del 2000 con mucho énfasis en el combate y la exploración que también combinaba celeridad con un sistema de cámaras que recordaba a un survival horror. Sin embargo, el juego de Capcom, además de tener puzles más intrincados, también tenía una estructura más abierta, obligándote a navegar por el castillo e ir yendo a determinados lugares cuando tenías ciertos objetos o poderes desbloqueados, dándole cierto toque metroidvania. Por fechas, además, también cuadra, pues Onimusha apareció en Europa a mediados de 2001, tiempo en el que Starbreeze Studios ya se había formado y había realizado ya algún que otro proyecto, por lo que es muy plausible que la empresa cogiera inspiración en el título nipón e hiciera su propia versión occidentalizada, ya que ambos juegos usan sistemas de desplazamiento muy similares, mezclan historia con mitología, tienen cámaras fijas, puzles y mucho énfasis en la acción, solo que en el caso del título occidental se hace mucho más énfasis en el combate duro a la par que metódico, intentando simular un estilo más medieval, mientras que el videojuego japonés aboga por mantener un estilo equilibrado digno de la compañía. Así que sí, siento desilusionar a unos cuantos, pero este juego se parece tanto a un soulslike como la sartén al cazo, siendo irónicamente su trabajo anterior: Enclave, una obra que sí parece beber mucho más de los elementos que hacía gala Blade y que posteriormente veríamos en Demon’s Souls y toda la ristra, tanto sucesores como clones, que tuvo.

Con todo esto en mente, ¿es Knights of the Temple: Infernal Crusade un mal videojuego? Si vienes con la perspectiva de que es un soulslike tradicional, es posible que te decepciones; no obstante, si eres consciente de lo que es y te gustan los títulos de acción con perspectiva fija, es muy probable que, como me ha pasado a mí, te guste mucho, ya que, pese a no ser tan profundo en algunos aspectos, sí hay que decir que se siente un título único, más teniendo en cuenta la fecha en que salió, ya que los hack and slash estaban acercándose más a la vertiente de la velocidad, mientras definían el género, quedando aquellos más pausados atrás, obras que, por otra parte, también buscaban marcar su identidad a través de otros elementos, como puede ser la ambientación, el estilo de juego o el tono de los mismos. Además, hemos de tener en cuenta que actualmente el canon que se ha fraguado es uno donde este tipo de videojuegos o mantienen la escuela creada por Devil May Cry o intentan introducir elementos RPG, como le sucede a la saga Souls, sin posibilidad de término medio, así que en cierta forma, se siente refrescante que existan obras que, pese a no pasar la historia como best sellers, funcionen tan bien incluso a día de hoy y sirvan como ventana a una época donde el videojuego aún continuaba creciendo, pudiéndose permitir experimentar y buscar alternativas, más que encasillarse en etiquetas o modas, para intentar ir a lo seguro, intentando perder lo menos posible en el proceso.

En definitiva, no puedo dejar de recomendar el juego de Starbreeze. En mi caso particular, si bien es cierto que lo he sufrido más en algunas partes que otras, la verdad es que lo he disfrutado bastante pese a sus peros (aunque la próxima vez que lo rejugue lo haré en una dificultad más baja…), siendo un exponente muy entretenido de una época de los videojuegos que en mi caso particular viví muy joven y aún estoy descubriendo, como quien dice. Aun con esas, estoy seguro de que si hubiera tenido la suerte de que el videoclub de al lado de mi casa hubiera tenido una copia en alquiler de este juego, es muy probable que a día de hoy, más que como el protosouls que me intentaron vender, lo considerase como aquella joyita oculta menospreciada que más personas deberían probar, y creedme que eso no lo puedo decir con tantos videojuegos a día de hoy. Por lo que, por último, si tenéis la posibilidad de emularlo u os apetece pasaros por Steam para echarle un vistazo, nunca olvidéis que hasta dentro del ser más puro puede anidar la más terrible de las oscuridades… Deus Vult.

Desarrollador: Gameloft Montreal.

Distribuidor: Ubisoft.

Plataformas disponibles: MacOS, PS3, PSVita

Fecha de lanzamiento: 6 de Abril de 2011 en PS3, 11 de Noviembre en MacOS y 22 de Febrero de 2012 en PSVita.

Género: Diablolike

Nivel de dificultad: Variable (En función de la clase, la build y tú habilidad)

Duración: Entre 10-12 horas para terminar la campaña principal.

Estado: Finalizado el 26 de Junio en PSVita.

Es interesante el estatus actual que viven consolas fracasadas como PlayStation Vita o Wii U; si bien siguen teniendo a mucho público que las vilipendia, también existe una fuerte comunidad detrás de ellas, que las ama con locura. Yo nunca fui de aquellos que tuvo la consola de Nintendo, pero sí, tuve la suerte de comprarme la última gran portátil de Sony de lanzamiento; por desgracia, aunque ya mi consola original falleció, desde finales del 2023 hasta ahora, he comprado e ido redescubriendo la librería de esta máquina y, por ende, entrando a formar parte de ese pequeño pero apasionado grupo de pirados que ama este aparato con locura, pese a todo lo malo que también tuviera. Entre sus puntos negativos a resaltar, hay uno más que evidente: el catálogo. PSVita a día de hoy tiene una librería de juegos cercana a los mil, pero eso es si incluimos tanto el cómputo físico como el digital; si solo contamos los juegos lanzados en formato físico de manera oficial (aquí estoy excluyendo los lanzados por Limited Run, que ni siquiera llegaron a la mayoría de la gente), el número roza los 300 y si ya nos ponemos exquisitos y nos centramos en mi región, que es Europa, solo salieron en tiendas 188. Aunque Vita es una consola con región free, permitiendo poder probar títulos de otras regiones, la realidad es que, más allá de ciertos nichos particulares, está poco servida… Porque sí, novelas visuales hay muchas o tus típicas plataformas indies, pero de otros géneros existe entre poco y nada…

Los diablolike, desde la masificación producida por Diablo II, han aparecido en su justa medida para la mayoría de sistemas; todos han tenido varios, además de algunos particularmente destacables, como por ejemplo GBA con los Shining Souls o las adaptaciones del Señor de los Anillos. Sin embargo, de lo que más huérfana está la portátil protagonista de hoy es precisamente de este tipo de juegos; quitando Silent Hill Book of Memories (del que espero hablaros algún día), que no tuvo mucho éxito ni a nivel de crítica ni de público, los Damascus, que literalmente no los conoce ni su tía y que a día de hoy pueden ser jugados con mucha más comodidad en sistemas modernos, no hay mucho más que rascar… Excepto el título que hoy nos ocupa, título nacido originalmente para móviles y porteado a esta consola; actualmente descatalogado por su empresa madre para teléfonos y uno de los pocos juegos que, junto a otros desgraciados como Soul Sacrifice o el videojuego de Konami mentado, siguen atrapados en este sistema, sin ningún interés de ser resucitados. Obra que, irónicamente, pese a ser olvidada por la historia, se cuenta con ser de los primeros juegos lanzados para la consola y su representante más visible y claro del género dentro de la portátil, pues tanto por aquel entonces como a día de hoy que estoy escribiendo esta entrada, es la manera más accesible y barata de disfrutar una experiencia “parecida” a Diablo en un sistema como este.

Así que hoy vamos a desentrañar los entresijos sobre este videojuego, porque acabó olvidado, pero sobre todo porque, no obstante, todavía es una historia que tiene algo que decir, pese a toda la capa de mediocridad o falta de identidad que pueda arrastrar, ya que sin pretenderlo, por una serie de circunstancias, sus creadores consiguieron que fuera la insignia de todo un tipo de títulos, en una consola que, prácticamente sin quererlo, nació ranqueante. A su vez, convirtiéndose en la forma más adecuada de jugar los comienzos de una saga, que, pese a que aún persiste, lo hace en el mayor de los anonimatos, ya que, aunque mueve suficiente público detrás para seguir existiendo, sus entregas posteriores no han sabido igualar, para bien o para mal, el legado que inconscientemente construyó esta entrega…

La empresa responsable de Dungeon Hunter: Alliance, no solo todavía opera con cierto margen de beneficio, también ha conseguido ocupar cierto lugar destacable en el mundo de los juegos para moviles.

Hablar de Dungeon Hunter: Alliance es, en cierta manera, hablar de Gameloft y sus orígenes. La empresa arranca en el 99, tras la fundación de Ubisoft por los cinco hermanos Guillemot, uno de ellos Michael, el segundo más mayor. Viendo el auge de tanto internet como los móviles, utilizando su experiencia como cofundador, destina parte de los recursos de su empresa original a crear una especializada en los nuevos mercados que están por venir; ahí es cuando nace Gameloft, compañía en principio independiente, pero que hasta 2016 estaría muy arraigada a su hermana mayor, aprovechando el tirón de esta cada vez más creciente en el mercado gaming para hacerse también un nombre dentro del mercado. Durante los principios de los 2000, la empresa realizaría diversos juegos menores para móviles, así como adaptaciones de diversos juegos de la compañía principal para estos dispositivos. Hasta la llegada de Asphalt Urban GT, su primer gran hit, sería conocida por ser responsable de las versiones móviles de obras como Prince of Persia o Rayman. Si bien durante esos primeros años parecía que todo lo que tocaba Gameloft lo hacía oro (gracias en parte a que siempre apostaban por la calidad por encima de todo), no sería hasta 2008-2009 donde, pese a seguir amasando riqueza, empezaron a versele las costuras creativas… Ya que, si bien obras como N.O.V.A o Hero of Sparta funcionaron, lo hicieron a través de canibalizar ideas propias de otros estudios más grandes en un mercado que todavía estaba bastante en pañales. Paralelamente, es en este periodo donde tanto Sony como Nintendo, viendo el gran rendimiento de la compañía, decidieron firmar con ella ciertos contratos para tanto traer ciertas licencias a sus máquinas, así como portear algunos de sus grandes hits a por aquel entonces sus flamantes consolas portátiles, como manera de engordar incluso más su extenso catálogo; ya que, si bien PSP no tuvo tantísimos juegos como DS, tampoco es que estuviera parca de títulos precisamente…

Con la llegada del 2010 y la transformación del mercado móvil a uno más centrado en el producto gratuito con microtransacciones, a Gameloft le cogió a pie cambiado, no sabiendo muy bien adaptarse al mismo, con resultados bastante desastrosos como, por ejemplo: Asphalt 8. Además, por esa época, también la empresa vivía de intentar seguir imprimiendo billetes con las mismas franquicias que habían dado resultados años antes, con enésimas entregas que apenas hacían cambiar o evolucionar sus fórmulas, en un medio cada vez más masificado que estaba empezando a olerse la tostada, sobre la supuesta “inspiración” de los videojuegos de la empresa, ya que quizás Modern Combat o Gangstar se parecían cada vez más a sus referentes, siendo a su vez copias cada vez más descaradas… Aquí vamos a hacer un alto, pues aunque la historia continúa hasta 2016, donde Vivendi le hizo una adquisición hostil, cambiando a la empresa hermana de Ubisoft para siempre, el juego que hoy nos ocupa fue lanzado entre 2011 y 2012, cuando Gameloft, aún ranqueante, permanecía en una situación aún decente para seguir dando pelea y produciendo títulos. Si bien no hay mucha historia detrás de la saga de Dungeon Hunters, todavía hay algo que podemos rascar; en 2009, la compañía de Michael Guillemot, fuertemente inspirada por la saga Diablo, decidiría traer la experiencia ARPG de Blizzard a dispositivos móviles, concretamente la ofrecida por la segunda entrega, que no solo llevaba unos cuantos añitos en PC; además, también se había convertido por méritos propios en un juego de culto. Aprovechando el terreno virgen y que todavía el público no estaba mosca con ellos, crearon su propia versión del diablolike para por aquel entonces flamantes dispositivos IOS, siendo, quitando ciertas inspiraciones, prácticamente una copia 1:1 del original. No obstante, como ya hemos mencionado en estos párrafos, como todo andaba aún muy verde, nadie fue consciente del plagio descarado; es más, fue bastante alabado por prensa y público, valiéndole no solo para hacer una segunda y tercera entrega, sino también para que Sony volviera a poner el ojo en ellos una vez más.

La empresa japonesa, que había disfrutado de un pastel bastante interesante del mercado de consolas portátiles y que quería expandirse aún más para intentar desbancar a Nintendo, puso toda la carne en el asador para crear una consola que no solo sirviese como alternativa mejor y más potente de la 3DS; también querían que funcionase como un competidor directo para smartphones, intentando abrirse un hueco en el nuevo y a la par que lucrativo mercado de móviles. Como Gameloft y sus ports habían funcionado muy bien dentro de la categoría de PSP Minis, Sony volvió a llamar a su puerta para que, con el lanzamiento de su flamante PlayStation Vita, debutase con alguno de sus grandes hits, para así asegurarse muchas más consolas vendidas y, por ende, conseguir llegar a esos objetivos que tanto necesitaban. Es aquí cuando, aprovechando que la compañía francesa acababa de lanzar un remake del primer Dungeon Hunter para sistemas Mac, decide portearlo a PS3 para ver su rendimiento comercial, mientras a su vez prepara la versión de Vita. Este trabajo cae en una de las filiales más importantes de por aquel entonces: Montreal, subsidiaria también responsable original de esta nueva versión. Mientras que la consola de séptima generación de Sony solo obtuvo el juego en digital, aprovechando la ventana de lanzamiento de la portátil, Gameloft y Ubisoft trabajaron codo con codo para tirar la casa por la ventana y ofrecer a los jugadores de la nueva máquina un port físico exclusivo, convirtiéndose así en uno de los primeros juegos del hardware, así como uno de lanzamiento para múltiples países, como por ejemplo fue el caso de mi país. España. Además, fue uno de los pocos juegos del sistema que fue lanzado con manual, cosa que, junto con obras como Rayman Origins, lo hace ser muy disfrutón de atesorar para cualquier coleccionista medio de la consola. Por desgracia, Vita fue considerada un fracaso comercial; Sony la abandonó a mediados del 2013. Además, por si fuera poco, Dungeon Hunter: Alliance fue considerado un mal juego tanto por los usuarios como por la prensa, dándole una imagen pésima y alimentando aún más, no solo la fama de la máquina, también la de Gameloft, pese a ser irónicamente uno de los pocos juegos más vendidos del sistema.

La narrativa lo intenta… Pero es de lo más flojo del juego… Y perdonad la calidad de la captura, pero eso de grabar y plasmar contenido, no es algo que te dejase hacer este juego…

¿Pero qué es lo que hace que Dungeon Hunter: Alliance haya obtenido esas reseñas? ¿Es quizás su narrativa? ¿O hay algo más? Yendo bloque por bloque, el apartado relacionado con la historia es, sin duda, por decirlo de manera suave, “parco” o, si lo preferís, “escaso”. Interpretamos al rey de Gothicus, un antiguo monarca que, enamorado de Leona, su esposa, acaba juguetando con fuerzas oscuras y trayéndola de vuelta, para que esta, como regalo, acabe con su vida, abandonando su cadáver en un viejo sepulcro perdido de la mano de Dios. Décadas después, Celeste, una pequeña hada eléctrica, emplea ciertos rituales prohibidos para reanimarlo de entre los muertos y guiarlo para que acabe con la Reina, ahora poseída por el hada oscura, un ente de leyenda diabólico que solo busca el sometimiento y la destrucción de la humanidad. Una vez puestos en pie, este se convierte en nuestro avatar, pudiendo ser nombrado a voluntad, a la misma vez que escogemos su profesión entre tres determinadas: Guerrero, pícaro y mago. Aquí ya me hace gracia todo el asunto de que te dejen elegir tu manera de jugar, pero por narrativa, el canónico sea el hechicero, ya que es el único de los tres que emplea poderes de varios tipos, a la vez que es el único que tiene cierto sentido que hubiera, a raíz de la ayuda de su colega Reldin, creado todo este desaguisado. Por lo demás, una vez nos aclimatamos un poco, conocemos a Niessa, una joven guerrera que venía a poner ofrendas en nuestra tumba, siendo de las pocas que creía en la inocencia de nuestra figura antes de caer (o eso dice la narrativa, si alguien le diese importancia…). Tras hablar con ella, mostrar nuestro arrepentimiento y escoltarnos fuera de la primera mazmorra, nuestro personaje asumirá la heroica tarea de enmendar sus errores y liberar a su pueblo de la tiranía de la ahora reina oscura junto con todos sus secuaces. Y eso es todo, no hay más; nuestra encarnación siempre es un hombre (es decir, no podemos elegir su sexo ni siquiera) y está dispuesto a ayudar a todo aquel que se lo pida, aunque, por ejemplo, uno de sus demandantes sea una vieja loca que quiera un tomo extraño de la biblioteca de un terrateniente que juega con las fuerzas oscuras, todo muy normal si me preguntáis a mí…

Estos dos puntos son los que facilitan que toda la trama, aun presentada por actos en principio episódicos, acabe siendo completamente lineal, donde hablar con otros se reduce a tradear con comerciantes, ver cinemáticas o a lo sumo aceptar tareas de los habitantes de las diversas aldeas, que casualmente se dan en el calabozo que toque ahora limpiar. La narrativa principal es, al final, una carrera armamentística hacia delante donde nuestro personaje crece lo suficiente a nivel mecánico para ir adquiriendo cierto equipo y habilidades, mientras va despachando criaturas y personas de su pasado, que ahora (como no podía ser de otra forma) están corrompidos y sirven al hada oscura. Antes mencioné a Reldin; este es presentado como un boss complicado que marca un punto de inflexión en el juego, ya que es el primero en estrenar las peleas de este estilo por fases, donde no puedes confiarte como antaño. Sin embargo, más allá de mencionarse su amistad con el rey al principio, aparece para dejar claro que él es malo-malísimo y el monarca no por sus convicciones; por lo tanto, debe ser destruido. Peor aún, en el acto 8 se nos presenta al antiguo tutor del protagonista, que ha sido secuestrado por fuerzas oscuras y que ha sido obligado a hacer un portal para comunicar nuestro mundo con el de la oscuridad. Esto a todas luces es un momento perfecto para saber más de tu personaje y que este gane un desarrollo más allá de ser el típico buenazo, pero no; justo cuando llegamos hasta él, está moribundo, nos reconoce y, en vez de ser un momento triste, acaba siendo la excusa para ir al siguiente punto. Al juego le importa tan poco su narrativa, más allá de ser un hilo conductual, que en el acto 10 vuelve a aparecer un momento similar, esta vez con un personaje más importante y que ha aparecido “más” e incluso nos ha ayudado algunas veces a pelear contra nuestros enemigos, que más allá de ser la excusa de tener prisa porque nuestro personaje se está empezando a corromper un poco por la oscuridad, sirve de poco más; es más, ni siquiera da pena, primero porque, como todo en este juego de estas características, se siente forzado y, segundo, pero aún más fragante, es que es difícil sentir cariño por un personaje que, aunque ha tenido más peso en la narrativa, tampoco es que haya hecho mucho más allá de hablar un poco, pegar cuatro espadazos y poner el pechito, en este momento scripteado… Cabe decir todas las oportunidades narrativas que se podrían haber dado, pero que se pasaron por alto y que evidentemente darían para 3 o 4 párrafos más, pero si Gameloft no se toma en serio la historia de su juego, yo tampoco lo voy a hacer…

A partir de su segunda entrega, Diablo empezó a tomarse más en serio su narrativa, no solo añadiendo más cinemáticas y diálogos, sino que también facilitó el acceso al lore a través de conversaciones, escritos y determinadas misiones. Aquí el estudio francés ha empleado cierto background para crear el mundo de Dungeon Hunter: existen las fuerzas de la luz y de la oscuridad, existen los demonios, no muertos, así como otras criaturas malignas; el poder mágico reside sobre todo en el uso de estas fuerzas, que a su vez están cristalizadas en las hadas, que actúan tanto como entes protectoras del equilibrio como psicopompos. No obstante, el juego asume que tú ya sabes todo eso, porque preocuparse no se va a preocupar mucho de explicártelo, a menos que, durante tus pateos, te dediques a leer todos los libros, tablillas y estatuas que te encuentres, porque si no, suerte para comprender en profundidad lo que rodea a la narrativa y darle cierto significado, más allá de la excusa genérica perfecta para poder meterte toda clase de bichos (que también). Quizás seré yo, pero siento en todo esto una oportunidad desperdiciada, ya que, si bien un usuario de móvil medio (usuario de este tipo de juegos) lo que le preocupa es tener una experiencia parecida a la que podría tener en consola en su dispositivo para fardar de potencia y poder jugar a algo parecido a lo que jugaría en estas máquinas, pero mucho a menor escala, cuando nos vamos al mercado tradicional del gaming, la cosa cambia bastante; más cuando Diablo III estaba prácticamente al caer, Diablo 2 ya existía y el mundo, tanto de portátiles como de sobremesa, había visto ya unas cuantas obras de este palo, que también cuidaban un poquito mejor la narrativa…

El gameplay es el core de la experiencia para bien o para mal, aunque encima jugar solo adquiere un “cariz” peculiar…

¿Entonces el gameplay se salva o también apesta? Pues no, al contrario, como todos los elementos buscan servirlo, es lo mejor que tiene el título, dentro de lo que pretende. En otros juegos de por aquel entonces ya existían múltiples clases, con diferentes configuraciones y sistemas a tener en cuenta; aquí, como ya adelanté, solo existen tres; sin embargo, son bastante intuitivas y tienen un árbol de habilidad suficientemente rico para que puedas orientarlas a una, dos o varias cosas a la vez. También disponen de pasivas, que es lo que les da la mayor salsa, todo combinado con un equipamiento que, bien ejecutado, da ciertas posibilidades adicionales. Por ejemplo, el pícaro puede luchar a dos espadas, espada y escudo, con arco o con ballesta, según el estilo que quiera llevar su jugador; además, cada avatar puede llevar dos sets de equipo y habilidades intercambiables en cualquier momento con tan solo pulsar abajo en la cruceta, por lo que en función de tus necesidades puedes configurarlos para cubrir varias formas de jugar o roles, según lo vieses necesario. A todo hay que añadir que, al igual que en el primer diablo, existen pocas estadísticas, concretamente cuatro: Fuerza, destreza, resistencia y energía, bastante intuitivas, siendo normalmente dos menesteres para determinada clase; volviendo a los ejemplos, el clásico guerrero querrá priorizar entrenar la fuerza y la resistencia para poder infligir mucho daño a la vez que lo resiste, mientras que el mago evitará el conflicto intentando mejorar su energía para potenciar sus hechizos, mientras intenta esquivar con su destreza. Pero esto solo es lo más básico, la composición de clases; yendo al núcleo en sí, que es la jugabilidad, el combate es veloz, directo y divertido, siendo el centro de toda la ecuación, pues, si bien hay que explorar bastante, siempre vas a estar peleándote, mientras te mueves de un lado para otro, ya que las mazmorras son bastante sencillas en cuanto a su diseño. Dispones de un minimapa en todo momento que va resaltando las nuevas rutas, e incluso te marca en todo momento cualquier zona o enemigo de interés relacionado con la trama o una secundaria, por lo que es muy cómodo ir avanzando de aquí para allá, peinando todo, mientras vas eliminando a las diferentes amenazas que se te presenten.

A su vez, los enemigos se dividen en cuatro bloques: pequeños, medianos, minijefes y bosses, teniendo cada uno diferentes niveles, poderes, características, patrones de IA y roles dentro de los grupos de adversarios, consiguiendo que, según la categoría y tipo, te toque adoptar unas estrategias u otras a la hora de enfrentarlos, ya que, siguiendo con los ejemplos, no es lo mismo enfrentar a un limo gigante, que lo que va a hacer es bulto, esperando a que lo derrotes para dividirse, que a un gran esqueleto, que tiene el objetivo de avasallarte a través de habilidades que aturden o provocan retroceso, mientras aguanta con su enorme tamaño y defensa. Todo esto permite un loop de juego interesante, donde vas poco a poco avanzando, limpiando habitaciones, recogiendo tesoros que te sirven para vender o para mejorar a tus personajes, a la misma vez que vas cumpliendo los objetivos del lugar en el que te encuentras, todo de una forma muy dinámica. Porque si en algo funciona muy bien Dungeon Hunter: Alliance es que, al ser un juego de naturaleza portátil, prioriza mucho el poder jugarse rápidamente y que cada minuto cuente, ya que es muy probable que tengas que dejar la partida en cualquier momento, porque te toque bajarte del bus/metro o bien se hayan terminado esos 15-20 minutos de espera para hacer cualquier otra cosa. A todo esto, hay que sumarle también que, dada su intención de ser accesible, rápido y divertido, es una obra que penaliza muy poco el morir más allá de ver una pantalla de carga, ya que mientras no salgas del calabozo en cuestión, solo te tocará volver a ir al punto en el que estabas, ya que todos los rivales abatidos y objetos recolectados se mantendrán como los dejaste antes de palmarla, por lo que, quitando las últimas 5 mini-dungeons del acto 11, no tendrás que volver a pasar el tedio de enfrentarte otra vez a los mismos masillas, activar determinadas baldosas o patear dicha puerta para que te salga la túnica valiosa de hace tres habitaciones. Eso sí, si sales del lugar y vuelves a entrar, todo se habrá reseteado de nuevo, cosa que quizás te pueda venir bien, si tu intención era grindear o tomarte un descanso, pero no tanto, si volviste al pueblo con el rabo entre las piernas para mejorar equipo o recargarte las pociones.

No es oro lo que reluce; esta experiencia también tiene sus pegas y creo que la más importante a resaltar es la más obvia, la que se reduce al subtítulo: Alliance. Este Dungeon Hunter está muy orientado a que lo juegues con dos jugadores más, es decir, es una experiencia puramente multijugador, por mucho que nos vendan la moto de lo contrario, permitiéndonos jugar en solitario de principio a fin… Uno de los grandes puntos a recriminar es que el número de enemigos es infumable cuando estás en solitario, siendo un problema bastante importante durante gran parte del juego, incluso si llevas a un personaje puramente físico, como fue mi caso, ya que incluso con un avatar de estas características que está más pensado para aguantar castigo, ni siquiera puedes llegar a las cotas inhumanas de tener que recibir todo el aggro de 7-8 masillas, más uno o dos lanzadores de conjuros, mientras a la vez te ataca una criatura más grande, casi nada. Y sí, tienes las pociones, que con solo apretar un botón te restauran tanto todos los HP como MP, junto con diversos ataques zonales, perfectos para despachar grupos grandes de monstruos; no obstante, el juego te echa más y más siempre que puede, además de que muchos de estos poderes no matan de un toque, por lo que vas a acabar apretado, teniendo que jugar a la defensiva o al despiste para poder prosperar. Es triste que lo diga, pero se hubiera solucionado fácilmente reduciendo la cantidad de mobs hostiles en el modo de un jugador o bien permitiendo la posibilidad de contratar aliados para que nos ayuden, ya que estos resisten carros y carretas sin despeinarse, mientras dividen la atención de los enemigos hacia ellos, pero la obra solo te los da en momentos muy concretos, por lo que al final, como otras cosas aquí, se sienten muy desaprovechados… Por lo que, exceptuando el principio, que todo es muy débil, y el final, que vas muy pertrechado (o al menos yo lo iba), vas a encontrarte que el valle del juego presenta cierto reto si no vas con cuidado. El broche lo pone también el sistema de equipamiento, que, sin ser malo en ningún momento, pierde sentido en el momento que obtenemos los suficientes cristales para intercambiarlos con un mercader especial, que nos aporta un set específico para nuestra clase que oblitera cualquier otra pieza equipable alejada de las especiales obtenidas en el New Game + o en el Foso de los desafíos y que con algo de esfuerzo podremos equipar si subimos los stats adecuados…

Jugar con otros a este juego tiene que ser genial, si en 2026 encuentras a alguien, porque los lobbys precisamente llenos no estan…

Si bien, pese a sus peros, he podido disfrutar del gameplay, aunque no deja de ser algo machacón para algunos, dado el tipo de videojuego que es, e incluso puedo pasar por alto en cierta parte su argumento pese a los peros, hay algo que no os he mencionado y que sin duda es lo más criticado del juego: El apartado técnico. Antes de meterme de lleno, decir que no he podido comprobar las otras versiones para comparar, pero lo que sí es cierto es que, como port per se, la versión de Vita de Dungeon Hunter: Alliance, se siente algo pobre, ya que precisamente la consola, si de algo puede caracterizarse, es por su potencia, más teniendo en cuenta que la portátil de Nintendo ni le llegaba a la suela del zapato, acercándose más en cuanto a rendimiento a su hermana mayor, la PSP. Es más, dado el estilo del título, si hubiera sido una versión de la máquina antigua traída a PS Vita, todavía tendría un pase, pero ni eso, ya que no estamos hablando de portear un videojuego mastodóntico como un Borderlands 2 o un Resident Evil Revelations 2, que sí son obras que ponen este hardware a sudar, tanto, que sin liberarla y overclokearla las pasa canutas, tan siquiera para poder llegar al mínimo de ejecución, sino de un producto que seguramente hasta uno de los primeros smartphones podría correr sin problemas; la única explicación que le doy a esto es que Gameloft haya cogido la versión de PS3 y la haya metido con calzador en la portátil, sin tener en cuenta las limitaciones de la máquina… ¿Pero entonces qué es lo que falla en esta versión para que tanta gente se queje? Lo más acuciante y más palpable: El rendimiento. Da igual que juegues media hora, 15 minutos o más tiempo; siempre te vas a encontrar alguna caída de frames; si bien esto en el pueblo no se da, sí pasa en el momento que pisas cualquier dungeon. Es muy visible cuando se llena la pantalla de enemigos, lo que hace que la acción empiece a resentirse, dado que los FPS se desploman fácilmente a los 10 o menos, pero si fuera aquí solo, todavía sería entendible; muchas veces estás recorriendo estancias y en los segmentos que llevan de unas a otras, a veces también sufres caídas bruscas. Aquí presupongo que será porque, mientras avanzas, el sistema está cargando la siguiente área a mostrar, que no es nada raro a estas alturas en el medio; además, gracias al ángulo de cámara, no queda mal. No obstante, al final me estás rompiendo la inmersión; sí sé que cuando pasa esto, cae en picado la velocidad del juego.

Por otra parte, hay unos cuantos bugs; algunos son molestos y otros no; quizás el más sangrante es el tema de las hitboxes. Hay veces en las que golpeas de frente al enemigo con un ataque básico directo y no le aciertas, pero quizás la más dolorosa para mí es con la embestida del guerrero, habilidad muy útil para recortar distancia a la vez que dañas. La porquería es que sí, al enemigo grande es probable que le aciertes; en muchos pequeños, verás cómo realizas la animación, gastas el PM y lo único que has hecho es acercarte para recibir una toña, simplemente fascinante… He leído reportes, que no es exclusivo de esta skill; sucede con algunas del pícaro y otras del mago, así que es cuestión de elegir tu propio veneno… Por suerte, a veces también sucede que los enemigos se atascan en alguna superficie o se quedan de pie inactivos, recibiendo tus ataques sin represalias, por lo que una de cal y otra de arena, aunque he de decir que es gracioso cuando le pasa a un masilla random, no al boss final. El último que me he encontrado ha sido también el más reportado, que es el relacionado con el espacio de movimiento de las criaturas. A medida que avanzas a ciertas salas, va habiendo spam de enemigos; no obstante, si los obligas a moverse a determinada distancia para combatirte, llegará un punto en el que la IA notará que están demasiado lejos de la zona de desove y volverán corriendo allí. Durante su regreso, los golpes no les aciertan y, al volver, recargarán toda su salud, obligándote a tener que despacharlos desde el principio. A mí, por suerte, es algo que solo me ha pasado un par de veces en toda la aventura, siempre con enemigos pequeños o grandes, nunca con minijefes o bosses, así que más allá de generarme curiosidad o alguna sonrisilla, nunca lo he sentido como una molestia, pero puedo entender que no sea igual para todos, más cuando en algunos casos pagaste los 40 euros de salida…

Además, como sucedía en todos los juegos de una consola con una gimmick concreta, Dungeon Hunter: Alliance no nos libró de tener que emplear el giroscopio o las pantallas táctiles de la máquina. Cosas como agitar la Vita como un idiota cuando te aturden, usar la pantalla táctil delantera para tirar el poder de nuestra hada o usar la trasera para moverla por el entorno y así desenterrar tesoros son la orden del día aquí; por suerte, quitando emplear las habilidades de nuestra compañera, el resto puede ser hecho también con el stick derecho, cosa que por supuesto el juego no te dice, a menos que busques en internet o, como antiguamente, te dé por leer el manual… Sin embargo, quizás por ser de los primeros juegos del sistema, eso de permitirte realizar capturas de pantalla como que no, al igual que si lo compras físico y de segunda mano, el juego se conecta con el primer usuario que lo empleó, bloqueando los logros en el proceso, por lo que te toca borrar datos y restaurar el juego, ejemplo también de cuando Sony y diversas empresas intentaron frenar la segunda mano, sin mucho éxito. Al menos para jugar online, no necesitas un código; algo es algo. Si una vez más hubiera alguien con quien poder jugar…

Hay que admitir que al menos intentaron currarselo, porque por ejemplo el menú e información que se despliegan en el Live Area tras jugar, estan bastante chulos.

Al final, pese a todo lo malo detrás, Dungeon Hunter: Alliance se siente más como víctima de un trabajo perezoso que realmente un mal videojuego. Mi sensación con el título es que Gameloft creyó que podría trasladar su exitosa fórmula móvil a una consola portátil, con el mínimo esfuerzo posible, ya que tanto ellos como la propia Sony estimaron que la Vita iba a continuar el legado de éxitos que tuvo PSP, que sí se pudo permitir tener unos cuantos diablolikes de tabula rasa, sin grandes repercusiones. El tiempo nos ha demostrado que se equivocaban de lleno, ya que PSVita no solo acabó siendo un fracaso comercial, sino además, dado su pronto abandono por parte de su empresa madre, acabó siendo un hardware más centrado en productos de nicho e indie, donde afloraron cientos de blobbers, novelas visuales o plataformeros, pero no tantos diablolikes, consiguiendo que cualquier usuario medio de la máquina, que buscara algo más que coleccionar, tuviera que ir a morir a este y dos exponentes mal contados más, para poder tener algo del género en su consola portátil. Lo que ha hecho que a lo largo de los años, pese a su fracaso comercial, muchos hayan encontrado una pequeña joya detrás del trabajo conjunto de Gameloft con Ubisoft, pese a su abultada ristra de defectos.

En lo personal, era un juego que siempre quise catar. Jugué su demo en la época y me gustó, por lo que cuando empecé a coleccionar juegos de PSVita, sabía que quería tenerlo en mi colección y hacerle una reseña; es más, lo empecé el año pasado, jugué el primer acto, pero lo dejé aparcado, porque quería centrarme en los títulos que quería analizar para el Substack, aunque nunca he dejado de pensar en él desde entonces, más cuando siempre que quise iniciar este proyecto, era uno de esos videojuegos que sabía que quería incluir aquí, pese a todo lo malo que pudiera surgir durante su reseña. Tampoco os voy a mentir, no me ha parecido increíble (como ya habéis podido notar durante todo el análisis); no obstante, tampoco me lo he pasado mal, ha sido divertido, pero no me parece el exponente más brillante dentro del género, ni un juego a tener en cuenta dentro de vuestro radar, a menos que os gusten mucho los diablolikes o directamente tengáis una Vita y tengáis ganas de probar parte de su catálogo, porque aunque no lo creáis, a fecha de esta entrada, Dungeon Hunter no solo tiene una salud excelente, sino que además podéis jugar desde su segunda hasta su sexta entrega, tanto en móviles como en PC, totalmente gratis, y tengo entendido que no es necesario ni siquiera jugar a los previos para enterarte de la historia, ya que todos, por estar donde están, apuestan por un formato directo y sin florituras donde lo importante vuelve a ser el gameplay, por lo que una vez más, a menos que os flipe la máquina o queráis jugar toda la saga, haber hay opciones mejores…

Al final, puedo entender a toda la gente que apostó por la consola y quiso probar el juego de primera mano a precio de lanzamiento y, tras estar unas horas con él, le decepcionó, porque esperaba más para un sistema como este; aun con esas, sigo pensando que Dungeon Hunter: Alliance, tratado al vacío, pese a ser lanzado como se lanzó, tampoco es un juego tan malo, tan solo mediocre. La desgracia es que ya por esa época es cuando empezó a aflorar esta polaridad extrema, donde no existen los grises, donde las cosas son solo malas o buenas, donde o vas conmigo o vas contra mí. No todo lo que consumimos como espectadores o jugadores tiene que ser una obra maestra, ni tiene que pretender serlo; es más, dudo que la empresa francesa hubiera querido para este juego que hubiera sido el próximo Diablo, ni la gran revolución del género, por lo que creo que aprender a tratar a las cosas como realmente son, en vez de por las expectativas que nos generamos, es la mejor manera de disfrutar obras como estas. Y si no, que se lo digan a todos los señorxs que siguen apostando día a día por Gameloft, aunque ahora sea una filial de Vivendi, casi nada…

Desarrollador: Konami.

Distribuidor: Konami.

Plataformas disponibles: Game Boy.

Fecha de lanzamiento: 19 de Abril de 1991, solo en Japón.

Género: Roguelike tradicional.

Nivel de dificultad: Medio-Alto (En función del tipo de mazmorra escogida y su nivel)

Duración: Entre 5-7 horas para completar todos los niveles a nivel 6 y ver por primera vez los creditos, entre 12-15 horas para llegar a completar todo el contenido a nivel 10.

Estado: Finalizado el 21 de Mayo de 2026 en la consola retroemuladora RG351V.

Es interesante pararse a ubicar cuándo Japón decide empezar a refinar la fórmula tradicional de Rogue de Michael Toy y Glen Wichman. Si nos vamos a la mayoría de estudios académicos al respecto, datan el año 1993 como decisivo en el género en tierras niponas, gracias al trabajo de Chunsoft con: Torneko no Daibōken: Fushigi no Dungeon: Juego basado en la IP de Dragon Quest, que hace al icónico comerciante explorar mazmorras generadas proceduralmente para obtener equipo que posteriormente venderá en su establecimiento. Este spin-off cobra tal importancia, por ser uno de los primeros juegos de este nicho en aterrizar en consolas de sobremesa, así como popularizar este tipo de títulos para un público tan masivo; sin embargo, como muchas veces nos ha enseñado la historia, ser el que abre la puerta no te convierte realmente en el pionero de nada. Como sucede cuando nos sentamos a excavar en profundidad, es muy común ver partes oscuras o tapadas por la falta de medios que tuvo nuestro territorio, haciendo que sea difícil datar ciertas cosas o seguir ciertos rastros…

Si bien los Mystery Dungeon nacieron en el 93 y han sido lo más prolífico que ha dado el roguelike tradicional, tal y como lo data la interpretación de Berlín, realmente el desarrollo nipón de estos juegos no empezó ahí. Ya en los años 90 tuvimos intentos por parte de SEGA de asomar la patita por estos lares, mediante la publicación de dos juegos clave: Fatal Labyrinth y Dragon Cristal, dos visiones de un mismo juego para tres plataformas distintas, que, por desgracia, pese a sí llegar a nuestras tierras, tuvieron nulo impacto. Tan solo un año después, Konami también probaría suerte mediante un pequeño equipo, para una pequeña consola que, si bien no era lo más puntero del momento, sí era un éxito de ventas a nivel internacional, excusa perfecta para probar a un nuevo grupo de talentos en ciernes; y así, entre unas cosas y otras, nacería Cave Noire, uno de los títulos más curiosos y únicos del catálogo de la Game Boy, videojuego ahora convertido en un producto de culto, pero que cuando apareció en las tiendas, fue un éxito moderado, siendo la excusa perfecta para ser mantenido en su territorio de origen, por miedo al fracaso en Occidente.

Aunque se ha escrito mucho sobre Cave Noire, hoy vamos a intentar darle un pequeño giro, centrándonos un poco más en su proceso de desarrollo y su importancia, más que como pionero, como obra perfecta para la máquina en la que se encuentra. Quizás este no sea el texto más original de este Substack, pero, como sucedió en su momento con Mortal Shell, estamos ante un juego que llegó a mi vida de manera bastante aleatoria y del que creo que, pese a ello, hay mucho que rascar.

Para entender el desarrollo de Cave Noire, debemos remontarnos levemente a la epoca de la MSX, momento clave para Konami y sus exitos posteriores.

Si parte del estatus de “juego de culto” rodea a Cave Noire, es en parte culpa del ostracismo que le rodea. Como sucedió en su momento con la versión de Drakkhen de Kemco, haber, hubo un equipo detrás, pero más allá de la figura de Kazuo Iwasaki, poco se sabe al respecto, tanto es así que, si bien él era una pieza clave, el tiempo ha conseguido que su talento sea olvidado como todos aquellos que colaboraron con él en el 91 para hacer este curioso roguelike de Game Boy. Lo poco que sabemos y he podido rascar es lo siguiente: Antes de los 90, Konami había vivido un boom como desarrolladora propietaria con su ordenador personal, el MSX. Este había funcionado bien y permitido a la empresa foguearse en cuanto al desarrollo de software se refiere, aunque esto le impidió ir realizando ports y juegos propios para otros sistemas, como fue el caso de las consolas de Nintendo y SEGA. Precisamente en 1990, la desarrolladora empezaría a virar por otros derroteros, por lo que le sirvió para descontinuar su viejo sistema MSX; esto hizo que muchos desarrolladores especializados en crear títulos para esta plataforma tuvieran que ser reubicados a otros lugares. Es en este momento cuando Kazuo Iwasaki y Kazutomo Terada, programadores junior responsables de obras como SD Snatcher, acabarán siendo puestos al frente de jóvenes promesas encargadas de realizar diversos proyectos para el hardware que estaba naciendo y con el cual aún se tenían acuerdos de colaboración.

Es en ese año que esta pareja, junto con algunos novatos, crea TMNT. Fall of the Foot Clan para Game Boy. Videojuego de licencia que Konami crea para explotar el éxito de la serie original y hacer caja de forma económica. Gracias a su lanzamiento internacional, junto con la IP que iba asociada, el título vendió lo suficiente para permitir a los directivos coger confianza en este tándem y ponerlos al frente de su propio proyecto, empezando así el desarrollo del juego que hoy nos ocupa. El resto ha quedado opacado por la historia; si bien Cave Noire tuvo cierto éxito, en su país de origen fue insuficiente dadas las expectativas de Konami, que, dado su presupuesto y scope, solo invertía dinero en dos lanzamientos anuales originales para la portátil de Nintendo, destinando el resto de recursos para grandes IP de consolas de sobremesa junto con adaptaciones de los mismos para ports de máquinas portátiles o menos demandantes. Si bien a este equipo trabajar en este roguelike les permitiría también probar suerte con un juego de Goemon para la portátil, la realidad es que Iwasaki, la mente detrás de un título adelantado a su tiempo, acabaría siendo relegado por su empresa a desarrollar juegos de béisbol, ya que el posterior intento de la desarrolladora de hacer otro rogue acabaría en manos de Kenichirō Horio, aunque eso es historia para otro análisis…

Aunque parezca mentira, Konami se volcó muchisimo con Game Boy, tanto que hasta hicieron perifericos raros como el Hyperboy, que permitia convertir tu experiencia portatil, en una más arcade.

Pasando al juego que nos ocupa, si por algo es tan querido y respetado a día de hoy el trabajo de Iwasaki, es precisamente porque su título para GB encapsula de forma magistral la experiencia roguelike más tradicional en un formato más dinámico; pero me estoy adelantando a los acontecimientos. Para dar un poco de contexto en sí, somos un/a joven anónimo/a que viaja hasta la aldea de Kazuru, alentado/a por un rumor de que existe un gremio de aventureros orientado alrededor de un árbol mágico y cuatro extrañas mazmorras; de este lugar salen aventureros, que posteriormente se convierten en héroes que forjan leyendas; así que, ni corto ni perezoso, nuestro avatar decide ir a este lugar, para alistarse, superar los peligros que aportan estos calabozos, para así demostrar su valía, reunir prestigio, así como realizar diversas hazañas. Como sucedía con Dungeon Antiqua, aquí no hay una gran narrativa y tampoco hace falta per se, ya que puedes jugar al juego de principio a fin sin conocer la premisa, ya que lo básico está en la introducción del juego y el resto tras leer el manual. Además, dada su naturaleza portátil, junto con la consola en la que se encuentra, como lo importante es encender y jugar, el tener que pararse a ver una narrativa o indagar en ella solo frenaría más el tono, además de la intencionalidad del mismo. Por lo que tampoco hay una explicación elaborada de las dungeons; los trabajadores del local al que servimos o los monstruos están ahí para lo que están y tampoco es menester darles demasiadas vueltas. Como mencioné antes, hay algo de más extensión en las instrucciones que acompañan al juego (y por suerte están traducidas al inglés); sin embargo, como parte de la naturaleza de la obra, está pensada para que cualquiera sin un mínimo de experiencia pueda sentarse, encender, seleccionar y probar; casi todo lo importante lo acabas descubriendo a través de jugar, por lo que incluso leer el manual, aunque te puede aportar algo de contexto, no te va a añadir mucho más que lo que pudieras descubrir tú dedicándole tiempo y atención a los sistemas que se emplean.

Pasando a desgranar las mazmorras, se dividen en cuatro, cada una con un tipo de misión a completar, siendo: Cacería de monstruos, recolección de monedas, obtención de orbes y salvamento de hadas. A su vez, cada una está dividida en nueve niveles y una maestría. Para convertirnos en héroes, es decir, ver el final del juego, debemos superar el nivel 6 de cada una de ellas. Quitando el objetivo a batir y los cambios en el diseño según en qué piso nos encontremos, los calabozos, aunque tienen diseños aleatorios que cambian cada vez que se visitan, incluso si son del mismo nivel, mantienen mecánicas comunes entre todos ellos; me explico. Independientemente de la tarea, los enemigos a batir siempre son los mismos; en todos hay escaleras que llevan a un piso inferior, todos tienen cofres. A partir de cierta profundidad (normalmente el 4-5 BF) empieza a aparecer oscuridad que nos impide ver qué tenemos alrededor; también hay obstáculos a evitar como los agujeros o la lava, e incluso existen secciones que incluyen pequeñas formaciones de agua, que podemos traspasar, o baldosas que se destruyen y nos hacen caer si nos mantenemos mucho tiempo sobre ellas. Todo esto es tanto una bendición como una maldición, porque el juego prima la sencillez sobre todo lo demás, permitiendo que cualquiera en cualquier momento pueda sentarse y dedicarle un rato al juego, sin abrumarse por nueva información que surja, consiguiendo que, si no tocas el juego en un tiempo, puedas volver a él sin problema, pero lo más importante es que favorece el jugar, echar una partida y luego pasar a otra cosa, algo que no hace más que afianzar aún más todo lo que hemos estado comentando a lo largo de este texto; lo malo es que en sesiones largas es cuando se le empiezan a ver las costuras, especialmente de cara a la repetitividad, pero quizás eso, acompañado de su brutal dificultad, son los dos únicos palos en la rueda más significativos.

Cada mazmorra en sí, tiene su propia progresión y conforman todo el contenido del juego.

El juego siempre guarda el progreso una vez salimos de la mazmorra, salga la tarea bien o mal; por otra parte, la opción de “quit” dentro del menú de pausa permite crear un guardado temporal para retomar nuestra misión en cualquier momento, siempre que necesitemos dejar las cosas como están, por imperiosa necesidad del mundo real. A su vez, el juego empieza de forma escalonada, ya que los niveles más difíciles se van obteniendo conforme vamos superando los anteriores, por lo que cuando llegas a cierta parte del juego, ya has pasado unas cuantas horas en los calabozos y sabes de sobra de qué va la cosa, por lo que es muy fácil hacer ese plug and play, que llevamos mencionando todo el texto. Además, una vez superados, puedes jugar los niveles anteriores todas las veces que quieras, al igual que el nivel maestro una vez lo superas, por lo que en el fondo puedes dedicarle a este juego todas las horas que quieras, adaptándolo a tu interés y circunstancias, cosa que no está nada mal para un juego del 91 para la Game Boy. También hay que decir que, quitando las tareas de erradicación de monstruos, el resto de encargos no te obligan a enfrentarte a las criaturas que pululan las salas, convirtiendo el combate en algo más opcional y también más peligroso, ya que, como sucede en otros rogues, tu personaje no mantiene los avances u objetos que obtiene cuando sale de estos sitios, ya sea vivo o muerto, y hay que tener en cuenta que tampoco existe un sistema de experiencia, por lo que tus stats se mantienen bastante bajos en la mayoría de ocasiones, solo subiendo levemente cuando alcanzas ciertos niveles de las tareas y reduciéndose si decides probar una dificultad más baja.

Puedes obtener una subida de stats si obtienes ciertos objetos como las espadas o los escudos o utilizas ciertos hechizos, sin embargo volveran a sus valores originales, nada más pongas un pie fuera de la mazmorra.

A su vez, nuestro inventario es bastante limitado; solo podemos cargar 8 objetos. Si bien el árbol nos suministra 4 al azar nada más empezar, entre ellos una necesaria poción de curación, gestionar nuestra mochila también es fundamental, porque si bien las monedas no ocupan espacio, los orbes y las llaves necesarias para liberar a las hadas, sí. Por lo que cierta parte de nuestra travesía se basará en hacer un buen uso de los recursos de que disponemos… ¿Sacrificaremos un antídoto que puede hacernos falta para poder cargar un objeto de misión? ¿Merece la pena mantener una llave, aunque no haya jaulas en este piso, o la conservo para lo que me encuentre abajo? ¿Decido explorar esta área oscura, con monstruos alrededor, o gasto el único pergamino de hechizo de iluminación que dispongo? Además, como nuestro equipamiento inicial y lo que vamos obteniendo es totalmente aleatorio, habrá sesiones donde, pese a enfrentar un desafío duro, con cabeza y suerte podamos gestionarlo, mientras que habrá otros que, incluso siendo más fáciles, no nos acompañe el RNG y, por lo tanto, acabemos besando la lona más rápido de lo previsto… Como ya mencioné, también hay que sumarle la tarea en sí a realizar, que se irá volviendo cada vez más complicada conforme avancemos, y los peligros ambientales; porque sí, una criatura puede ser peligrosa, pero lo es más estar dando tumbos en la oscuridad y que de repente te sorprenda una baldosa de lava, que ni siquiera has notado, provocándote un game over… También hay que tener en cuenta que la falta de visibilidad hace que no podamos identificar ni a los monstruos que pululan por la sala, ni a los objetos que hay en ella, generando situaciones bastante complicadas si no se tiene el debido cuidado, ya que los primeros aparecen con un contorno con ojos, que no se aclara hasta que nos acercamos lo suficiente, mientras que los segundos están tapados por la propia oscuridad, solo pudiendo verse a una casilla de distancia. Y, por supuesto, también existen dos tipos de enemigos relacionados con esta mecánica, uno iluminando toda la sala y el otro oscureciéndola al completo, cuando son derrotados.

Los monstruos, por su parte, aunque no conforman una cantidad excesiva, sí cabe decir que son bastante variados; son visualmente característicos y todos disponen no solo de sus propias estadísticas, sino también de patrones concretos de actuación y movimiento. Como se suele decir, se primó la calidad sobre la cantidad. Antes de pasar a poner ejemplos, hay que decir que estos se clasifican por tamaños. Los más pequeños son los más abundantes y variados, ocupando una casilla al igual que nuestro protagonista; los medianos, por otra parte, son los más escasos y ocupan tres casillas, ya sea en horizontal o vertical, mientras que, por último, los grandes ocupan cuatro casillas y, sin los medios adecuados, ni siquiera pueden ser dañados por la mayoría de ataques básicos. No hace falta que lo expanda mucho, pero, como podréis imaginar, su complexión indica su amenaza y estos van surgiendo conforme más nos adentramos en las mazmorras o mayor nivel de dificultad afrontamos en las mismas. Lo más interesante aquí es que, quitando las tareas de cacería, realmente no es necesario entablar contacto directo con ninguno y, dados nuestros pocos recursos, es lo que deberíamos intentar siempre que podamos; para ello es crucial ir aprendiendo el comportamiento de nuestros rivales y con ello sus patrones, especialmente el de movimiento. Por ejemplo: El cíclope es una criatura mediana, que ocupa dos casillas de forma horizontal, que se mueve de arriba abajo por un grupo de casillas ya preseleccionado; de primeras no nos perseguirá, pero si nos ponemos en su radio, empezará a atacarnos para sacarnos de su travesía, lo mismo si justo se encuentra pasando y estamos en una casilla adyacente; el cangrejo gigante actuará de la misma manera, pero de forma horizontal. De la misma forma, existirán ciertos monstruos, que por otro lado se dedicarán a darnos caza nada más pongamos un pie en su sala, como el esqueleto o el titán (yo a este último prefiero llamarlo caballero, pero es como dice el manual que se llama), que aunque ocupan nada más una casilla, son bastante mortíferos para un jugador descuidado o con pocos recursos para hacerles frente, ya que no cesarán sus intentos de eliminarnos hasta que salgamos de la estancia, siendo aún más problemáticos si están en la oscuridad o van con otras criaturas que actúen igual.

Como ya adelanté, aprender a prever y jugar de forma meditada es esencial, ya que, aunque todos nuestros adversarios tienen una manera específica de actuar, el tiempo no se mueve hasta que nosotros decidamos actuar, ya sea moviéndonos, pasando el turno con el botón B, usando un objeto o atacando a un enemigo en concreto (con nuestro ataque básico solo podemos atacar a una casilla cercana y siempre debemos estar parados para ejecutarlo), por lo que es vital, en función de cada sala en la que nos encontremos, ir jugando con las opciones que tenemos para ir afrontando los retos que se nos presentan. Además, siempre que tengamos suficiente visibilidad, podemos apretar Select para comprobar los HP de todos los que se encuentren en la misma habitación que nosotros, ayudándonos en caso de que debamos afrontar combates o bien huir de los mismos, siendo irónicamente una forma magnífica de detectar a los mimicos, ya que si jugamos la versión original del juego sin aplicarle elementos de color, es bastante difícil diferenciarlos de los cofres normales y, al contrario que en muchos otros RPG, pelearse con ellos, más que beneficiar, nos perjudica al obligarnos a perder tiempo, vida y quizás posteriores recursos, ya que los monstruos rara vez dropean objetos, independientemente del tipo que sean… Tampoco me quiero ir de este bloque sin mencionar que nuestro avatar, cuando se acerca a los enemigos desde ciertas posiciones, nos obliga a entablar combate con lo que sea que tengamos cerca, por lo que, una vez más, el ser bastante cuidadoso ayuda, porque muchas veces, incluso sin quererlo, acabaremos por culpa de esta decisión de diseño metidos en más peleas de las que nos gustaría…

Aprender como actuan las diferentes criaturas es crucial para salir vivo de la mayoría de situaciones que nos plantea el juego…

Aquí es cuando entramos en el verdadero elefante en la habitación, la duración real del título. Cave Noire es a todas luces un juego de bajo presupuesto, en una portátil y, aunque la aprovecha genial, no está exento de problemas; el más acuciante es todo el tema de cómo la decisión de diseño gira alrededor de jugar con lo poco que se tiene para ampliar su extensión lo máximo posible… Creo que no se le escapa a nadie lo que dije al comienzo: Solo hay cuatro tipos de misiones, todas en localizaciones similares, con los mismos enemigos y los mismos objetos; una vez terminas una, toca volver a repetir lo mismo y así sucesivamente. Antes de tiraros mi take, al César lo que es del César: El equipo de Iwasaki no podría haber elegido mejor género como ópera prima propia, ya que si por algo se definen este tipo de juegos es por convertir algo simple y rutinario en un entretenimiento de decenas, cientos e incluso miles de horas si se hace bien; además, hay que tener en cuenta que cuando nació Cave Noire, no es que el japonés medio pudiera jugar nada parecido en consola, por lo que hay que aplaudir lo visionario que fue este equipo novel de Konami, en conseguir encajar tan bien un género así en una máquina como esta. No obstante, las cosas claras, como dije al principio, este videojuego funciona bien en las distancias cortas, pero funciona regular en sesiones más largas o, peor aún, si eres un pobre desgraciado que tiene un Substack y más cosas jugando entre medias, pero quiere sacarle un “análisis” en condiciones, que te vas a ver jugando más seguido para ver todo lo que tiene que ofrecer y te vas a dar cuenta de que, haciendo eso, quemas el título todavía más rápido de lo que deberías, porque, por desgracia, tanto para bien como para mal, no hay mucho más que rascar… Diré más, sus autores lo sabían, puesto que intencionalmente han guiado el juego, no a que sea mucho más extenso o variado, sino más a que sea un reto que quieres completar.

Cuando ves los créditos por primera vez, el juego te anima a ir a por misiones más difíciles, y yo no sé vosotros, pero será que me he criado con Pokémon o con JRPG algo más tradicionales, pero para mí esto es una señal de que empieza el postgame, por lo que, por ende, se vienen cositas interesantes que ver adicionales, normalmente algún contenido extra reservado para aquellos/as valientes que han movido cielo y tierra para llegar hasta este nivel. Se me vienen a la cabeza dungeons como la Cueva Celeste o las típicas mazmorras extra de los juegos de Tri-Ace como el segundo Star Ocean. Spoiler: No hay nada de eso aquí, es volver a jugar otra vez lo mismo que antes, pero aún más complicado… Es más, para llegar hasta este punto debes haber alcanzado el nivel 6 en todas las misiones, momento en que las cosas ya son bastante difíciles y vas a tardar tu tiempo para terminarlas. Pero a la larga estás jugando lo mismo una y otra vez en bucle, desde que empiezas hasta que terminas, y para que se note menos, pero sobre todo cueste aún menos yenes, hacen un juego simple de entender pero difícil de dominar incluso en sus primeros compases, que te va a tener horas, picándote a repetir lo mismo una vez, y otra vez, y otra, solo para poder avanzar un mínimo, porque lo más probable es que, dadas las diversas decisiones, como hacer un protagonista débil sin apenas mejora, unos enemigos en su mayoría más fuertes, pero sobre todo un montón de peligros, que te van a hacer palmarla si das un paso en falso, y creedme que lo vais a dar bastante… Vosotros me diréis… Ya que, sí, os puedo comprar que el género siempre se ha diferenciado por su especial dificultad, pero incluso aquellos más brutales acaban permitiéndote escalar de forma mucho más efectiva durante las runs o directamente te permiten probar con diferentes acercamientos a la fórmula, a través de sistemas de clases, aquí por haber, no hay ni eso… Al menos tampoco te mueres de hambre con el pasar del tiempo como en otros exponentes… Algo es algo…

Por último, de lo negativo, hay que hablar del conjunto de misiones relacionadas con el sistema de cacería, para mí (y creo que para unos cuantos más), sin duda lo peor del juego. Cave Noire basa su exigencia en darnos un avatar débil que, si va sin cuidado, le cuesta desenvolverse bien, hasta con la mayoría de criaturas de los compases iniciales (los minotauros y cangrejos son un dolor de huevos, nada más empezar, créeme), por lo que el diseño te está diciendo a gritos que solo pelees si es estrictamente necesario o porque no te quede otra. ¿Por qué entonces hacer toda una cadena de tareas orientadas a combatir, cuando sin duda alguna es lo peor y más desaconsejable dentro del juego? Una de cal y otra de arena; hay que decir también que el título te pide que mates a un número determinado de enemigos y ya, no te especifica cuáles, por lo que eres tú quien puede elegir a sus víctimas; además, en muchas ocasiones te dan pergaminos de fuego que te permiten eliminar ciertas alimañas, pero aun así, esto se siente más un parche que una verdadera solución… Al principio se puede lidiar con ello, porque piden pocas eliminaciones y no aparecen tantos monstruos medianos o grandes, pero ya a partir del nivel 3 de la dungeon, tu personaje empieza a quedarse muy atrás de ciertos adversarios como los esqueletos; imagina cuando sobrepasas el nivel 6, que aunque tienes mejores stats, vas a acabar muy abajo de la mayoría de amenazas que surgen, por lo que si no tienes mucha suerte con los críticos o con el RNG, para que aparezcan enemigos más débiles o incluso hechizos de ataque o subidas temporales de stats, se hace una empresa prácticamente imposible y no siempre vas a tener la suerte de tu parte. Es más, la mayoría de las veces te va a tocar repetir hasta que salga, si es que no usas ciertas trampas como los save states.

Para conseguir la medalla al completo y ser títulado como héroe, has de prepararte para sacarla con sudor y sangre…

Con todo, no quiero que os quedéis solo con lo malo de este juego; hay que entender, para bien o para mal, que Cave Noire no se diferencia por hacer lo que otros ya hacían, sino en ser uno de los pioneros en consola, además de ese título de culto tapado, que no tantos conocíamos y que se sentía como todo un descubrimiento cuando se probaba. También empezaría a andar un camino, que en Japón terminaría de asentar Chunsoft con su serie Mystery Dungeon y que haría a muchos interesarse por este género en Occidente a través de la interpretación que se le daría con los títulos de Pokémon (aunque eso, una vez más, es para otro día). A la vez, este juego permitiría al tándem de Iwasaki y Terada no solo foguearse como desarrolladores; también haría que, a los ojos de los directivos de Konami, fueran lo suficientemente capaces para seguir desarrollando videojuegos con la misma calidad o puede que mejor, alejándolos por aquel entonces de tener que dedicarse a hacer juegos de licencias, para explotar nuevas cotas. Asimismo, aunque no lo parezca, este título también funcionó para muchos como otra toma de contacto con este nicho, más allá del spin-off de la IP multimillonaria de Nintendo, permitiéndoles enfrentarse a lo que suele arrojarnos este tipo de obras de una manera más arcade, a la par que sencilla, sin dejar atrás la jugabilidad o elementos característicos de este tipo de productos.

Sin duda alguna, Cave Noire ha sido ampliamente superado por un montón de videojuegos, no solo del roguelike más tradicional, sino también de otras vertientes que han decidido abrazar a su manera el concepto rogue (como, por ejemplo, mi amado Brotato, que en el fondo no se diferencia demasiado de este en ciertos aspectos). No obstante, quizás no veríamos este tipo de videojuegos de la misma manera si el roguelike tradicional portátil de Konami no fuera el que hubiera abierto la veda, porque sí, a día de hoy, con un PC consolizado o una Switch, puedes disfrutar de muchos de estos rogues, cuando quieras, pero sobre todo donde quieras. Sin embargo, tuvo que haber alguien que anduviera ese camino, que se pegara esos palos, para que todos los demás pudieran volar, y aunque no lo parezca, a veces eso es más importante, que ser el pseudo-roguelike más vendido de Steam, casí nada…

Se han escrito auténticos ríos de tinta sobre el primer Phantasy Star. Que sí fue uno de los grandes pioneros dentro del JRPG, que sí fue el primer videojuego en realzar la figura femenina, a través de Alis, que era una protagonista con todas las de ley, sin implicar clichés o situaciones sexualizadas, o cosas como que fue el juego más potente de su consola, demostrando cómo con esfuerzo era posible exprimir el hardware al máximo para obtener un producto notable… Desde que saliera en 1987, miles de personas se han acercado a él, con backgrounds muy diferentes, con enfoques muy variados en función de la época o la versión escogida, ya que este juego ha sido relanzado en múltiples sistemas a lo largo de las décadas. Sin embargo, aunque existe infinidad de documentación escudriñando hasta el último recoveco de sus entrañas, no he visto a casi nadie comentando lo obvio, el elefante en la habitación… Ya que, aunque el juego de Kotaro Hayashida y Miki Morimoto tiene muchos elementos inspirados en Ultima, como la exploración de vastos mundos, un sistema de ciencia ficción con armas láser, naves espaciales, hospitales o hamburguesas, dotándolo de las bases que conformarían y expandirían posteriores JRPG; eso solo es el 40% de la ecuación; el 60% restante es básicamente Wizardry, pero mucho más contenido…

Pensar en este título es pensar también en explorar mazmorras. Tanto es así que no solo el juego te da herramientas para ello, sino que encima, para prosperar, te exige que te tomes tu tiempo, saques lápiz y papel y te pongas a mapear cada uno de los diversos calabozos, eso, o juegas la versión AGES, donde literalmente lo hace el juego por ti. No obstante, hasta la aparición de esta versión en 2018, era trabajo del usuario hacer esto o, si no, ponerse con GameFAQs a mano siguiendo los mapeados ya realizados por otros jugadores. Si bien a todo el mundo se le llena la boca hablando de lo importante que fue este juego para el mundo del RPG nipón, también hay que reivindicar el papel que tuvo en el género del dungeon crawler y cómo lo ha acercado a tantísima gente, más que Shining in the Darkness, que supuestamente era el verdadero primer gran hito dentro del nicho, por parte de SEGA. Camino que, por otro lado, sería abandonado por esta saga, para convertirse en un compendio de tácticos, hasta la salida de un spin-off para Saturn, pero que la tetralogía empezada en Master System continuaría, hasta en menor medida con sus versiones online… Aunque ya me estoy adelantando a los acontecimientos.

Por eso hoy, como podréis imaginar, vamos a hacer una pequeña retrospectiva de este juego, pero haciendo mucho más énfasis en su parte de exploración de mazmorras, ya que para análisis o repasos más generales, podéis acudir a cientos de escritos, videos y podcasts hablando en profundidad sobre todo aquello que aquí hemos mencionado de pasada, pero que se ha mencionado hasta el hartazgo durante los casi 40 años que va a cumplir este título. Probablemente en muchos de estos encontraréis un contexto mucho más enfocado a su peso histórico, su labor o incluso, si me permitís el dato, en el caso de los más recientes, la oportunidad de verlo con un prisma mucho más contemporáneo, comparando su ritmo y estilo con cómo apreciamos las tensiones en videojuegos de varias décadas atrás. No me voy a enrollar mucho más, que tenemos mucha tela que cortar, pero sí deciros para cerrar que todo este artículo estará basado en mi experiencia con la versión de SEGA AGES lanzada en 2018 para Nintendo Switch, tanto para lo bueno como para lo malo, pues sé de primera mano que existen parches y mods que suavizan algunas asperezas o retraducen el juego, dándole nuevas capas a un título de por sí tan mítico.

Se suele hablar muchisimo de la importancia de Phantasy Star como JRPG, pero ironicamente te vas a pasar más tiempo viendo estas pantallas, que explorando en el exterior…

No me voy a detener demasiado en la premisa, pero para el que esté perdido y no sepa de qué va la vaina, trata así: El antaño bondadoso rey Lassic se ha corrompido y ahora gobierna con puño de hierro el sistema solar de Algol. Todo esto hace surgir a un pequeño grupo rebelde que desea derrocarlo para recuperar la libertad; entre estos está Nero, un joven hunter que es asesinado por las tropas del monarca en medio de la calle, en su ciudad natal; su hermana Alis ve en directo cómo este fallece y jura venganza contra el tirano y todos aquellos que lo sigan, embarcándose en una epopeya que abarcará los tres planetas. Si bien la premisa es interesante, la narrativa de Phantasy Star, aunque más elaborada que la de otros exponentes como el primer Dragon Quest, tampoco es demasiado profunda o está contada de una manera tan directa como en los estándares modernos; el juego narra, pero si lo hace, es a través de acciones, sucesos, diálogos o, lo mejor de todo, entornos. Porque aunque nos movemos por tres mundos distintos con sus propios ecosistemas, ciudades y peligros, la mayor parte de la acción no solo se desarrolla en los calabozos, sino también todo el trasfondo. Al principio, cuando Nero pierde la vida, nos hace ir en busca de Odín, un poderoso rebelde que se encuentra desaparecido; este se encuentra petrificado en el interior de una mazmorra. Aunque para salvarlo debemos emplear un objeto que hemos obtenido fuera de los calabozos, una vez rescatado, nuestro nuevo compañero tendrá la tarea de derrotar a Medusa, quien le provocó este estado, y para hacerlo primero requeriremos encontrar el escudo espejo, que evitará que nos afecte su poder, y segundo, encontrar a esta jefa, que se ha movido de localización desde su primera reyerta con este personaje. Lo interesante es que esta “misión” es importante dentro de la trama, se desarrolla en varias dungeons no conectadas y, más allá de la conversación original con Odín, nadie te dice dónde debes ir o qué debes hacer; eres tú el que debe ir poco a poco hilando todo para poder progresar.

Pero es que esto no se queda aquí; por ejemplo, Noah también está escondido en una mazmorra y, para poder ser reclutado, debemos obtener el permiso del gobernador, así como localizar dónde está. No obstante, la cosa sigue, puesto que este personaje dispone de un maestro, escondido en otra dungeon, que debemos encontrar. Una vez lo hallemos, nuestro cuarto integrante tendrá una conversación con él, combinada con una posterior pelea donde en solitario se enfrentará a su mentor para demostrarle que es digno de su legado y capaz de hacerle frente a Lassic. Una vez más, no es algo que nos tiren a la cara, es algo que tenemos que ir viendo, descubriendo conforme hablamos con los lugareños a la par que vamos investigando nuevos planetas y localizaciones, convirtiéndose en un momento narrativo algo más orgánico que pasa por ser algo más que obtienes tú y que te da que contar, que algo que la “trama” simplemente te imponga, aunque todo sea dicho, buscarlo y hacerlo da mejores recompensas que pasar de ello… También hay que mencionar que el videojuego emplea el setting de mazmorras para pasos entre ciudades, prisiones y otras localizaciones destacables como templos o guaridas de ciertos adversarios o criaturas. Todo esto consigue que el paso por este tipo de sitios se sienta muy natural, ya que conforman todo tipo de espacios que hay que transitar por todo tipo de motivos. Por ejemplo, para visitar al gobernante antes mencionado, tenemos que atravesar un estrecho paso interior por debajo de un río para poder llegar a su vivienda. Lo mismo ocurre para llegar a Gothic; tenemos que atravesar la red de alcantarillado que se encuentra dentro del puerto espacial de Palma y así podría enumerar bastantes más, pero creo que se entiende lo que quiero plasmar. Sí quiero resaltar que, aunque en cierta medida a nivel visual, estos lugares no se diferencian demasiado unos de otros, es a través de su paleta de colores como podemos diferenciar no solo el tipo de mazmorra, sino también dónde está ubicada. Un buen ejemplo de esto serían los túneles de Dezoris, divididos en secciones, pero todos adornados con tintes negros y celestes, para simular oscuras grutas glaciares, actuando en consonancia con el planeta en el que se encuentran.

Quizás lo más achacable a este sistema de narración es que depende mucho de que el jugador se encuentre en el lugar correcto, en el momento oportuno; o bien se dedique a escudriñar toda la información que reciba, explorando también hasta el último recobeco en el proceso. Un jugador poco paciente o poco observador es muy probable que se atasque y se canse, provocando que bien acabe tirando de una guía o abandone el título. Sin embargo, este mismo problema se le puede echar en cara a otros exponentes de la época como los dos primeros Dragon Quest o Final Fantasy I, no obstante, al contrario que en esos ejemplos, los personajes aquí sí cobran más relevancia, tienen motivos conectados a la investigación y el pateo de calabozos e incluso llegan a tener una breve cinemática de presentación, donde charlan con Alis, junto a los otros integrantes que se encuentren disponibles, permitiéndoles tener mucho más empaque que, por ejemplo, los guerreros de la luz, el descendiente de Erdrick o los príncipes de Centumbria y Ludovino, respectivamente; es que actúan más como avatares que como individuos con personalidad o motivaciones (al menos en las versiones originales que yo jugué).

La pelea contra Tarzimal, el mentor de Noah, es uno de esos momentos donde el juego te esta mostrando sin contar; y como tantas de estas situaciones, las vivimos en lo más profundo de una mazmorra.

Pasando a nivel mecánico, si bien el juego de SEGA recibe una fuerte inspiración del trabajo de Sir-Tech, ni de lejos llega a las cotas de dificultad que este plantea, aunque también tenga su miga. Al igual que sucedía en el primer Wizardry, al entrar en cualquier mazmorra, es menester iluminarla para poder ver nuestro entorno; una vez realizado ese paso, nos daremos cuenta de que nuestro grupo se mueve de forma unificada mediante un sistema de casilla, cubriendo cada paso una. En la versión original, al entrar en un calabozo, no se nos mostraba mapa, si bien existe la brújula, que es un objeto clave que nos ayuda a orientarnos; como comenté al principio, es nuestra labor encontrar la forma de poder movernos por estos entornos sin perdernos, ya que aunque disponemos de una leve ayuda, esta no nos va a resolver la papeleta, obligándonos a tener que o bien buscar los mapeados por ahí o sentarnos nosotros con papel y lápiz a mapear cada uno de estos lugares; tarea que unos pocos años después también nos obligaría a hacer Shining in the Darkness. Por suerte, a día de hoy, es muy asequible la versión de SEGA AGES, que nos resuelve la papeleta, mostrándonos en la esquina inferior derecha un mapa, que se va rellenando de manera automática a medida que exploramos estos sitios y que creo que se hace incluso más vital que otros mods que se le puedan aplicar al juego, ya que nos vamos a pasar la mayor parte del tiempo dentro de estos espacios y todos y cada uno de ellos tienen sus recovecos, secretos y trampas. Si bien es verdad que el nivel de los peligros encontrados en este título no llega a las cotas de su referente, los agujeros, cofres explosivos y paredes falsas están a la orden del día (especialmente a partir del segundo planeta) por lo que ir a ciegas es a todas luces, una pésima idea.

Por otra parte, las mazmorras tienen pequeños elementos característicos, junto a la iluminación o las trampas. Llegado a cierto punto al principio del juego, obtendremos la llave, que nos permitirá abrir puertas con candado, siendo un recurso importante en la mayor parte del juego, puesto que tanto para avanzar como para obtener recursos, ya sea en forma de consumibles, objetos importantes o pistas, deberemos emplearla. Más adelante empezarán a surgir calabozos donde obligatoriamente tendremos que pasar fosos, así que habrá que subir a Myau a cierto nivel para que pueda emplear un hechizo que nos ayude a sortearlos porque, si no, nos veremos abocados a dar vueltas por el lugar sin poder alcanzar la salida… Como sucede en otros aspectos, el juego premia también con herramientas para facilitar nuestra exploración, si nos tomamos la molestia de visitar ciertos lugares opcionales para obtenerlas. En los compases finales aparecerán puertas con picaportes en forma de demonio que solo podrán ser abiertas con un hechizo especial de Noah; teniendo en cuenta que el juego apenas cuenta con recursos para recargar el maná fuera de los hospitales y este personaje es un hechicero que es mucho más útil lanzando conjuros que atacando con su arma, será vital encontrar la llave milagrosa, que nos permitirá abrir cualquier entrada que necesitemos. Sin embargo, dicho objeto estará escondido en el laberinto de uno de los últimos calabozos y, aunque nos ayudará de sobremanera, irse a buscarlo implica tardar más en llegar al exterior. También podríamos meter la lámpara mecánica aquí, que nos dará una fuente de luz infinita, sin necesidad de tener que cargar con encendedores o emplear conjuros. Aunque, por suerte, esta es mucho más fácil de adquirir, pese a ser otro objeto totalmente opcional. No obstante, también existen muchos elementos y mecánicas propias que debemos emplear en el mundo abierto; aun con todo, se sienten más de lo mismo que veríamos en sus coetáneos, ya que la mayoría se basa en aumentar la velocidad o la capacidad de desplazamiento, mientras los citados anteriormente presentan ciertas características que solo veríamos en juegos de mazmorreo y que este videojuego se encargó de visibilizar.

Cerramos este bloque con otro apunte interesante, y es cómo funciona el combate dentro de estos espacios. En su base se mantiene de la misma manera, tanto dentro como fuera de las dungeons; sin embargo, en el exterior, es como en todos los JRPG; es decir, caminas y salta una pelea que cambia el setting para adaptarlo a la primera persona. En los calabozos, te mueves mediante esa visión en todo momento, por lo que estos encuentros toman un cariz algo diferente, aunque también mantienen el factor de aleatoriedad. En muchas ocasiones, el juego aprovecha cuando doblamos una esquina, nos acercamos a un objeto de interés (ya sea un tesoro o un acceso) o bien llegamos a un callejón sin salida para hacer saltar un combate. Esto consigue que se genere una sensación de exploración muy orgánica, ya que pareciera que nos estamos topando más con las criaturas y rivales que simplemente saltan porque cierto algoritmo ha llegado a cierta cifra para generar una pelea… Por lo que todo sea dicho, aunque también hay momentos en los que aparece una de estas trifulcas, porque sí, en mi caso particular han sido muy pocas veces, primando más el realismo antes mencionado. Además, hay que decir que la mayoría de jefes se encuentran metidos en estos espacios y muchos concretamente defendiendo cofres, accesos o bien escondidos en ciertos puntos muertos, así que, al igual que pasaba con ciertas recompensas opcionales, habrá alguno que otro que tendremos que buscar para poder obtener ciertos elementos que nos ayuden a progresar en la aventura, mientras otros estarán más escondidos dada su naturaleza más secundaria. Lo más curioso de todo es que vencer a estos enemigos supondrá poder avanzar para ver qué esconden o nos harán retroceder si decidimos huir de ellos, porque sí, puedes escapar de muchos de estos adversarios más opcionales, junto a los enemigos comunes que pueblan las mazmorras, manteniendo esa autenticidad que tan pocos juegos del género han sabido igualar.

Algo que consigue hacer genial este juego es dar la sensación de que “topas” con los enemigos explorando, más que simplemente aparezcan de forma aleatoria.

Si bien la tetralogía abandonaría la manera en la que se explorarían las mazmorras del primer juego, parte de su legado se mantendría, especialmente en la segunda entrega, que, pese a abandonar la visión en primera persona, mantendría muchas de las señas de identidad que se habían fraguado en la epopeya de Alis. El hambre del equipo original por construir una obra que demostrara el poderío de Master System concibió un intrincado pero interesante sistema que combinaba lo mejor de los dos grandes referentes nipones: Ultima y Wizardry, referentes que cada uno por su lado no consiguieron a nivel técnico o de legibilidad la mitad de lo que consiguió este título, con un equipo ambicioso detrás, ya que, aunque Phantasy Star no es perfecto y arrastra muchos de los problemas que implica el diseño de videojuegos de aquellos años, no llega a las cotas que significa enfrentarse a las versiones originales de sus modelos a seguir… Poco después, Sonic! Software Planning (o Camelot para los amigos) empezaría a producir la serie Shining, cogiendo las migas dejadas por el grupo de Naka, para intentar construir su propia adaptación del clásico de Sir-Tech y, si bien su calidad será objeto de una futura reseña, no podemos negar que el imaginario colectivo no lo ha tratado tan bien, relegándolo a un plano mucho más anecdótico y opacado tanto por los Force como Holy Ark, una especie de reinterpretación que tuvo para Saturn y que viró por otros derroteros al conectarse directamente con la tercera entrega de los juegos tácticos. Todo esto consigue que el viaje de Alis se sienta lo más cercano al éxito que ha tenido SEGA con una IP relacionada con la exploración de mazmorras y, teniendo en cuenta el historial, no es precisamente poco…

Phantasy Star II mantendría el intrincado sistema de mazmorreo del original, pero lo cambiaría por una vista más cercana a un JRPG tradicional. Algunos consideran esto un avance, otros, un retroceso…

En la mente de Kotaro Hayashida y Yuji Naka, no estaba el hacer un dungeon crawler per se, ni siquiera realmente la de hacer un digno sucesor de los eternos referentes, sino en construir un título que le plantara cara a los grandes JRPG que estaban empezando a surgir en Famicom, partiendo de su mismo germen y ampliándolo en todos los sentidos posibles. Por eso Naka buscó crear ese sistema de alambre que caracteriza tanto a cada una de las mazmorras; por eso nuestro desplazamiento por ellas, pese a ser casilla a casilla, se siente tan liviano, porque la cuestión no solo es mostrar potencia, también tener lo mejor de los dos mundos en un solo juego. De conseguir que cualquiera que no haya probado un JRPG, pero sobre todo un blobber, pueda sentarse y con un poco de esfuerzo llegar algo más lejos, ya que en títulos como Wizardry era (y sigue) siendo bastante común ver morir a tu grupo nada más incursionar en el calabozo, mientras aquí, ya desde el comienzo del juego, en la ciudad natal de nuestra protagonista, ya hay uno sin combates, que funciona como tutorial de un estilo de juego, con el que deberemos familiarizarnos más pronto que tarde.

En definitiva, aunque me alegro de que Phantasy Star aún siga en boca de algunos (pese a que su entrega más reciente no está boyante de jugadores), sí pienso que debería ser más recordada y tenida en cuenta por su faceta de mazmorreo, porque, si bien hace cosas fascinantes como JRPG, también a lo largo de todo el texto hemos podido ver la buena mano que tuvo su equipo detrás, centrándose en hacer una buena experiencia en esta faceta y darle el peso que se merece, al estar tan presente dentro del conjunto de la obra. Quizás amedrente a más de unx, ya que, a menos que se tire por la versión de Nintendo Switch, va a tocar echar mano de internet o, en el peor de los casos, papel y lápiz, pero puedo asegurar sin miedo a equivocarme que será toda una experiencia para aquellos que den el salto y le den una oportunidad, ya que este videojuego se siente muy adelantado a su época en más de un sentido, no solo el histórico. Además, su estilo tan único es producto no solo de su equipo, sino también de sus circunstancias, ya que nació en un momento donde la economía japonesa era boyante y donde el medio estaba naciendo, por lo que podía permitirse experimentar con todo tipo de ideas, aunque no siempre fueran las más acertadas… Sea como fuere, la odisea de Alys es una cápsula en el tiempo, una muy particular, una que ni siquiera sus secuelas han sido capaces de igualar. Quizás hoy sí es recordada, no sea del todo por los motivos adecuados; no obstante, estamos ante un título tan especial, que si es incluso por sus dungeons, nos da para hablar, casi 40 años después… Casi nada.

Desarrollador: Cold Symmetry.

Distribuidor: Playstack.

Plataformas disponibles: PC, PS4, PS5, Switch 1, Switch 2, Xbox One, Xbox Series X.

Fecha de lanzamiento: 18 de Agosto de 2020 para PC, PS4 y Xbox One, 4 de Marzo de 2021 para PS5 y Xbox Series X y 19 de Diciembre de 2022 para Switch 1.

Género: Soulslike pero con elementos de RPG reducidos. En su DLC pasa a ser un Rogelite hibridado con un Soulslike.

Nivel de dificultad: Bajo-Medio (En función de tu nivel de familiaridad con juegos del mismo nicho)

Duración: Entre 5-7 horas para completar la historia, 10-12 si te tomas tu tiempo en investigar o explorar, 20 o más, para intentar hacerlo todo.

Estado: Finalizado el 20 de Marzo de 2026 en Xbox One S.

Dicen de los juegos que cuando son realmente revolucionarios es cuando consiguen crear su propio género a raíz de su éxito. Pasó con Breath of the Wild, que ha sido influencia de cientos de videojuegos de mundo abierto; sucedió con Vampire Survivors, que hizo de un pequeño experimento todo un nicho con cientos de versiones a explotar, pero sobre todo pasó con Dark Souls, la obra que encumbraría a Hidetaka Miyazaki, título que, pese a no ser el primero que haría, sí pegó lo suficiente para que a tantos nos gustara y con ello creara todo un género nuevo. Los soulslikes. Siendo totalmente fiel a la verdad, no es que este juego realmente creara un género, puesto que cosas como King’s Field, Blade: The Edge of Darkness o el propio Demon’s Souls ya habían paladeado con este estilo de diseño mucho antes, pero vosotros me entendéis. Una vez todo el mundo empezó a recalcar las virtudes del trabajo de Miyazaki, la industria, tanto Triple A como Doble A, tomó nota, dando resultados como el Lords of the Fallen de 2014 o Nioh, entre muchos otros. Clones que buscaban emular la fórmula que tan bien había destilado From Software a la vez que intentaban darle su propio estilo, con todo tipo de resultados… Por otra parte, diversos indies, con sus limitaciones, se atrevieron a soñar con crear sus propias visiones a través de juegos con elementos cooperativos o un enfoque puramente 2D, no tanto en busca de imitar, sino más bien de intentar construir a través de una identidad ya establecida con los recursos que disponían. Aun así, ninguno supo captar bien el espíritu que hacía tan peculiar al trabajo de la empresa nipona. Y así continuó esta nueva moda, generando y generando más y más copias, hasta que llegó 2020.

Un pequeño equipo americano llamado Cold Symmetry lanza al mundo en el verano del 20. Mortal Shell, su propio soulslike, tras dos años de desarrollo. Esta empresa formada por ex-desarrolladores triple A ve en la visión de Miyazaki inspiración para desligarse de una industria que los emplea como herramientas y convertirse en los artífices de su propio destino a través de un videojuego, que primero empezaría como un dungeon crawler procedural, para posteriormente convertirse en uno de los clones más sencillos pero a la vez más sofisticados del primer Dark Souls y sin duda uno de los más cercanos a captar su esencia más oscura a la par que melancólica. El título del estudio de Andrew Murray y Dmitry Parkin, cuando menos imperfecto, marcó un antes y un después en cómo serían los posteriores clones de la obra de From Software; además, sirvió como una excelente puerta de entrada a muchos a este curioso a la par que exigente tipo de productos, que ahora, por desgracia, también tenemos muy sobados… Como experimento, es tan particular que todos los que lo prueban acaban divididos entre el amor o el odio más absoluto, por lo que da mucho que decir en ambos espectros. En mi caso particular, la primera vez que lo probé hará 5 años, salí tan harto de él, que no he querido volver a tocarlo hasta ahora, que con suerte, con la inminente salida de su secuela este año, ha sido rebajado en todas las plataformas habidas y por haber. Siendo en este momento, con una jugada mucho más meditativa, pausada y más atenta, como realmente he podido disfrutarlo como se merece, pese a tener una gran cantidad de virtudes, así como defectos, que relatan qué clase de equipo y presupuesto están detrás.

Por lo que hoy, contra todo pronóstico, toca hablar de uno de esos juegos de los que no esperas nada y acaba sorprendiéndote para bien. Uno de esos juegos de los que mucha gente ha hablado, pero no lo suficiente. Pero sobre todo uno de esos títulos que no deja indiferente a nadie que lo prueba, demostrando en ocasiones que no te hace falta ser una reconocida empresa de videojuegos nipona para poder realizar un título, quizás no igual de bueno, pero sí a la altura de lo que se esperaría de un alumno aventajado, que ha conseguido captar bien aquello que se busca de un juego de este tipo, tanto a nivel mecánico como de ambientación y lore. Además, también funciona como recordatorio para todos aquellos que hace tiempo que no disfrutan de esta obra, pero esperan con ansias la aparición de su segunda parte este año. Así que, sin más dilación, toca remangarse y adentrarse en la fascinante tierra de Fallgrim.

Al empezar la historia, nos encontramos desorientados, en tierra de nadie.

Cuando arranca Mortal Shell, lo hacemos en la piel del expósito, un no nacido, con aspecto indeterminado en una especie de extraño limbo, ahí como un bebé que está empezando a crecer; damos nuestros primeros pasos, nos enfrentamos a Hardern, que actúa como declaración de intenciones mecánica y referencial (los que jugaron el tutorial de Demon’s Souls entenderán a lo que me refiero). Posteriormente, venzamos o no, nuestro avatar llegará al mundo y, como un recién nacido atravesando el útero para nacer, nosotros nos arrastraremos por un largo y estrecho túnel, originado en una clavícula, junto con el comienzo de la ingle. Una vez en Fallgrim, como un joven que empieza a forjar su identidad en el mundo, nosotros poseeremos nuestro primer receptáculo, que será nuestro nuevo presente, al que tendremos que aprender a adaptarnos, por lo que para ello también deberemos conocer su pasado y reconstruir su futuro. Tras explorar el área boscosa, llegaremos a una torre en medio de la nada, donde habitan tanto la hermana Genessa como el Padre Oscuro, siendo este último el que nos insta a explorar el lugar en busca de tres templos, donde en su interior está el más puro néktar, que nos acercará a la libertad, pues según sus palabras, todos los que entran en estas tierras están condenados a habitarlas por siempre. Una vez conocemos nuestro objetivo, el juego se abre, permitiéndonos explorar a nuestro antojo y acometer estos objetivos como mejor veamos. Durante nuestra travesía, habitaremos nuevos receptáculos, cada uno con su identidad e historia; aprenderemos más sobre aquellos que habitan este lugar, pero sobre todo seremos testigos de la decadencia que reina y aquello que fue dejado atrás.

Al igual que sucede con los juegos de From Software, el doble A, de Cold Symmetry también está muy arraigado a su lore y a las referencias que el jugador pueda captar del mismo a través de su observación, así como la lectura de monolitos, inscripciones, tumbas, descripciones de objetos, ciertas conversaciones y las habilidades de los receptáculos, que arrojan luz sobre sí mismos y el mundo; sin embargo, debo decir que aquí es mucho más fácil de captar y, aunque sigue siendo un contenido opcional, es además más accesible. Por ejemplo, muchas de las inscripciones o lugares donde pararse a obtener información normalmente pillan de paso, de camino a nuestros objetivos. Cada vez que invertimos tar (que es una concentración de brea menos pura que el néktar) en desbloquear habilidades nuevas para nuestro habitáculo, el título hace un alto narrado con la voz del mismo para descubrirnos ciertos retazos de la vida del mismo, junto con detalles relacionados con la nueva ventaja adquirida. Todo esto consigue que, si tenemos un mínimo interés en lo que nos están contando, podamos ser partícipes directos y entender mejor las referencias, además de permitirnos sacar nuestras propias conclusiones. Por otra parte, cada uno de los templos está tematizado con un elemento concreto, tipos de enemigos específicos, combinados con un arma concreta que podemos obtener solo allí. Incidiendo más en eso, tenemos el Santuario de la Llama, el cual gira alrededor de la futilidad de la carne, la nueva vida a través de consagrarse a la esencia del néktar y moldear el cuerpo a través de la ceniza, siendo la verdadera puerta a la inmortalidad. Mientras en los aposentos abandonados, vemos un culto hermético, asolado por el frío, consagrado a las visiones que ofrece este líquido sagrado y deformado por el paso del tiempo. Por último, el Nártex Eterno representa la búsqueda del conocimiento por encima de todo y la capacidad de la piedra, solemne a la par que inmaculada, de representar la vida eterna junto con el poder de albergar todo aquello que deseemos.

Cada vez que irrumpimos en estos lugares, destruimos a sus guardianes y extraemos las glándulas sagradas; el exterior de Fallgrim cambia, mostrando su verdadera cara, para convertirse en el lugar oscuro y decadente que siempre fue, habitado ahora por las sombras de aquellos renegados que vimos una vez, ahora sedientas de sangre, de nuestra preciada sangre, que esperan que sea la llave para liberarse de su tormento. A través de estas revelaciones, es como poco a poco el expósito va creciendo como ser vivo propio y va generando su propia identidad, pese a parasitar cuerpos de muertos para su propio interés, viéndose a su vez reflejado en nosotros, ya que a medida que avanza la historia, no solo somos más capaces, también más hábiles; nuestro conocimiento de aquello que nos rodea es mejor, permitiéndonos afrontar aquello que se nos atragantaba la primera vez, con éxito en nuestros posteriores intentos, porque mientras que en Dark Souls el descubrimiento era una pata más de la fórmula, aquí es capital para realmente poder entender a la vez que disfrutar lo que quiere ofrecernos este videojuego. Porque, a fin de cuentas, al contrario que la obra de Miyazaki, aunque aquí existe una moneda para pagar “avances”, realmente no hay subida per se de nivel, siendo mayor recompensa el entender cómo funciona el mundo a nuestro alrededor y cómo afrontarlo, nuestras verdaderas armas para poder seguir adelante. Cabe decir que el universo de Mortal Shell es mucho más grande y esotérico de lo que aquí se refleja; sin embargo, parte de la gracia de este juego reside en que sea el propio jugador el encargado de sentarse a descubrirlo y se vea fascinado (o no) de lo que tenga que contar, por lo que os insto a que, si os llama la atención lo que se tiene que decir aquí, hagáis vosotros el esfuerzo de poneros a los mandos y desenterrarlo, pues estoy seguro de que el esfuerzo merecerá con creces la pena…

Aprender habilidades de los receptaculos, no solo hará el cuerpo más util, también nos aportará retazos tanto de su historia personal como del mundo que habitamos.

Si Mortal Shell se parece a Dark Souls en su temática y tonalidad, en el combate se inclina por un estilo centrado en la agresividad que recuerda mucho más a Bloodborne. Ya que, como sucedía en el exclusivo de PS4, aquí nuestro protagonista no posee escudo, sino un sello otorgado por el padre oscuro, que, empleado en el momento justo, permite realizar contraataques y que varía en función del poder que le queramos conectar y que se van desbloqueando conforme avanzamos en la historia; además, esta mecánica bien ejecutada nos permite restaurar la salud perdida, teniendo ciertas reminiscencias a otro juego de From Software, conocido precisamente por su alta dificultad. Pero sin duda la mecánica estrella que ha hecho que este juego sea tanto amado como odiado es la capacidad del expósito de endurecerse, mecánica que, por otro lado, es mucho más fácil de emplear para el jugador medio, una vez se entiende un poco cómo funciona. Si bien usar el sello es importante, no es vital como el endurecimiento, ya que este actúa como defensa de la gran mayoría de ataques, pudiendo bloquear incluso aquellos que no pueden ser repelidos con el sello; además, al no disponer de ningún tipo de escudo, quitando la esquiva, es la única forma de intentar no sufrir daño. No obstante, esta forma de defensa tiene también su intríngulis, como hemos dicho antes, y no se basa simplemente en blindarte y ya; requiere que estés pendiente de la situación para elegir el mejor momento para emplearla, ya que tiene un tiempo de refresco. Puede ser combinada con ataques estándar o cargados para engañar a los enemigos, junto con la posibilidad de defenderse mientras continuamos con el combo; puede parar proyectiles sin que nos inmutemos e incluso algunos cuerpos como Harros giran tanto sus bonificadores como técnicas en el empleo de esta habilidad. También tenemos objetos que activan sus efectos si conectamos bien el momento de volverse piedra con el impacto de los adversarios, por lo que, al final del día, si no aprendemos realmente cómo funciona este elemento, lo más probable es que no podamos llegar lejos y seamos tan víctimas de la frustración como todos aquellos que se quejan del juego y acabaron abandonándolo cuando pasaron un par de horas… Porque sí, la esquiva puede ayudar e incluso emplear a Tir, puede paliar el no tener que usar tanto el endurecimiento, pero si lo ignoras deliberadamente, estás perdidx…

Otro punto a tener en cuenta aquí es el propio sistema de cuerpos. A diferencia de otros soulslikes, no es posible construir un personaje propio de cero; cada cuerpo que habitamos tiene sus propias características, habilidades, ventajas y desventajas, estando cada uno adaptado a un estilo concreto de juego, sin posibilidad de cambios en sus stats. Volviendo a Tir, este es básicamente el típico pícaro o rufián de otros juegos que basa su estilo en la evasión y en avasallar gracias a su elevada stamina, pero también es el más débil físicamente, por lo que un golpe mal recibido hará que nos expulsen del cuerpo sin apenas resistencia… Eredrim, por otra parte, es todo lo contrario: mucho físico, poco aguante, resolución media-baja, orientado principalmente a sufrir daño y aguantar todo lo posible antes de caer, con predominancia de llevar armas que gasten poca energía o aquellas que empleen mucha, pero inflijan un daño masivo. Tanto Harros como Solomón están en un punto más intermedio, pero el primero es puro equilibrio, mientras el segundo se centra en explotar el uso de la determinación mediante ataques especiales. Por otro lado, existen cuatro armas en el título, que junto con el recipiente moldean el estilo de juego que vamos a acabar llevando. Como dijimos previamente, existe la posibilidad de aprender nuevas acumulaciones o habilidades; sin embargo, estas lo que hacen es potenciar u orientar aún más la forma en la que deben jugarse cada uno de los cuerpos, por lo que es trabajo del jugador conocer cómo funciona cada uno de sus receptáculos y emplear aquellos que se adapten más a la manera de jugar que quiere llevar… Por suerte, el juego da herramientas para cambiar entre las diferentes “conchas”, así como para nivelarlas, junto al equipo que portan; por tanto, siempre que no malgastemos recursos, podemos llevar todo a un buen nivel e ir adaptando estos recursos a nuestras necesidades. Por ejemplo, en mi caso particular, probé todas las opciones posibles, pero acabé virando entre Solomón y Eredrim, uno por su versatilidad, junto con opciones de investigación y lore, mientras que con el otro me encargué de las partes más exigentes a base de puro tanqueo. ¿Implica esto que podría haber jugado con otros recipientes o con un equipo totalmente distinto? Sí. Hubiera sido totalmente factible… ¿Habría sido más difícil? Eso ya no lo sé, pero seguro que si se hubiera sentido totalmente diferente. Aunque todo esto da cierto factor de rejugabilidad al conjunto, estoy seguro de que donde mejor puede explotarse es en su DLC que convierte la experiencia en un roguelite y por ende hace aún más capitales esta serie de decisiones, ya que obliga a jugar todo el juego de principio a fin, prácticamente de una sentada…

Más que difícil, diría que Mortal Shell es exigente, porque requiere por nuestra parte no solo conectar con su propuesta, sino también con todos los sistemas con los que paladea, ya que, una vez que somos capaces de asimilar la curva de dificultad inicial, nos podemos dar cuenta de que el juego en sí no emplea nada que otros títulos del mismo palo no hicieran unos cuantos años, tanto para bien como para mal. Cosas como enemigos ubicados en esquinas para sorprendernos, rivales enormes, más agresivos y capaces, atajos que requieren abrirse desde otro lado, zonas con secretos que requieren saltar bien o dejarse caer, son el pan de cada día en este juego y tantos otros del mismo género, por lo que, si tienes el suficiente bagaje, más que hacerse complicado, es más de lo que has visto antes… Con los jefes pasa algo similar; quitando a Grisha y a Ven Noctivagu, los demás poseen dos barras enteras de vida y durante la mitad de la primera, así como toda la segunda, añaden nuevos patrones de combate; sin embargo, estos nuevos movimientos ni son particularmente difíciles de leer, ni añaden más desafío del que ya había de por sí; es más, en mi caso particular, gracias a esto, uno de los bosses: Tarsus, el primer mártir, me costó mucho menos en su segunda parte que al principio de la refriega, ya que al final del enfrentamiento se movía mucho menos y su manera de atacar era mucho más dañina, pero consistente. Además, como ya adelanté, al igual que sucedía con Sekiro, nuestro personaje, al perder todos sus HP, no muere directamente, sino que es expulsado del receptáculo actual, entrando en juego una mecánica que nos obliga a volver a entrar dentro del mismo para seguir en pie, ya que si nos golpean en nuestra forma original, moriremos definitivamente (el expósito sin recipiente apenas tiene salud o energía); aun con esas, no es complicado recuperar nuestro cuerpo y, si lo hacemos, estaremos completos de vitalidad y stamina, por lo que podremos plantar cara a aquel que nos ha derrotado para ajustar cuentas, siempre que no vuelvan a incapacitarnos, porque entonces la muerte sí es definitiva… Junto con esto existe un objeto llamado: Diapasón etéreo, que nos permite volver a ser expulsados del cuerpo sin perecer, si ya hemos gastado la primera caída, por lo que es muy fácil en momentos decisivos emplear este consumible para tener aún más oportunidades de vencer a aquellos adversarios que se nos resistan. Así que, a menos que no tengamos experiencia en este nicho, seamos muy novatos o decidamos deliberadamente tomar el desafío de renunciar a todos nuestros receptáculos, os puedo decir que estamos ante un videojuego que incluso puede servir como puerta de entrada a más de uno que se esté pensando probar este tipo de obras.

Aprender cómo usar la mecánica de endurecimiento es fundamental para poder avanzar en el juego.

Aunque Cold Symmetry es un estudio modesto, se nota la mano de sus desarrolladores, no solo porque vengan de otras partes de la industria, sino por el hecho de que construyen no tanto para vender o plagiar, más bien para homenajear, porque aunque se notan los referentes detrás de Mortal Shell, también consigue ser lo suficientemente particular para, dentro de la marea de souls, diferenciarse por méritos propios. Construyendo en el proceso una obra que se siente fresca pero familiar en ciertos ámbitos, misteriosa e intrigante en otros, mientras intenta ser un punto al que poder aferrarse si no vienes de nuevas. Esto no implica que este título no deje de ser uno de tantos clones, como ya hemos podido ver a lo largo de estos años; no obstante, es gracias a lo aprendido que el equipo de Andrew Murray, Anton Gonzales y Vitaly Bulgarov ha podido construir una identidad propia, marca que le ha servido no solo para vender la friolera de un millón de unidades, sino también para poder realizar una secuela. Continuación que, por otro lado, parece querer buscar aún más ese sello que hizo a este videojuego tan particular, gracias a nuevas herramientas, nuevos recipientes, un mundo expansivo y nuevos conceptos para el nicho, como eliminar el sistema de stamina, en busca de un estilo más frenético y agresivo, con el que ya paladeaba en cierta manera el original de 2020. Ya que mientras muchos solo veían un producto genérico o frustrante, otros entendieron que, pese a parecer uno más, este juego, más que referenciar, había aprendido bien del maestro, había estudiado su senda, para en definitiva construir la suya propia, pese a todos los baches que esta hubiera ocasionado…

Pese a todo lo bueno dicho, no significa que Mortal Shell no esté exento de errores; quizás el más acuciante es su problema de optimización, que provoca toda clase de bugs y fallos técnicos. Estoy seguro de que los PCs de alta gama o máquinas como la Series X, PS5 o Switch 2 se beneficiarán enormemente de su potencia para paliar estos defectos, pero sistemas más antiguos como los de octava generación sufren con el juego, generando no solo patinazos, también grandes tiempos de carga. Lo bueno es que, aun con esas, más allá de algún adversario suspendido en el aire o atascado en alguna superficie, no ha habido errores fatales, como desapariciones de objetos, problemas de colisión o error en la reproducción de pistas de voz, como sí me sucedió en el Lords of the Fallen de 2014, juego que terminé antes que este, que tenía mucho más presupuesto y gente detrás. Con todo, habrá usuarios que considerarán al trabajo de Cold Symmetry parco en contenido, ya que, en comparación a otros ejemplos con recursos similares, es bastante breve en comparación. El mismo trabajo de Deck13 y CI Games, que mencioné unas líneas más arriba, ya es un producto que puede rondar fácilmente las 10-15 horas para completarse; incluso obras más pequeñas con elementos 2D resultan ser, cuanto menos, algo más largas, llegando en muchos casos fácilmente a la veintena de horas, cosa que este juego solo alcanza si intentamos sacar su 100% o con su expansión, que, todo sea dicho, pese a añadir contenido nuevo, no deja de orbitar sobre el trabajo hecho en el juego base y amplificarlo, empleando un género que se presta a ello, pero que no tiene por qué ser santo de devoción para todos… Otros, dadas sus características junto a la duración, lo considerarán más una prueba de concepto o un experimento a medio gas que un producto completo y no puedo culparles por ello, porque, pese a coger las raíces de Dark Souls y expandirlas en otra dirección, estas decisiones no tienen que ser del gusto de todos, más cuando muchas pueden ser fácilmente consideradas imperfecciones.

Yo mismo en el pasado tampoco fui capaz de comprender qué hacía a este videojuego tan especial, debido a que los árboles no me dejaban ver el bosque. Ha sido ahora cuando me he sentado, me he tomado mi tiempo. Y me he parado a mirar, cuando por fin he comprendido que las asperezas que hay detrás no son tan negativas como las recordaba y que, pese a sus imperfecciones, el trabajo que hay detrás, aparte de demostrar admiración, también quiere ser algo que quede para el recuerdo, aunque con ello incomode a más de uno… Porque al final del día, no todas las obras audiovisuales, no todos los productos culturales, ni todas las historias escritas, tienen que ser para todos; a veces solo basta que consigan llegar a la superficie para que aparezcan en el radar de las personas adecuadas, para que poco a poco calen y lleguen a más gente, para construir algo más, para ser mucho más que un simple derivado, un simple aprendiz. A veces solo basta con intentarlo, con saber bien qué es lo que te diferencia de tus referentes y, junto con lo aprendido, escribir tu propia historia… Conseguir llegar a mostrar tu impronta, le pese a quien le pese y digan lo que digan, porque mientras quede voz y alguien escuche, es cuestión de seguir probando. Y si no, que se lo digan a Cold Symmetry…

Desarrollador: Infrogames (Versiones de PC clasicas), Kemco-Seika (SNES)

Distribuidor: Infrogames (Amiga, Atari ST), Data East (MS-DOS, PC-98, FM Towns, X68000), Kemco-Seika (SNES), Piko Interactive LLC (Evercade, Steam y GOG).

Plataformas disponibles: Amiga, Atari ST, MS-DOS, PC-98, FM Towns, X68000, Port de MS-DOS (Steam, GOG), SNES, Port de SNES (Evercade).

Fecha de lanzamiento: Se estima que sobre 1989 las versiones de ordenador, 1991 la versión de SNES; El relanzamiento de Piko para plataformas modernas fue en 2018.

Género: CRPG, con elementos de exploración de mazmorras.

Nivel de dificultad: Medio-Alto.

Duración: Entre 8-10 horas para completar la historia, entre 12-15 para obtener todo el equipo legendario y vencer a los bosses secretos.

Estado: Finalizado el 22 de Febrero de 2026 en Evercade EXP.

Parte de la gracia de aquellos que nos dedicamos a “reseñar” es traerle al gran público obras que no conocían, hacerles flipar con cosas que en principio son de una manera, pero mágicamente les demuestras que son de otra, pero sobre todo muchas veces eres tú, contra la opinión pública, con aquello contra lo que internet ha estado luchando o defendiendo a capa y espada. Por lo que buscar griales a los que aferrarse para darles un giro de 360 grados se hace imprescindible para poder tener algo interesante que contar, más cuando eres uno de tantos en el gran océano que resulta la creación de contenido, el análisis y la divulgación de medios como el videojuego. Por eso un producto tan destartalado y tan denostado como Drakkhen era el candidato perfecto para el próximo gran análisis, para el descubrimiento de una joya oculta que más deberían probar; o eso me gustaría poder decir…

El trabajo de Infogrames, no, más bien, siendo más específico, el port de Kemco-Seika para la consola de 16 bits de Nintendo, el juego que tantos estadounidenses probaron en primicia, junto con algún que otro europeo despistado al ser el supuesto “primer gran RPG” de la máquina, ha resultado ser de todo menos una experiencia esclarecedora o increíble que le pueda romper a uno los esquemas, acercándose más a un quiero y no puedo por parte de la empresa nipona, por intentar acercar a un público más joven un producto más pensado para los cafeteros de ordenador doméstico acostumbrados a los juegos de Rol de papel y lapiz, que al tipico chavalin que se dedica las tardes, bollicao en mano a quemar el Super Mario World después de hacer la tarea, porque tampoco tiene nada mejor a lo que aferrarse en cuanto a gaming se refiere. Drakkhen es el típico videojuego borrado por la historia, al que la mayoría recuerda con un regusto muy amargo, pese a todos los intentos de sus escasos defensores por redimirlo. Gente, por otro lado, movida más por la nostalgia que por haber intentado ponerse a los mandos de este juego en la última década.

Sin embargo, tildar a este port de porquería absoluta sería faltar a la verdad, porque detrás de los patinazos de Kemco al intentar portear el clásico de PC francés, existe un interesante fondo digno de mentar y explorar, así como una serie de conceptos que muchos asumimos a día de hoy, pero que en el momento de la aparición de este juego en el cerebro de la bestia, eran cosas que aún muchos no podían imaginar que pudiese realizar un trozo de plástico menos potente que el ordenador medio. Al César lo que es del César; este post no va a ir sobre “defender” a Drakkhen, porque muchas de las críticas que se hicieron en su momento y se han hecho en los últimos años son más que acertadas; no obstante, tampoco significan que no se pueda echar la mirada atrás y hacer retrospectiva para intentar dilucidar aquello que consiguió este pequeño título y cómo, pese a ser un fracaso estrepitoso para muchos, sus escasos logros le valieron no solo el respeto de unos pocos locos, sino también una secuela espiritual e incluso un regreso a sistemas modernos 27 años después.

No sé si es una foto oficial o la hizo la revista francesa que le hizo la entrevista; sea como sea, Gary Gygax estuvo implicado en el desarrollo de Drakkhen.

Normalmente, cuando hago una de mis retrospectivas, me gusta poner a mis lectores en antecedentes, sobre todo cuando se trata de obras que, en cierta medida, son más oscuras o, pese a su calidad, tuvieron un papel importante para la industria, dando los primeros pasos y tropezando, para que luego otros con mayor tino consiguieran aquello que ellos ni siquiera pudieron. Pero en esta ocasión, Drakkhen es un juego tan denostado a la par que olvidado, que la información detrás de sus orígenes es tanto escueta como incierta. De lo poco que he podido rascar investigando por mi cuenta, es un poco lo obvio; el juego original está realizado por Infogrames que compró Atari en el 95 y actualmente es una parte de la misma, pero en el pasado, era una empresa independiente, que se encargó de hacer todo tipo de ports y versiones licenciadas de obras de dibujos animados franco-belgas, aunque tuvo también ciertos equipos encargados de realizar RPGs u obras más experimentales. También sabemos que fue precisamente uno de esos pequeños equipos el responsable de realizar al completo el videojuego; este grupo estaba encabezado por François Marcela-Froideval, antiguo colaborador de Gary Gygax y responsable de que este acabase trabajando junto con los franceses en la creación del guion del título del 89. Si bien se pueden nombrar otras figuras como Michel Royer, Charles Callet o Frédéric Bascou, debido a que no hicieron muchos proyectos dentro de la compañía y estos no tuvieron demasiada pegada, no pasaron a la historia, ni hay un rastro claro que seguir a la hora de poder definir una trayectoria, ya que lo que más se resalta de este juego, cuando uno se pone a intentar rastrear sus orígenes, es el papel que hizo el padre de Dungeons & Dragons en él, más que cualquier otro elemento, invisibilizando en el proceso a aquellos que también tuvieron un papel fundamental en su creación (tampoco, con esto, quiero echar por tierra el trabajo de Gygax, que no se me malentienda).

Tras su lanzamiento en tierras francesas, Drakkhen obtuvo cierta popularidad en sus fronteras, la suficiente para que la pequeña empresa japonesa Kotobuki System Co, o mejor conocida como Kemco se fijara en él. Este editor, que es conocido por ser uno de los primeros licenciatarios oficiales de Nintendo, se dedicaría en sus comienzos a comprar los derechos de distribución de juegos tanto europeos como americanos de bajo perfil, para portearlos a la Famicom y posteriormente también a la NES, gracias a un acuerdo que firmarían con Seika Corporation, otra compañía de origen nipón, pero que disponía de sede en California. Si bien durante ese periodo también crearon sus propios videojuegos, hasta el cierre de Kemco USA en 2007 y su reconversión al estudio que son ahora, Kotobuki licenció, porteó y distribuyó una ingente cantidad de obras a máquinas de la Gran N, exceptuando dos productos específicos que también aparecieron en PS2 y Xbox. La estrecha relación entre ambas compañías fue clave para que videojuegos desconocidos llegaran al gran público, con todo tipo de resultados, puesto que, pese a traer cosas como Superman o el clásico de culto Lagoon, no es que fueran las mejores versiones disponibles de los mismos… Eso sí, pese a la calidad, fue un actor fundamental en el gaming más clásico, al ser responsable de portear muchas de las grandes aventuras de ordenador a máquinas en las que era mucho más accesible jugar, no solo en cuanto a RPG se refiere, sino también a cosas igual de enrevesadas como los point-and-click. En el 90, el conglomerado había empezado a explorar tímidamente el JRPG con licencias propias como The Sword of Hope o Nekojara Monogatari, así que a los responsables les pareció buena idea probar cotas nuevas adquiriendo dos licencias de Infogrames: Drakkhen y el ahora clásico del CRPG: Dragon Wars, para adaptarlas a arquitecturas de 8 y 16 bits.

Lo gracioso es que la estrategia les funcionó bien, ya que, pese a que Dragon Wars ni siquiera llegó a pisar Occidente y Drakkhen tuvo recepciones mixtas, este último vendió a nivel mundial la friolera de 350.000 copias, una cantidad nada desdeñable para un videojuego en 1991, teniendo en cuenta cómo funcionaban las distribuciones de aquel entonces (pensemos que por aquel entonces un hito similar fue cuando Falcom consiguió vender 400.000 copias de Xanadu en su país de origen). Sin embargo, al no tener estimaciones exactas de que en partes se vendió más, mi sensación como consumidor y como alguien que ha investigado al respecto es que probablemente el mayor volumen de ventas de esta versión para SNES fuera en Japón, que era una zona con un fervor no solo por el JRPG, sino por todo aquello que pudiera parecerse un mínimo a Wizardry. Esto también corroboraría el motivo por el cual su secuela fue llamada Super Drakkhen o Drakkhen II en tierras niponas, pero en el resto del mundo fue rebautizada como Dragon View, teniendo reminiscencias mínimas al original, más allá del manejo de entornos 3D para el desplazamiento en el exterior, además de ciertos elementos tonales como la mención a dragones o que el héroe sea descendiente del guerrero del dragón (pese a que, irónicamente, ninguno de los protagonistas del original tuviera mucha relación con ese linaje). De todas formas, al tener que pasar por manos japonesas y una plataforma diferente, el Drakkhen de Super Nintendo acaba siendo a su manera una bestia diferente al original de Amiga, convirtiéndose por méritos propios en su propia versión o en una versión alternativa si me apuras.

Aparte de la introducción de la pantalla de título, la única referencia narrativa se encuentra al comienzo, con una ventana de texto.

Cuando Gary Gygax colaboró en la creación del CRPG de Infogrames, no solo se encargó de realizar el guion de la historia; además, se preocupó de preparar un libro a todo color, que funciona no solo como manual, sino también como introducción al mundo del videojuego, pero sobre todo a su lore, razas y diversos sistemas como la hechicería. Presupongo que Kemco dispondría de todo el material original cuando tuvo que encargarse de hacer el port; por desgracia, parece que al realizar el proceso de traducción del francés al japonés, no lo realizaron de la mejor manera, puesto que acabaron viéndose forzados a meter elementos narrativos de su propia cosecha para casarlos con lo que habían entendido que era la historia del título. Todo esto desembocó en que, cuando el juego fue llevado a costas estadounidenses para volver a pasar por un proceso de escritura para adaptarse al inglés, se perdieran incluso más matices, decisión que llevaría a la editora a prescindir del material hecho por el creador de D&D y hacer las cosas a su manera… Esto consigue que la trama pase de ser un cuento sobre venganza contra la humanidad por parte de los descendientes de una antigua raza de dragones, que a su vez se encuentra dividida por el papel que están llevando a cabo, por una narrativa absurda donde una supuesta tribu de humanos conocidos como Drakkonianos (sí, el nombre es ridículo) son condenados por Drakkhen y sus cuatro hijos a ser destruidos, a menos que prueben su valía. Para ello, esta gente envía a sus cuatro mejores guerreros a la isla con el nombre de este dios, dispuestos a obtener las ocho lágrimas, para así aplacar la ira de los dioses y supuestamente “salvar” a la humanidad. La idea de la historia original y el hecho de que alguno de los príncipes Drakkhen decida ponerse del lado de los humanos es que, pese a la diferencia entre razas, la mejor forma para seguir adelante es abandonar el pasado y buscar la igualdad, cosa con la que alguno de sus hermanos no está conforme, lo que provoca que haya diversos bandos enfrentados entre sí y veas las consecuencias directas de la guerra, aunque no afecte a tu grupo directamente… Teniendo que implicarte con ellos en el hecho de tener que obtener sus lágrimas, que es lo que eliminará la maldición presente en la isla y te permitirá ponerte a salvo.

El problema es que la versión de Kemco, al estar traducida fatal al idioma de Shakespeare, sumado a que cambia la trama para casar con lo que está intentando contar, no consigue hacer que las cosas cuadren bien desde el principio. En el juego de SNES se supone que los príncipes descienden de estos cuatro dioses dragones y su papel es servir como jueces de la humanidad; no obstante, ninguno de ellos hace alusión directa a esto. Es más, directamente el primer mandatario: Hordkhen, te usa como recadero, sin darte motivo de peso para ello, mandándote a entregarle una carta a su hermana, la princesa Hordkha. Y es cuando vas a buscarla cuando te das cuenta de que los diversos príncipes están enfrascados en una guerra civil para ver quién va a tomar el mando de la isla, habiendo dos bandos: uno, que es la Legión del Fuego, dispuesta a destruirlo todo para gobernar, aunque para ello tengan que borrar del mapa a sus compatriotas y con ello a la humanidad, mientras el otro, que es la Novena Lagrima (o Novena Legión) encargados de defender los intereses del dios Drakkhen y por ende a todos los demás. Más allá de eso, no hay más, porque todo se resume en tu grupo dando bandazos por toda la isla, visitando castillos y resolviendo este conflicto, obedeciendo a los gobernantes supuestamente “bondadosos”. Es más, la traducción hace un trabajo tan pobre, que el propio Hordkhen, miembro de la Legión del Fuego, cuando descubre que tanto tú como su hermana le habéis traicionado, te ataca, no por ponerte en su contra, sino por: “Visitar su castillo e ir a molestarle, cuando no te ha hecho llamar”, increíble… Lo peor es que se supone que descubres que tu primer patrón es del bando rival, no porque te lo digan otros personajes directamente; vas en su búsqueda porque te lo ordenan y lo llegas a descubrir si te paras a leer los documentos que estan en una de las mesas antes de llegar a sus aposentos, porque si no, simplemente sería un jefe a batir y ya… Es más se supone que si tus héroes obtienen todas las lagrimas, los cuatro dioses les indultaran a ellos y a los suyos, pero todos los principes, junto a sus siervos, además de la isla desapareceran, por lo que no tiene mucho sentido que los miembros de la novena lagrima, tengan un sentido de la autopreservación tan bajo, a menos que sean completamente idiotas o muy altruitas, cosa que me extraña, pues tampoco tienen reparos en mandar a sus soldados a intentar destruirte y poner barreras magicas en sus castillos para impedir el acceso a gente no deseada…

Además, más allá de los enemigos, no es que haya nadie más poblando la isla, aparte de ciertos ancianos que aparecen de forma aleatoria, que o bien te venden mercancia o te dan alguna pista, ya que, si bien existen posadas repartidas por todos los lugares, hay muy poca variedad de retratos detrás de ellas y los que las habitan hacen la labor de desbloquear acceso o, una vez más, otorgar información que tomar un papel activo en la historia. Lo mismo sucede con los monjes de los Anks (sí, los templos recibieron este nombre porque sí), que, aparte de uno que, dada la mala traducción, tiene un diálogo gracioso, el resto no aporta demasiado al conjunto, dando notas obvias o bien funcionando más como lugares de curación. En cierta manera, se puede entender esto en un contexto de que el producto original obligaba al equipo del jugador a explorar una tierra recóndita donde los humanos y otras razas eran una minoría selecta, pero en la versión de 16 bits, se supone que nuestros avatares vienen aquí por un motivo muy evidente, así que no termina de casar que haya tan poca gente y esas personas no busquen también lo mismo que nosotros… Lo único que se me ocurre para achacar esto es lo evidente, y es que Drakkhen sacrifica su narrativa en pos de intentar hacer un gran mundo expansivo en pseudo-3D, con secciones interactivas, combinadas con escasos tiempos de carga, combate automático, además de un ciclo de día-noche, por lo que, es natural que se centre más en otros aspectos que en ese momento eran vitales para intentar diferenciarse de sus competidores directos, más en una Época donde la innovación estaba a la orden del día. Por desgracia, aunque soy consciente de todo eso, el hecho de reescribir una historia decente, por culpa de una pésima traducción y echar por tierra varias cosas interesantes, a mí no me ayuda a poder ver esto con buenos ojos…

Pese a su mala narrativa, no se puede negar que, a nivel técnico, incluso en su versión de SNES, Drakkhen era todo un portento.

La cosa es que no es que el juego de Infogrames y el port de Kemco-Seika se diferencie demasiado de un CRPG típico en su base. Cuando empiezas, puedes escoger un grupo pregenerado o crear el tuyo propio; si eliges lo segundo tienes que pasar por el proceso de siempre de nombrar a tus avatares, elegir su sexo, tirar sus stats (te dan 2 intentos) y elegir su clase, con la diferencia de que aquí, al contrario que en otros títulos, solo hay cuatro profesiones y no puedes repetirlas, por lo que, al final, lo dejes a manos de los desarrolladores o prefieras personalizarlos tú, tu composición va a ser igual independientemente de cúantas partidas hagas, más allá de la suerte que hayas podido tener con las estadísticas. Esto no es necesariamente malo, porque borra del mapa todo el tedio de aprender el funcionamento de los trabajos y sus sinergias; tampoco existen formaciones, ya que cuando arranca un combate los personajes salen al escenario a combatir y se posicionan en función del tipo de acción que vayan a realizar (por ejemplo alguien con un arco o que lance un hechizo se quedara quieto, pero los que actuen usando un arma cuerpo a cuerpo iran a pegarse al enemigo) además a menos que el jugador desee tomar parte controlando a alguno de los contendientes, estos resolveran el combate por todos los medios, a menos que mueran en el proceso, por lo que realmente la “estrategia” reside en pertrechar bien al equipo, asignarles unas buenas instrucciones y saber bien elegir los enfrentamientos, ya que dependiendo de donde nos encontremos, los enemigos pueden ser o un paseo o capaces de barrer el piso con nosotros, con tan solo tocarnos… Siendo justos, la dificultad del videojuego, no es elevada sino que esta desbalanceada; en la mayoría de ocasiones, durante mi partida he podido sobrevivir siguiendo este modus operandi, ya que puedes huir de todos los enfrentamientos sin penalizaciones y los monstruos de las dungeons tienen un nivel diferente a los que se encuentran en el exterior, siendo más peligrosos los últimos, ya que en determinadas áreas como el desierto o la zona nevada, los enemigos superan ampliamente en nivel, incluso al jefe final. El problema radica en que el guion muchas veces no te dice claramente cuál es el próximo destino y, si lo hace, es probable que te toque visitar zonas de alto riesgo, transitar por ellas para encontrar tu destino o volver sobre tus pasos porque toque regresar a determinado castillo. Por lo que si no dispones de una guía, no has leído las instrucciones o no has llegado a entender bien tu próximo objetivo, acabas besando la lona más de lo necesario.

Además, hay que sumarle que la tasa de encuentros aleatorios afuera es extremadamente elevada y puedes entrar en combate estando quieto e incluso mirando los menús (o al menos así lo he sentido yo en esta versión), por lo que siempre hay que tener cuidado de qué haces. Eso sí, como dije antes, al poder huir de todos los combates, eres tú en muchas ocasiones, el que elige a qué se quiere enfrentar y cómo hacerlo. Por otra parte, como existe una mecánica de rotura de equipo y los espacios de inventario de los diferentes personajes son limitados, quitando determinados enfrentamientos opcionales, puedes hacerle frente a todo siempre que tengas un mínimo de vestimenta, ya que las armas no se parten (siempre que este a tu nivel, claro). También hay que resaltar que, aunque existen hechizos y brebajes de restauración, al igual que sucedía en los juegos más antiguos de Falcom, si te quedas quieto, tu grupo va recuperando sus HP y PM de manera gradual sin que tengas que hacer nada al respecto, por lo que aunque sufras el tedio de alto ratio de combates en el exterior, como en las mazmorras, no hay batallas aleatorias, es muy facil entrar a cualquier fuerte y descansar en el vestibulo hasta que estes de nuevo listo/a para salir, siempre y cuando no se haya muerto ninguno de tus personajes, porque sino, te toca ir al Ank sí o sí. Por último pero no menos importante, es que, pese a que pueda asustar a simple vista su desbalance, el juego base, no solo no es complicado si sabes por dónde ir, también es bastante accesible. Ya que por aquel entonces las obras de este nicho necesitaban severas readaptaciones para poder ser disfrutadas en consolas, mientras Drakkhen en Super Nintendo, quitando su reescritura, puede ser disfrutado de la misma manera que las versiones de ordenador, gracias a un trabajo de adaptación de Kemco, que consigue mapear todo al mando, desde el menú de acciones, al cual se accede con el botón B y la cruceta, pasando por el movimiento que también se accede con la cruceta, la posibilidad de huir, empleando L y R simultáneamente, hasta cosas como cambiar al héroe que manejamos o si queremos utilizar a todo el grupo, utilizando X e Y respectivamente. Como el original usaba el ratón y el comando de acciones para todo, no es difícil con un poco de maña, conseguir obtener el mismo proceso con un controlador, aunque sea algo más elaborado (al principio cuesta acostumbrarse a los controles).

Diría que la experiencia en el cerebro de la bestia da aún más empaque al conjunto del videojuego me explico: La versión de Amiga y sus posteriores ports, tienen una arquitectura similar, por lo que tanto a nivel gráfico como a nivel sonoro, son bastante simples. Sin embargo, la versión de 16 bits da un giro, ya que al disponer de un hardware algo más potente, permite a los chicos de Kemco dar más colorido al mundo, hacer aún más diferenciadas las regiones de la isla e incluso permitirle al juego tener una banda sonora con ciertos arreglos, que si bien no es la mejor del género ni de la máquina, tiene cierto toque propio, que le permite construir una identidad que las otras versiones no son capaces de lograr. Además, quitando alguna caida repentina de FPS mientras te desplazas en el mundo abierto, el juego va verdaderamente fluido, sin apenas tirones, algo que quizás a día de hoy no sea tan impresionante dado que ya tenemos hardware capaz de ello, pero que en el 91 era algo inexistente en tanto Pcs como consolas. El equipo nipón puso mucho esfuerzo en que cada monstruo aparecido, tuviera su propio toque, gracias a ruidos característicos, efectos visuales y animaciones concretas, por lo que, pese a no tener mucho peso narrativo, cada uno se siente muy particular, ya que, aunque un Drakkhen básico y un general son de la misma especie, ni su sonido caracteristico, ni su aspecto, ni su moveset son iguales, y así con la mayoría de especies. Es importante recalcar que, aunque las batallas estén más desequilibradas, el diseño del mapa no lo está; todo está bien ajustado y colocado, funcionando cada segmento para propositos diferentes. Por ejemplo, la zona del bosque, que representa el principio de la aventura, funciona como un área segura para familiarizarte con la navegación, combates y controles, siendo un lugar que no podemos abandonar hasta que hemos cumplido ciertos objetivos de la trama, lo que consigue que, cuando ya podamos movernos por todos sitios, ya al menos sepamos los fundamentos básicos. Y sí, puedes seguir la trama lineal ofrecida, pero también el juego, una vez que te quita los ruedines, te permite moverte a tu libre albedrío, recompensándote con ciertos secretos interesantes como un mercader secreto siempre disponible o un sistema de viaje rápido, entre otros. Por último, también cabe decir que pese a sus problemas de ajuste, al menos la versión de Kemco, está un poco más pulida que el original, que ya desde sus primeros compases te ponía enemigos de alto nivel en el espacio destinado al tutorial o activaba la trampa del tiburón, del primer fortín, nada más empezar, cuando en la versión de SNES, esta solo aparece ya cuando hemos superado la primera parte del juego.

El combate de Drakkhen puede ser bastante letal si no vamos con el nivel y las herramientas adecuadas…

Aun con todo, el juego no está exento de problemas. Aparte de los ya mencionados a lo largo de todo el texto, tenemos cosas como bugs de objetos (del cúal es muy fácil abusar a nuestro favor); un sistema de experiencia, centrado en premiar con puntos al que realiza el último golpe, pero que no siempre actúa como debería; cuadros de texto que aparecen en ciertos momentos que no tienen ningún sentido, ya que estan mal traducidos; un sistema de equipo, que no indica que piezas son mejores que otras y que se rompe de manera aleatoria o mediante el ataque de ciertos bosses. Etc. Mi sensación con Drakkhen es que, más que un juego sólido, se siente más como un experimento por parte de Infogrames, que dadas sus circunstancias fue una licencia perfecta para explotar por parte de Kemco-Seika. Porque si bien tiene un montón de fallos que lo hacen palidecer bastante, también se siente en otras cosas un videojuego adelantado a su época, ya que una vez más, aunque a nosotros la falta de tiempo de carga, la vista 3D o los mundos abiertos libres para explorar a nuestro antojo nos parezcan el pan de cada día, a principios de la cuarta generación de consolas, que uno de los primeros juegos disponibles para la por entonces flamante y recien estrenada Super Nintendo, sea un RPG de mundo abierto en 3D, que explota al maximo las capacidades del hardware, era algo no solo innovador, si me apurais, hasta marciano, porque en aquel entonces fuera de Japón, este tipo de género estaba destinado a los pudientes que tuvieran un pc y era tan complejo; que cualquier padre prototipico, ni iba a molestarse en entender, ni iba a perder tanto el tiempo como el dinero en comprarselo a su hijo por Navidad. Si Drakkhen existe en nuestra memoria, si muchos en el panorama internacional han vertido ríos y ríos de tinta, junto con material audiovisual, es gracias a que Kemco-Seika invirtió el tiempo y el esfuerzo apostando por un producto que en un principio, por el tipo de género y público por el que apuesta, iba a ser el equivalente a dispararse en un pie, con todo lo que ello conllevaba… Pero pese a que ahora este juego ha pasado a los anales de la historia como un producto pocho como pocos, sigue atrayendo a cada vez más curiosos…

No os voy a vender la moto tampoco, el título que hoy nos ocupa, es tan hijo de su tiempo a la par que imperfecto, que me costaría recomendarselo a cualquier hijo de vecino, que no tuviera la suficiente paciencia o el interés adecuado para poder sentarse con él, aguantar sus aristas y disfrutar de sus avances, ni siquiera se lo recomendaría a los fans del JRPG o CRPG retro, que estan algo más acostumbrados a tratar con los problemas habituales de este tipo de videojuegos; puesto que Drakkhen es en el fondo tan particular, tan diferente a otras cosas que podemos disfrutar en el catalogo de la SNES, que solo es apto para aquellos que busquen sacar algo de él, ya sea conocimiento puro sobre el medio, rellenar aún más su jugoteca de juegos completados o como yo, sea un masoquista y crea que fue a buscar cobre y encontró oro (spoiler, al final era cobre). Aunque todo sea dicho, pese a lo malo, creo que el haberme podido parar a completarlo no solo me ha ayudado como jugador, también me ha permitido dar un acercamiento más claro y más honesto a un producto, que ha sido denostado por todo aquel que le ha puesto las manos encima, pese a que hubiera cosas interesantes que resaltar. Pese a que llevo un Substack centrado en juegos de mazmorras, así como sus diversos sucedáneos, la pura realidad es que soy bastante novato tanto en ese tipo de juegos, como en los RPG/JRPG y demás. Sí, he jugado ciertas cosas, pero no me considero tan ducho como gente que de verdad ama este género con pasión y hasta lo ha estudiado, como es el caso de Magnvs. Por eso, sigo teniendo muchos pendientes de la época de los 16 bits; no obstante, es gracias a este proyecto y el esfuerzo por traeros ciertas obras, mientras las descubro en el proceso, lo que me está permitiendo ir poco a poco cerrando esa brecha, creciendo no solo como escritor, sino también como consumidor, al descubrir todo tipo de propuestas, que, si bien ahora no tienen tanto peso como antaño, por mucho que las olvidemos, siguen siendo capitales para entender el medio al que tanto cariño le procesamos y que tan importante sigue siendo en nuestras vidas.

Actualmente, mientras escribo estas líneas, estoy jugando a Dragon View, la secuela espiritual de este juego, un título que aunque no sea exactamente igual que su predecesor, es el esfuerzo de Kemco-Seika de coger aquello que relucía del trabajo de Infogrames y convertirlo en un juego más pulido a la par que más lustroso, mucho más cercano a como se conciben los JRPG de aquella época. Pero aun con esas, el ADN de Drakkhen sigue, sigue en sus entornos, sigue en el estilo artístico, sigue incluso en las melodías que nos acompañan en este nuevo viaje. Porque quizás Alex y los héroes del primer juego, en el fondo, no tengan nada en común, pero su historia, es el legado de que un simple videojuego que aspiró a alcanzar las estrellas, aunque ahora perdido, vive en otra obra, mucho mejor, pero que a día de hoy no sería nada, si un pequeño estudio francés, no hubiera dado el paso de llamar a Gygax para intentar crear un videojuego que no solo emulara cosas como Bard’s Tale o Wizardry, sino también que pudiera superarlas, aunque tan solo se hubiera quedado como uno más, que, más que conseguir tocar esos astros, acabó con los demás, sentado mirándolos…

Desarrollador: Shiromofu Factory (Frenchbread).

Distribuidor: Shiromofu Factory (Frenchbread).

Plataformas disponibles: PC, Android.

Fecha de lanzamiento: 9 de octubre de 2024 (Steam), 4 de Septiembre de 2025 (Android).

Género: Mezcla entre Dungeon Crawler RPG y JRPG Tradicional.

Nivel de dificultad: Medio-Alto (en función de la dificultad y la composición del grupo).

Duración: Entre 4-5 horas para completar la historia, entre 8-9 para el contenido post-game.

Estado: Finalizado el 16 de Enero de 2026 en Steam Deck.

Es interesante pensar un poco en los orígenes del término JRPG. Muchos occidentales siempre sacan pecho de conocimiento y suelen mentar al trabajo del equipo de Yuji Horii, como principal representante del género, cuando realmente no es del todo así… Ya hablamos en el pasado del papel de empresas más desconocidas como Falcom (en aquel entonces) en la creación y asentamiento de este tipo de videojuegos, pero, por desgracia, todas y cada una de ellas, en menor o mayor medida, le deben su legado al archiconocido referente que una vez más siempre mentamos por estos lados: Wizardry e incluso, si me apuras: Ultima. Sin embargo, por mucho que nos pongamos académicos, hay una verdad indivisible dentro de este medio, y es que hubo un megatón dentro de los JRPG que fue el que los disparó y los puso en el foco a nivel mundial, porque aunque ya había juegos de ese palo, muchos no empezaron a conocer y a descubrir el medio, si no hubiera sido por la presencia de los Final Fantasy, especialmente aquellos aparecidos durante la época de los 32 bits. Si bien estoy seguro de que muchos podrán rebatir esta afirmación e incluso mentar otros exponentes de la saga más acordes (a fin de cuentas todos tenemos nuestros favoritos) aun así es innegable, el papel que ha jugado la principal saga de Squarenix en occidente, especialmente para atraer nuevas audiencias, es más, incluso hoy pese a que para muchos la franquicia esta de capa caída, sigue siendo objeto tanto de comparación como de debate de muchos aficionados, por lo que es evidente que ascuas siguen habiendo.

De lo que sí no habla tanta gente es que, si bien la saga despuntó con su séptima entrega, ya los occidentales tuvimos exponentes de la misma en nuestras tierras, con el interés de por aquel entonces Squaresoft de mover sus trabajos más allá de sus fronteras y llegar a más público. Si bien muchos recuerdan con cariño Final Fantasy IV y VI (renombrados respectivamente como II y III en países americanos), quiero mencionar específicamente al primer juego de la saga, que sí nos llegó (al menos a tierras americanas) y que se comercializó tal y como se hizo en Japón. Aunque posteriormente ha llegado a través de un sinfín de recopilatorios, no es que el tiempo haya tratado bien a esta entrega, es más, diría que no ha tratado correctamente a ninguno de los títulos principales aparecidos en consolas de 8 bits, y en cierta manera se puede entender dados los saltos que hemos tenido a nivel jugable, pero no es defendible a nivel histórico, donde irónicamente, uno de los juegos más incomprendidos y más odiados fue responsable del que el magnífico diseñador Akitoshi Kawazu creara su propia saga. Muy pocos creen o incluso se paran a pensar en el legado de los Final Fantasy de 8 bits, pero experimentarían y sentarían las bases que luego recorrerían posteriores entregas, videojuegos que a día de hoy muchos amamos, respetamos e incluso sacamos pecho cuando los mencionamos en charlas con amigos o incluso reseñas como esta…

No sé si el juego protagonista de hoy, tenía en mente este legado detrás cuando fue realizado, lo que sí puedo decir es que aunque no lo buscase de manera directa, es evidente lo que pretende realizar al combinar dos sensibilidades aparentemente diferentes, pero en el fondo tan similares, porque si bien Final Fantasy se inspira más en el camino que empezó a andar Dragon Quest, el juego de Enix, no sería de la misma manera, si los trabajos de Sir-Tech y Richard Gariott no hubieran existido, por lo que indirectamente al final todos beben de la misma agua. Aunque pensar que Dungeon Antiqua es un homenaje cuqui a Final Fantasy y a Wizardry, solo es rozar la superficie, porque aunque no lo parezca, el trabajo de FrenchBread y sus chicos tiene mucha más miga de la que uno podría creer. Por lo que hoy, nos toca hablar no solo de uno de los Dungeon Crawlers más curiosos de los últimos años, sino además de un juego que ha servido como punta de lanza de un engine bastante interesante para hacer juegos. Así que poneos cómodos que hoy nos toca otro de esos post, con historia que desengranar.

Pyxel es vital para el nacimiento de Dungeon Antiqua; además, es una excelente extensión gratuita de Python para realizar pequeños juegos retro.

Pensar en Dungeon Antiqua es pensar indudablemente en Pyxel, una extensión gratuita de Python para crear juegos. El motivo es simple: La facilidad para programar y su accesibilidad son capitales para que French empiece a trastear y posteriormente a desarrollar videojuegos. Pero… ¿Qué es Pyxel en sí? Su creador Kitao lo define como: “Motor de juegos retro para Python”. Pero su popularidad reside en su simpleza, ya que solo admite 16 colores y cuatro canales de sonido; lo que pudiera parecer un impedimento, permite crear pequeños videojuegos y servir como puente para personas interesadas en aprender a desarrollar sus propias obras. Tan bien funciona esta versión que se ha empleado ya en las universidades de Keio y Osaka, como herramienta de estudio, para aprender programación a un nivel básico (Es más, aquí os dejo como un profesor japonés, relata por escrito todo el proceso de aprendizaje, os recomiendo usar el traductor) más teniendo en cuenta que es una extensión totalmente gratuita, existen tutoriales en idiomas como el inglés e incluso permite la posibilidad de utilizarse con el navegador, pudiendo incluso omitir el engorroso paso de tener que instalar el software original de programación.

Todo esto genera un caldo de cultivo excelente para que cualquiera con un mínimo de interés por hacer un proyecto y que le eche ganas, pueda obtener resultados a largo plazo de una manera más significativa, teniendo que emplear menos recursos. Además, pese a que Pyxel pudiera parecer algo más oscuro, se encuentra soportado por Python, que en el momento de escribir esta reseña, es uno de los lenguajes de programación más estudiados del mundo, existiendo cientos de academias, libros e incluso tutoriales que permiten zambullirse en él rápidamente, por lo que creo, que aunque no teniendo una base muy fuerte, es posible encontrar maneras de trasladar ciertos conceptos de uno a otro, más teniendo en cuenta que la API de Kitao, no deja de ser una versión algo más simplificada y limitada para que cualquiera pueda zambullirse en ella.

En el caso de nuestro protagonista, él mismo relata que Dungeon Antiqua lo realizó como hobby mientras trabajaba de Freelance con otros proyectos, mientras a su vez dedicaba parte de su tiempo libre al cuidado de sus hijos. Es evidente que ya tenía un conocimiento previo en programación, pero aun así, la idea en todo momento era realizar un pequeño proyecto, que le serviría para ver cómo funcionaba el engine y, todo sea dicho, aunque French es programador, hay otras áreas dentro del desarrollo que no domina tanto, por lo que acabó teniendo que buscar especialistas en otros elementos del desarrollo que le permitieran terminar lo que empezó. Gracias a su esfuerzo, junto con sus colaboradores, crearon una obra bastante interesante, que consiguió vender en Steam 10.000 copias los 10 primeros días de su lanzamiento. Un hito al que muchos tristemente quieren acercarse, pero tan solo unos pocos consiguen… No sabemos si la suerte acompaño a los chicos de Shiromofu Factory, fue el boca a boca o directamente, es que la suma de sus referentes, junto a su calidad, fueron capitales en su éxito, lo que sí sabemos es que este pequeño juego pensando como un hobby, ha acabado permitiendo que no solo más gente se acerque al mundo de los DRPG, también ha servido para todos aquellos indecisos con el mundo de la creación de videojuegos acaben no solo conociendo la historia detrás de este juego, también que empiecen a interesarse por algo que les apasionaba y tenían olvidado, surgiendo con este, muchas más historias, a la vez que títulos, centrados en este fascinante lenguaje de programación y esta increíble extensión.

La estética tan característica de Dungeon Antiqua lo hace sentirse como ese hermano perdido del primer Final Fantasy, que nunca pudimos ver…

Pasando al juego en sí, es interesante detenernos levemente en su argumento. La historia habla de cinco antiguas y poderosas reliquias escondidas en la mazmorra; aquel bravo guerrero que las obtenga se llenará de gloria, pero para ello deberá superar diversos peligros y desafíos. Una vez más, no hay mucho más que rascar, pero dado el tipo de título al que nos enfrentamos, tampoco es en sí necesario. Eso sí, más que una pega con la narrativa, si debo ponérsela, a cómo se expresa. El juego, al arrancar, como sucedía con los clásicos de aquellos tiempos (no solo en JRPG o DRPG), dispensa unos minutos para mostrar su narrativa antes de comenzar. El tema está en que cuando se arranca por primera vez, si no cambiamos el idioma, aparece en perfecto japonés, por lo que, en mi caso particular, hasta que no volví a jugar al día siguiente, desconocía todo lo relacionado con la narrativa, ya que la pantalla no vuelve a aparecer hasta que comienzas una nueva sesión. Esto no es algo necesariamente malo, pero hubiera estado bien que dicha pantalla apareciera sin poder saltarse cuando iniciáramos una nueva partida; así los más despistados se darían cuenta por donde van los tiros. Por lo demás, poco más hay que decir al respecto, porque si bien el juego no dedica demasiado tiempo a detenerse en esto, sí dispensa NPCS a lo largo del calabozo, encargados de darnos pistas e incluso tareas relacionadas con la búsqueda principal y, por mucho que exploremos la dungeon principal hasta lo más profundo, llegará un punto, en que llegaremos hasta el altar, que también nos exigirá venir con los deberes hechos para poder enfrentar el final del juego. Además, al contrario que otros exponentes tanto pasados como recientes, Dungeon Antiqua hace mucho énfasis al recordarte quienes son los jefes a batir, ya que todos conforman el camino para cumplir la leyenda, todos sin excepción están escondidos detrás tanto de una puerta plateada como de un muro de texto, pero sobre todo tienen tanto sprites, hechizos y melodías únicas, por lo que aunque no tengan un desarrollo mucho más allá de ser obstáculos para un fin, al menos se sienten más contundentes e importantes. Aunque esto no se aplica de la misma manera al grupo protagonista, que no deja de ser una amalgama de gente creada para cumplir un fin (es más, cualquiera que llegue al final con la armadura antigua equipada, será considerado el héroe, independientemente de su nombre, género y alienación) al menos como sucedía en Wizardry, se intenta meter un pequeño sistema de karma, que no solo influye en quienes pueden ir juntos, sino además en el uso de cierto equipo o en pequeñas decisiones que le dan cierto color a un juego en apariencia simple como este.

Tampoco hay mucho más que rascar, ya que el pueblo donde utilizamos la tienda, junto con otros servicios, son un conjunto de menus sin nadie al frente (no es como por ejemplo en Etrian Odyssey, donde hay un tendero para cada negocio), por no haber, no hay ni un rey prototipico que nos plantee misiones y el anciano que nos ofrece tanto alguna pista como el tutorial inicial, no se diferencia en exceso de otros magos que podamos encontrar en el interior de la dungeon, por lo que aparte del grupo del jugador y los enemigos, solo hay un personaje más que se diferencie y es el hada. Esta pequeña no solo protagoniza las diferentes portadas del título, también sirve como guía directa durante al menos los dos primeros pisos del calabozo, haciendo enfasis en conceptos que se nos escapen y no se cubran en el tutorial, también incluso puede ayudar a los más perdidos, configurandoles una party inicial y hasta equipandola de manera optima para que el jugador entienda como se realizan ambos procesos, por supuesto también toca elementos como el sistema de clases o de magia, pero de forma algo superficial. Una vez llegamos al tercer piso, esta se retira para dejarnos jugar a nuestro aire y solo regresa durante el postgame cuando ya hemos explorado todo el sexto piso y vencido a quien mora allí, funcionando para darle al jugador interesado pistas sobre más contenido extra al que puede acceder, a la vez que sirviendo para cierto momento en una de las áreas finales, que tampoco quiero desvelar. Si bien tengo entendido que regresa mucho más mayor para la segunda entrega, hubiera estado chulo que tuviera algo más de presencia en el primer juego, ya que es el único personaje que se siente especial o diferente.

Aunque también puedo entender que es parte de lo que la obra buscaba, no solo por las limitaciones de la API, sino además por una cuestión de diseño, ya que a fin de cuentas Dungeon Antiqua busca sentirse como un videojuego de 8 bits de todas las formas posibles. Como no tenemos más datos de los referentes o la trayectoria de sus creadores, solo podemos elucubrar teorías, pero me da la sensación de que, más allá de su estilo visual que emula a los primeros trabajos de Squaresoft, lo que se buscaba aquí era acercar la experiencia típica de DRPG más clásicos no solo al motor, también a una audiencia que tiene cierta curiosidad en el género, pero que no es capaz de introducirse si no es por los métodos adecuados. Si debo decir que aunque puede superarse de manera sencilla, siguiendo más o menos lo que nos enseñan, no llega a las cotas de Dragons Ruins, que simplifica la formula al extremo para ser lo menos aspero posible, aquí se han limado muchos elementos discordantes, pero para prosperar a largo plazo y sobre todo en el postgame, requiere un minimo de gestión a la vez que se conocen los sistemas habituales que tantas veces hemos vistos en otros títulos de la misma indole, por mucho que este videojuego los reduzca a su minima expresión. Ya que temas como conjuros, clases, experiencia o equipamiento se acaban volviendo capitales para poder llevar nuestra partida hasta el verdadero final del juego.

El hada, que nos acompañara durante los primeros compases, será fundamental para terminar de entender las bases del juego.

Pasando al apartado jugable, como ya introdujimos, Dungeon Antiqua se siente y controla como tu típico JRPG de 8 bits. ín la ciudad si tenemos que actuar a través de menús, pero están bastante simplificados, hasta el punto que podrían pasar por los tipicos que veriamos en Dragon Quest o en Final Fantasy, cuando trasteamos en las tiendas, templos o derivados. Una vez que pasamos al interior de la mazmorra, nuestra vista pasa a una aérea, donde controlamos al líder del grupo y nos vamos moviendo por habitaciones, pudiéndonos encontrar trampas, tesoros, atajos y hasta encuentros aleatorios. En batalla por otro lado, se muestra una vista al estilo de los juegos de 8/16 bits de la saga más mitica de Squarenix, pero el sistema funciona puramente por turnos, no hay ATB, ni turnos dinamicos, ni nada similar, escojemos los comandos correspondientes a cada personaje y se dan dos fases, la del jugador donde por orden de rapidez van actuando nuestros personajes, para posteriormente pasar a la parte del bando enemigo, donde al igual que nosotros van dispesando sus ataques en función de su velocidad, una vez acaba la refriega, si perdemos volvemos al pueblo con un solo personaje en pie y si ganamos obtenemos la cantidad de experiencia y oro pertinentes, para continuar por donde ibamos. Como supondreis, el sistema parece a simple vista fácil de entender y simple de ejecutar, pero se va enredando conforme avanzamos. En primer lugar, si bien la mazmorra es fija y sus peligros también, los cofres junto con su contenido son aleatorios, generándose en determinadas posiciones cada vez que entramos y salimos. Es evidente que un cofre del primer piso no te va a dar equipo legendario, pero sí puede darte recursos interesantes, si puedes abrirlo en condiciones. Porque sí, como sucedía en obras como Wizardry, hay una mecanica de trampas en los cofres y cada clase tiene un porcentaje de detección y desarme de los mismos, siendo muy bajos para todas, excepto para el ladrón, que es el que puede ver facilmente que tipo de mecanismo va a saltar, sin embargo en función de su nivel, tendrá más porcentaje o menos de abrirlo sin activar aquel peligro que lo defiende, por lo que muchas veces nos tocará jugar con el factor de riesgo si merece la pena abrir el cofre o comernos la trampa, porque una vez examinado el cofre, abierto o cerrado, desaparece del mapa. También existe el hechizo “Clear”, que permite eliminar todos los peligros de estos recipientes; el problema es que gasta usos de magia y suele fallar incluso más que el desarme en sí, así que, por mi parte, apenas lo he utilizado…

Porque esa es otra, al igual que el juego de Sir-Tech, aquí existe tanto el sistema de AC como el de los espacios de conjuros, heredados de D&D; os explico. En las primeras ediciones del juego de Gary Gygax, los golpes siempre inflingen la misma cantidad de daño, es decir, una daga, por ejemplo, siempre hará 1D4, por lo que el equipamiento no palia ni reduce ese daño, sino que impide que el enemigo acierte el golpe. Para entendernos, un personaje con -2 AC será más difícil de golpear que aquel que tenga 2 AC. A su vez, los diferentes lanzadores de hechizos no solo aprenden conjuros, divididos en niveles, sino que, además, en función de sus capacidades, podrán lanzar más o menos poderes antes de tener que volver a la base para recargarlos; creo que con otro ejemplo lo podemos ilustrar bien: Un obispo puede lanzar tanto hechizos del mago como del sacerdote (es decir magia negra y blanca, respectivamente) cada vez que suba de nivel; no solo mejorarán sus estadísticas, también aprenderá magia nueva y ganará más espacios de conjuro, por lo que, un obispo de nivel 15, podrá lanzar 10 veces cualquier hechizo de nivel 1, 8 veces de nivel 2, 6 de nivel 3 y así de forma sucesiva hasta el nivel 9, que es el máximo. Estas mecanicas se mantienen intactas en el juego de Shiromofu Factory por lo que, aunque la magia es muy poderosa y muy eficaz, también la convierte en un recurso limitado con el que jugar y del que preocuparse, también hay que sumarle el posicionamiento y composición del grupo, puesto que cualquier personaje puede ir ubicado en cualquier lugar, pero las clases que no son combatientes o hibridas con estas, solo pueden equipar piezas limitadas, por lo que su AC por ende es mucho más alto y por tanto más facil que les impacten la mayoría de ataques, pero tampoco se puede golpear desde la retaguardia si no es con ciertos objetos, el mayal o los hechizos, por lo que una vez más combiene saber bien como ir jugando con nuestros avatares, sus fortalezas y debilidades.

A esto hay que sumarle el elefante en la habitación que llevamos mencionando todo el tiempo y que es el sistema de clases. Si bien el juego durante el tutorial te anima a familiarizarte con ellas y cambiarlas, realmente no te explica detalladamente sus especificaciones y creedme cuando digo que tienen más miga de lo que uno creería… La base es la de siempre de estos juegos, hay clases comunes y clases avanzadas, cuando creas un personaje, en función de su género, alineación y profesión empezará con unas estadisticas u otras, pero las minimas para poder ejercer el rol asignado las cumplen, igualmente a medida que suban de nivel iran viendo aumentar sus caracteristicas y como dijimos antes las clases que no son completamente de combate ganaran o bien poderes nuevos o bien mejoraran sus capacidades para abrir cofres o detectar trampas, hasta ahí bien. Por otro lado, para poder promocionar a una clase concreta, necesitamos cumplir los requisitos que nos pide, que normalmente son dos: Alineación y stats; el problema es que la segunda se ve de forma tangible, la primera no, hasta tal punto que hay dos clases, Ninja y Lord, que requieren un personaje malo y bueno respectivamente para poder emplearse. En mi caso particular, como todos mis personajes eran neutrales y buenos, perdí la oportunidad de promocionar a mi Ladrón, y aunque es un sistema de diseño que no es nuevo de este juego, dado que se tutorializan muchos aspectos, no hubiera estado de más recalcarlo. Aún así, aunque el hada te anima, subir de clase es una mala idea en los primeros compases del juego, más para los conjuradores, ya que como sucede en estos títulos promocionar a una clase avanzada implica volver a nivel 1 y tener que perder tiempo en que el personaje se ajuste con sus compañeros, y sí, es una molestia, donde vamos a parar, pero lo que no te explican aquí, es que hasta que el usuario de la profesión avanzada no empieza a rondar el nivel con el que hizo el cambio, su ganancia de estadisticas por aumento de nivel, se ven mermadas, a esto le tenemos que sumar que de por si, este tipo de roles superiores necesitan mucha más experiencia que una clase basica para subir de nivel y apaga y vamonos… Lo sé, lo sé, una vez más, no es algo que no se lleve haciendo en este nicho muchísimo tiempo atrás, pero, como dije antes, no hubiera estado de más avisar mejor al jugador, ya que todo esto lo acabas descubriendo a trancas y barrancas mientras juegas o directamente si te da por leerte una guía, por lo que quizás de nuevo solo sea mi pensamiento, pero creo que se debería haber hecho mucho más énfasis en ciertas partes o directamente rehacerlas de cara a un tutorial…

El sistema de clases y su promoción es un elemento fundamental del juego, especialmente a partir del postgame, por lo que definitivamente debería estar mejor explicado…

Pero uno de los aspectos más interesantes de Dungeon Antiqua y del que he hablado poco es su magnífico diseño de niveles, especialmente en lo facílmente legible que es, incluso si no estás acostumbrado a juegos de este tipo. Aquí, al igual que sus referentes, debemos explorar una mazmorra, compuesta en su juego base por seis pisos; en ningún momento hay un automapa que te indique dónde te encuentras y, al igual que sucedía con los DRPG en primera persona más tradicionales, tu personaje tiene un cono de visión que le indica hasta dónde ve y qué está viendo en ese preciso momento. En otros juegos de la misma índole esto sería un gran problema, pues precisaría por parte del jugador que participase activamente de la exploración, mapeando él/ella el calabozo o se preocupara por buscar mapas online; aquí, pese a tener ese tufo, hay algo que permite que ese problema no se dé y es la perspectiva con la que estamos jugando. Al querer ser como Final Fantasy, Dungeon Antiqua no solo simula sus sprites o sistema de combate, también lo hace en su manera de verse y controlar al grupo protagonista cuando esta fuera de las peleas, y si bien los juegos antiguos de esta saga de Squaresoft, pecan de algunas mazmorras finales para tirarse de los pelos, nunca nadie se ha quejado de perderse en ellas, necesitar un mapa o tener que mapearlas para orientarse, siendo más su excesiva dificultad o imposibilidad de guardar los verdaderos problemas. Aquí sucede algo similar, si bien los cofres y batallas son aleatorios, el diseño de la mazmorra no lo es, además nos obliga a patearla a fondo para poder encontrar las escaleras al siguiente piso, evitar peligros, encontrar fuentes de vida o directamente accesos a los jefes, por lo que llega un punto que de tanto recorrerla de arriba a abajo, sabes de memoria donde esta cada cosa, aprendes atajos para llegar antes hasta tu destino e incluso eres capaz de orientarte cuando desbloqueas comodidades como el hechizo “Return” o las llaves del ascensor. Hay que sumar el hecho de que, al verse todo desde una vista top-down, pese a haber oscuridad, es muy fácil saber nuestra posición, saber qué tenemos alrededor, ver mejor cada cosa a la que nos aproximamos (sea o no una trampa), así como economizar bien el tiempo, al poder hacer rutas mentales al desplazarnos. A todo esto, por supuesto, hay que sumarle el sistema de banderas rojas, que nos avisa de la última habitación visitada, haciéndose imprescindible en los primeros compases para no volver a sitios donde ya no hay nada, todo por supuesto, combinado con la velocidad de movimiento del grupo, que es muy elevada, permitiéndote una vez que conoces el camino, desplazarte muy rápido hasta tu objetivo, consiguiendo hacer mucho más, en menos.

También hay que decir que, pese al elevado número de encuentros aleatorios en el juego base, no solo se siente bastante junto, también bien escalonado. En el primer piso por ejemplo, los enemigos que nos encontramos son debiles y el mayor problema que pueden generar es el veneno, a partir del segundo, encontramos más enemigos que generan estados alterados y nos vemos las caras con los ninjas enemigos, capaces en alguna ocasión de producir insta-kill, introduciendonos este tipo de ataques al compendio, ya una vez pisamos el tercer piso, empezaremos a encontrar rivales con magia, creciendo en magnitud a la par que capacidad conforme más bajemos la dungeon. Si bien la primera vez que te encuentras a un enemigo que directamente puede matar a un miembro del grupo, aunque tu reacción no suele ser la mejor, acabas poco a poco acostumbrándote, aprendiendo cómo enfrentar esas situaciones, pero sobre todo a priorizar rivales, según tus recursos y su composición, cosa que puede parecer complicada, cuando es a través del juego (y nuestros diversos errores) que lo naturalizamos tanto, que incluso lo podemos transportar a otros títulos. Porque sí, es una mierda, pero al menos no estamos ante cosas como el primer juego de Sir-Tech donde literalmente nadie te decía nada y ese tipo de jodiendas era de primer orden, en cualquier momento, en cualquier lugar, pero sobre todo cuando menos te lo esperabas. Hay que decir que aquí, por otro lado, tanto resucitar como despetrificar, aunque cuesten dinero, ni merma tus ahorros, ni reduce estadísticas, ni depende de un sistema en el que, si no eres avispado, pierdes a ese avatar para siempre, así que una vez más, ni tan mal. Que todo sea dicho, nuestra pequeña profesora, si nos avisa precisamente de que hay que ir con cuidado, paso a paso y retroceder cuando sea necesario, para evitarte sorpresas, ya que por mucho que aquí la experiencia sea tanto más accesible como simplificada, no implica que sea un paseo por el campo; ir de forma descuidada puede salir muy caro y hacernos perder nuestros recursos a la vez que un tiempo muy valioso, si no somos conscientes de ello, y os lo dice aquel que una vez precisamente por ir de sobrado gastandose todo el dinero en equipo, le paso esto y tuvo que invertir un buen rato en intentar generar otra vez los suficientes ingresos para revivir al resto del grupo y así seguir avanzando…

Aparte de los enemigos, también tenemos NPCS por la mazmorra. Como ya mencioné, estos no se diferencian mucho unos de otros, pero lo que les falta de originalidad, al menos lo suplen prestándonos cierta ayuda o entorpeciéndonos, según toque. Aquí debo pediros disculpas, pues, quitando los que se encuentran en el primer piso, que si estoy 100% seguro que son fijos (ya que aportan misiones secundarias y un tutorial), los que se encuentran más profundo en el calabozo, no sé si se generan una vez por partida al azar cuando entramos o también son puestos ahí por el guion. Sea como sea, cuando nos encontramos con ellos, podemos charlar; creo que esto también va en función de nuestra alineación, puesto que su hostilidad dependerá de qué tipo de aventureros son y de cómo nos vean en función de nuestro karma. Yo, en mi partida, solo tuve que enfrentarme a uno de ellos en una ocasión, siendo el resto bastante amigables, aunque una vez más, como ya dije, mi grupo era neutral-bueno en su mayoría, por lo que quizás esto también influyese… Volviendo a estos, podemos hablar para ver que nos cuentan, si tienen una disposición moderada-buena nos daran pistas del juego, sino pasaran de darnos mucha información, también podemos negociar con ellos, haciendo que estos revisen nuestro inventario y nos ofrezcan dinero por algo que llevemos encima, esta comprobación la hace el sistema sin nuestra intervención por lo que habrá situaciones donde nos interese comerciar y otras que pasemos, aquí es cuando en función de lo mentado previamente, si no vendemos, puede que el NPC y su equipo intenten atacarnos para robarnos generando un pelea, en muchas circustancias más dificil que lo que tenga el lugar que ofrecer, si salimos victoriosos, obtendremos los recursos que llevasen y este grupo junto a su cabecilla, morirá, desapareciendo el sprite incluso del mapa. Existe una tercera opción malvada, que nos bajará el karma, que consiste en atacarlos directamente nosotros para así destruirlos y obtener sus recursos, pero no es recomendable, porque a la larga, según tengo entendido, recuperar los puntos de bondad sale demasiado caro para lo que obtenemos a corto plazo, pero bueno, al menos está interesante que dicha opción esté ahí, si queremos jugar un playthrough con personajes más oscuros. En mi caso, yo nunca exploré esta opción, más allá de que intentaran asaltarme, por lo que, más allá de la información que busqué de cara a este análisis, no puedo confirmar mucho más. Eso sí, me parece interesante que el juego, aun en un plano tan básico, te permita jugar con estas pequeñas variables, aun siendo para darle cierta justificación al sistema de moralidad, porque no es tan habitual ya que este tipo de obras se paren a que intentes influir en algo o tus decisiones tengan consecuencias, porque, pese a que hay juegos como Class of Heroes, que aún emplean la alineación, lo hacen más como mecánica pura y dura de formación de grupos, que como algo un poco más significativo…

Los NPCS repartidos por toda la mazmorra serán los encargados de darnos misiones, pistas y secretos, siempre que les caigamos bien…

Quizás Dungeon Antiqua no se caracterice tanto por su accesibilidad como sucedia con Dragon Ruins, pero es innegable que consigue ser una opción muy solida para aquellos que esten buscando algo que se acerque a la experiencia más tradicional de los DRPG, sin tener que verselas canutas para aprender un montón de mecanicas y sub-sistemas, ya que quitando su post-game que si se siente algo repetitivo y que nos hara sudar tinta para poder terminarlo, el juego base es bastante completable de principio a fin, siempre y cuando captemos bien el funcionamiento basico de su diseño. Si bien se podrían aclarar mejor algunos sistemas. Su estilo visual funciona muy bien, además de que, al ser tan característico a la par que familiar, consigue atraer tanto a curiosos como a extraños o nostálgicos, para ni que sea darle una oportunidad. En nuestro idioma sigue siendo de muy bajo perfil, pero en el ámbito más internacional, el jueguito que empezó por un simple hobby ha acabado convirtiéndose por méritos propios en una pequeña joya oculta, que tanto los aficionados del mazmorreo como los del JRPG reivindican abiertamente. Gracias a todo esto, el título ha conseguido el suficiente movimiento, junto con las ventas, para permitirle a Shiromofu Factory lanzar una secuela más cercana a los 16 bits y que creo que expande muchas de las ideas y conceptos vistos en el original. Lo que no sé, es si la segunda parte habrá limado muchas de las asperezas comentadas aquí, pero sí tengo entendido que sigue un poco la formula de más y mejor de los chicos de Graverobber Foundation.

Además, mientras el otro gran exponente de simplicidad dentro del medio llega al punto de automatizar mucho de los elementos claves, aquí, aunque de una manera más sencilla de lo habitual, nos vemos obligados a tener en cuenta factores como las clases, equipamiento, posicionamiento o espacios de conjuro, elementos que son el pan de cada día en la mayoría de juegos de exploración de mazmorras que también emplean turnos para funcionar. Por lo que, si Dragon Ruins y su secuela funcionaban como primera toma de contacto, Dungeon Antiqua, junto a su continuación, se enmarcan más en esas primeras obras que juegas una vez que empiezas a sentir interés por este nicho, para matar ese gusanillo de juegos similares, pero algo más complicados, hasta que, te das cuenta que estás disfrutando de títulos cada vez más complejos a la par que exigentes.

Si bien el juego de FrenchBread no se enmarca en estos últimos, sí es una de las primeras semillas plantadas en un largo camino de aventuras, emociones y descubrimientos relacionados con el fascinante mundo de los Blobbers, DRPG e incluso, si me apuras, JRPG de corte más doujin. Por lo que al final del día si bien no inventa nada, si consigue ser capital para muchos, al ser uno de esos primeros acercamientos al medio, experiencia que aunque no lo parezca será imprescindible para que unos cuantos pasen de odiar algo o verlo con recelo, a amarlo, y creedme cuando os digo, que un mundo cada vez más plano y polarizado, necesitamos más juegos que nos hagan sentir que estamos en el camino correcto, que estamos disfrutando aquello con lo que nos ponemos, pero sobre todo que consigan hacernos descubrir nuevas historias y caminos que no solo sirvan para alejar la desidia, también para hacernos personas más plenas, quizás esa no sea la intención de Dungeon Antiqua, pero consigue ponernos poco a poco en ese sendero, y eso a su manera, es muy loable también…

Desarrollador: Graverobber Foundation.

Distribuidor: Graverobber Foundation se encarga directamente de la distribución en PC; para consolas se encarga Kemco.

Plataformas disponibles: PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X, Switch, Switch 2.

Fecha de lanzamiento: 30 de abril de 2024 (Dragon Ruins), 16 de enero de 2025 (Dragon Ruins II)

Género: Dungeon Crawler RPG, Blobber, First Dungeon-Crawler, Dungeon Crawler Casual.

Nivel de dificultad: Bajo (Dragon Ruins) Bajo-Medio (Dragon Ruins II)

Duración: Entre 1-2 horas la primera entrega, 12-15 la segunda. Todo en función del contenido secundario que se quiera hacer.

Estado: Finalizado el 4 de enero (Dragon Ruins) y el 18 de diciembre (Dragon Ruins II).

Es interesante plantearse el estado actual que vive el nicho de los blobbers o First Dungeon-Crawlers para los amigos. Si bien es un género que tiene muchos seguidores y es responsable de la proliferación del JRPG en sus comienzos, entre muchos otros, la verdad es que el tiempo le ha pasado factura, porque pese a la ingente cantidad de juegos que salen día a día relacionados con el mazmorreo o pretendiendo darle una vuelta de tuerca al mismo, muy pocos son conocidos, menos aún jugados. Y si bien esto es algo que no solo atañe a este grupo de juegos en particular, sino a toda la industri cultural en general, es interesante ver la ingente cantidad de obras que surgen de supuestamente un estilo de jugabilidad, considerada de antaño en el mejor de los casos… Con este prefacio no me refiero en exclusiva a la labor que hacen empresas como Compile o Experience Inc. Con sus títulos, que son los primeros exponentes que a cualquiera que haya metido un poco la patita dentro se le ocurriría; para ser más concretos, me refiero a la cantidad de juegos tanto en Itch.io, como en Steam de esta temática, hechos principalmente por pequeños autores de diversas nacionalidades que buscan emular de una manera u otra las sensaciones que les han aportado títulos como Wizardry o Etrian Odyssey. Juegos que, como podréis imaginar, buscan a su manera generar poso en aquellos que aman introducirse en todo tipo de calabozos, mientras se centran en la gestión pura, a la vez que intentan atraer a ciertos extraños que miran a lo lejos con cierta curiosidad sin ser capaces aún de dar el salto.

Si bien el camino indie o doujin se centra en ser café para muy cafeteros la mayoría de las veces, las anteriores mencionadas han intentado aportar su granito de arena con obras como Demon Gaze, Undernauts, Mon-Yu, Mei Q, Tokyo Clanpool o Moe Chronicle, entre muchas otras, la verdad es que los resultados han sido mixtos cuanto menos… Ya que si bien han ayudado a la proliferación de los Blobbers, también han sido incapaces, por diversos motivos, de alcanzar una escena más popular. Motivos en los que espero poder ahondar en el futuro. Sin embargo, hay un juego, un DRPG o First Dungeon Crawler, que ha conseguido romper la brecha y aparecer en medios de comunicación relevantes, un juego orientado para todos aquellos que, más que querer introducirse en este nicho, busquen una experiencia relajada, ya que la vida no les da para más, un juego para gente cansada. Si no lo estáis viendo venir, os lo digo rápido: Me estoy refiriendo al primer Dragon Ruins, juego hecho por un pequeño equipo ucraniano, amante de los JRPG clásicos y de los CRPG tradicionales, que ya había experimentado con varias ideas hasta por fin dar con la tecla con su “Dungeon Crawler para gente cansada”. Juego en apariencia simple, que se puede jugar a ráfagas o completarse prácticamente de una sentada y que irónicamente ha conseguido mucho más en un año que muchos otros exponentes del género, en parte gracias a su particular eslogan, que le ha abierto más puertas de las que uno podría imaginar…

Pero hoy aquí no me quiero detener a hablar de los efectos del marketing, sino que quiero darle un pequeño giro de tuerca a lo ya mencionado sobre este título y su secuela, para demostraros cómo su valor no solo radica en su premisa, sino también en cómo es, hasta la fecha de escritura de esta entrada, la mejor manera de introducirse a un género en apariencia complicado a la par que hostil, que parece destinado a unos pocos con la cabeza y paciencia suficiente para superarlo. Y como ese punto ha sido el principal eje del éxito que ha tenido el primer título y que tanto su secuela como expansión pretenden emular, convirtiéndolo en no solo una premisa, también en toda una identidad, que les ha permitido ponerse en el radar tanto de habituales como de neófitos.

Aunque tiene unas visuales más trabajadas, es imposible no pensar en referentes como Wizardry o Akalabeth al mirar esta imagen.

En Dragon Ruins la premisa es simple: Hay un dragón en lo más profundo de la mazmorra de la capital de Isigwere;a la reina hace llamar a nuestro grupo con la misión de detenerlo, prometiéndonos fama y fortuna, por lo que ni cortos ni perezosos, decidimos lanzarlos a explorar las catacumbas en busca de tan poderoso enemigo. Como este título es un microjuego, no tiene nada más que eso como narrativa y realmente no la necesita para hacernos pasar un hora-hora y media agradable moviéndonos por una mazmorra sencilla mientras vamos obteniendo experiencia y recursos. Volviendo a los eternos referentes mentados, es un poco como hacían ellos en los 80: Creabas un grupo, recibías una misión por parte del rey o reina de marras para tener un contexto y luego te lanzaban al interior de una dungeon, donde probablemente tus primeros personajes murieran por una trampa a mala leche o un golpe letal sin venir a cuento, durante los primeros compases. Si bien esto te curtía como jugador y te daba lecciones interesantes, los chicos de Graverobber saben que el jugador medio no tiene ni tiempo ni ganas de sentir tal nivel de frustración en sus carnes, por lo que todo este emplazamiento es bastante simple, tiene recovecos, cofres e incluso algún teleportador, pero se venden y se sienten más como recompensas de una exploración metódica, que algún tipo de peligro a tener en cuenta. Ya que la mazmorra en sí, es un medio para llegar a un fin, que es el jefe final, que, por cierto, todo sea dicho, está presentado sin galas ni ceremonias, como si se tratase de un enemigo más a batir. Esto también sucede con los otros jefes que nos vamos encontrando, que, aunque escasos, están presentes cuando vamos accediendo a nuevas áreas.

Hasta aquí uno podría pensar que es una mala decisión no darle más presencia a los diferentes villanos, pero hacerlo sería contraproducente con la premisa del juego y tampoco tendría sentido, dados sus sistemas. El Primer Dragon Ruins busca usar la simplicidad en todo su ser como núcleo de su experiencia, por eso no tiene sentido que haya más peso narrativo, cuando nunca fue algo por lo que brillara el género o directamente sea algo que necesite, porque si funciona tan bien este juego, es por lo que intencionalmente parece que no hace, pero está mucho más medido de lo que podríamos imaginar y me estoy refiriendo a todas las variables, diseño y gameplay que destila, pero que no son tan visibles a simple vista, resultando capitales para hacer este juego tan particular. Cuando nos enfrentamos a un DRPG medio, es capital saber cómo formar un equipo con clases competentes, saber qué rol tiene cada una, cómo deben mejorarse, sus sinergias e incluso el equipo que deben portar en cada momento. Si bien factores como el RNG, la exploración o la prudencia son factores importantes para prosperar, si no eres capaz de realizar algo tan fundamental como hacer una composición eficiente, no vas a llegar muy lejos en la mayoría de estos juegos o, si lo consigues, será acompañada de una tremenda frustración. El juego de este pequeño estudio ucraniano, se zafa de todo aquello que podría ser engorroso u obligar a tener un mínimo de complicación, ya que aunque existen clases, se diferencian de manera muy sencilla y sabes cuáles pueden ir delante y cuáles detrás con tan solo echar un ojo; como solo hay cuatro personajes, los dos primeros van en la vanguardia y el resto en la retaguardia; aunque siguen apareciendo enemigos durante la exploración, nuestro equipo autocombate sin tener que darle ninguna instrucción, por lo que ahorramos el tener que quebrarnos la cabeza con estrategias o árboles de habilidades, encima no hay barras adicionales como la de maná o la de vigor, todos los combatientes pelean de la misma manera; Y por si fuera poco, siempre que volvemos a la ciudad, nuestros personajes descansan automáticamente recuperando todos sus HP, por lo que tampoco hay que gestionar el sistema de descansos o resurrecciones, dejando el dinero para las subidas de nivel y las mejoras de equipamiento, que, por otra parte, son absolutamente lineales y dependientes de la clase escogida, por lo que un guerrero de nivel 2, siempre subirá las mismas estadísticas y obtendrá la misma mejora de equipamiento independientemente de la partida…

Aunque esto echará para atrás a más de un veterano, realmente es una excelente forma de introducirse poco a poco en los DRPG, ya que al no tener que preocuparte de los habituales sistemas complejos de los que hacen gala la mayoría de DRPG, puedes concentrarte en ir explorando a tu ritmo, en aprender cuándo y cómo retirarte, cómo funciona el RNG (de una forma más simplificada), así como emplear las diferentes herramientas habituales, como pociones, llaves o pergaminos, junto con los propios recursos de la dungeon. Además, como tienes que ir y venir constantemente, combinado con que el juego en sí es muy breve, cada subida de nivel o mejora de equipamiento se sienten significativas, permitiéndote ir abarcando cada vez más zonas, a la vez que descubres y aprendes a lidiar con nuevos tipos de enemigos, junto con algún que otro peligro que vaya surgiendo. Como señor, que ya ha jugado a algunos DRPG más tradicionales, siento que este juego podría ser un bocadito perfecto para cualquiera que sienta un mínimo de interés en el género y quiera introducirse o para aquellos que tienen ganas de tocar más exponentes, pero no tiene ganas de dedicarles tantísimo tiempo, porque esa es otra, Dragon Ruins condensa lo mejor de este tipo de juegos en un frasquito pequeño, listo para abrirse y disfrutarse, es rápido, directo, entretenido y accesible, lo suficiente para no ser repetitivo, para no cansar y sobre todo para servir de excusa directa para todos aquellos que siempre han tenido el gusanillo de probar cosas como Wizardry o Etrian Odyssey, pero se han dado por vencidos a la primera hora de juego. Probablemente, Demon Lord Reincarnation también del mismo estudio, consiga captar mejor la esencia de los grandes referentes de antaño, pero por desgracia ni es tan querido, ni tan recordado, como este microjuego, y eso que en esencia Dragon Ruins no deja de ser una versión reciclada y compacta de este juego…

Dragon Ruins II es el primer juego pulido y elevado al cuadrado; tiene más y mejor, manteniendo la esencia del original.

Tras el apabullante éxito de la primera entrega, los chicos de Graverobber Foundation se pusieron manos a la obra y en menos de un año lanzaron al mercado, una segunda parte, intentando mantener lo que hacía grande al original, mientras intentaban expandirlo en todos los sentidos. Ahora en esta nueva entrega, cada clase empieza con una habilidad pasiva inicial y con estadisticas mejor diferenciadas; cada cinco subidas de nivel se nos da a elegir una nueva habilidad de una pequeña lista para poder mejorar a la vez que personalizamos a nuestro grupo; Ahora el equipamiento se divide en arma, armadura y dos accesorios, pudiendo ir mejorandolos o cambiandolos a nuestro gusto (Ya que en función de la clase cada una puede equipar diferentes piezas); ahora derrotar al dragón es la ultima misión del juego, de una larga lista de cadenas de misiones, con pequeños retazos de narrativa entre ellas, permitiendo darle mucho más color tanto al mundo, como a los personajes que lo rodean; A su vez, cada conjunto de misiones son llevadas en diferentes calabozos, cada uno con su propia tematica, variedad de enemigos, diseño y paleta; Y para poner broche de oro, si bien los combates siguen siendo automaticos, ahora podemos fijar desde el menú las posiciones de nuestros héroes y cuando la barra especial este cargada, ordenarles realizar un devastador ataque conjunto, que será más o menos podeoroso, en función de si tienen habilidades para potenciarlo, de su nivel y equipamiento. Todo lo demás que hacía la primera parte de manera tan eficiente se mantiene. Si bien esta segunda entrega no ha pegado tan fuerte como su predecesor, es innegable que se acerca más a las concepciones habituales de los DRPG, sin olvidar su pedigrí, funcionando como una especie de versión más grande, pero sobre todo intermedia, entre lo que esperariamos, de un videojuego de estas caracteristicas; y si bien el que pegó el pelotazo fue el primero, realmente creo que es aquí donde podemos trazar la línea de juego para novatos que todos deberían probar, funcionando más el original como un prólogo, me explico.

El segundo juego requiere una media de 12-13 horas para poder ser completado, yendo más o menos al grano; si bien no es una cantidad de tiempo considerable para la media estimada de un DRPG, sí es 10-12 veces más de lo que dura la primera entrega. Además Dragon Ruins II, pese a mantener todo lo que hacía accesible al original, añade sistemas nuevos que requieren un mínimo de gestión y planificación para poder salir airoso de las diferentes mazmorras. Si bien no es nada al nivel de lo más sonado del nicho, sí es lo suficientemente complejo para tener que prestarle atención y llevarlo al día, ya que, llevar un equipo equilibrado, bien posicionado, con un equipamiento decente, bien entrenado, con sus habilidades bien seleccionadas, acaba siendo capital para superar el juego, ya que al contrario que antes, esto ya no es tan paseo por el campo, ni es tan automatizado todo, para echarte hacia atrás y ponerte a vagabundear hasta que toca volver a la ciudad para repetir. Incluso, aquí ya empezamos a ver no solo más trampas, también diseños de nivel más intricados o zonas como las temidas mazmorras de teleportación, que por suerte, al menos están mejor telegrafiadas. Como alivio para el novato, todo esto se le va introduciendo de manera muy paulatina y muy bien llevada, por lo que cuando llegues a tu primera gran e intrincada mazmorra, ya habrás jugado lo suficiente para entender cómo moverte por ella sin problemas y, cuando empiezan a surgir lugares que requieren sortear muchos peligros o usar portales, ya habrás estado en otros sitios anteriormente que te habrán ido introduciendo estos elementos. También decir que, aunque al principio no lo parezca, acabarás teniendo tanto dinero que te sobrarán los recursos, por lo que será relativamente fácil ir probando diferentes estrategias o métodos, a base de entrar y salir rápidamente de los calabozos. Todo esto permite que un neófito vaya conociendo de manera gradual, cómo se las gasta el género y a que es lo qué se tendrá que enfrentar si decide probar otros DRPG más complejos o exigentes. Además, si bien cosas como el equipamiento son importantes, ni siquiera tienes que llevarlo a la última siempre para salir adelante. En mi caso particular, yo hice todo el contenido del juego, incluyendo el post-game, sin mejorar al máximo todas las armas; con tan solo hacer una buena distribución de habilidades, ir poco a poco y correctamente leveado, pude superar la mayor parte del juego sin apenas dificultades.

Si bien todo esto pudiera parecer nimio o lo mínimo que deberían hacer muchos DRPG, nada más alejado de la realidad. Si bien a día de hoy muchos intentan suavizar sus sistemas o hacer una curva de dificultad mucho más progresiva y gúiada, esto no suele ser lo habitual. Ya lo mencionamos previamente, pero si los Dragon Ruins llegan a ser tan característicos, es por simplificar todo tanto, que cualquiera pueda introducirse en ellos y disfrutar un buen rato, aunque no haya tocado el género. Eso sí la sensación que me da a mi, es que si bien ha calado mucho más que otros de sus coetaneos, más allá de su eslogan no ha conseguido calar mucho más a largo plazo la duología, y es una verdadera pena, pues si bien gracias al boca a boca y al hambre de muchos, de buenos exponentes, esta calando entre quienes tiene que calar, pero no lo suficiente para que las grandes masas, quieran introducirse en algo más que no sea la primera entrega, situación que espero que vaya revirtiendose con el tiempo, pues es más facil entrarle a cosas como Wizardry, cuando has tenido una buena base donde empezar, aprender los sistemas y entender las particularidades, que directamente intentar tirarse a la piscina… “A ver qué pasa”. Y una vez más, que no se me malinterprete, juegos como el de Sir-Tech son incluso mejores maestros, al tener que forzar al jugador a aprender un montón de sistemas y microgestión, así como obligarles incluso a mapear ellos mismos las estancias, a base de lápiz y papel, pero como vivimos en la sociedad que vivimos, la cual tiene cada vez menos paciencia, tiempo y ganas, ofertas como la de estos juegos, que permiten acercarse a un nicho tan temible de una forma más accesible a la par que amable deberían ser más que bievenidas, más en una categoría de obras, que, si bien aún siguen proliferando, están lejos del nivel de masificación que tuvieron durante la época en la que Etrian Odyssey dio un puñetazo en la mesa, revitalizando el género tanto para japoneses como para occidentales…

Dragon Ruins II hace mucho énfasis en que las cadenas de misiones tengan personajes variopintos, con curiosos trasfondos, para darle algo de sabor a la escasa narrativa.

Si bien no hay fecha confirmada, tengo la sensación de que pronto se va a lanzar Aftermath, la expansión independiente de Dragon Ruins II, que va a añadir aún más contenido, mazmorras y narrativa, mientras pule a la vez que rediseña más elementos de los juegos anteriores. Si bien para el momento actual, más contenido significa algo bueno y con ello más ventas, realmente es una manera que tiene el estudio de aferrarse a un concepto que funciona y seguir explotándolo, mientras tenga público que lo compre. Sin embargo, pienso que sería interesante que, más que seguir viviendo de la gallina de los huevos de oro, Graverobber Foundation debería exportar el buen diseño de esta saga a otras de sus franquicias, como le sucede, por ejemplo, a Demon Lord, que no termina de despegar, por una vez más, ser café para los muy cafeteros. Por otra parte, últimamente no hemos tenido lanzamientos de DRPG de corte más puramente japonés, pero sería interesante que, al estar Kemco detrás de la distribución, tanto ella como otras empresas niponas empezaran a tomar nota de lo que ha podido conseguir un pequeño indie de cara a la visibilidad de todo un género, ya que quizás con otro enfoque, incluso más accesible y adecuado, puedan empezar a ver otro pequeño resurgir en estos lares, con títulos no solo más centrados en acercarse a nuevas audiencias, sino también mejor diseñados, acorde a como muchos quieren y se acercan a este nicho, en nuestros días. Porque si bien parece que estamos viendo cierta influencia del trabajo de este estudio ucraniano, en trabajos como, por ejemplo, la segunda entrega de la saga Quester (de marcado corte oriental). Aún queda muchísimo camino por recorrer, tanto en la escena más independiente como en las producciones más costosas, para poder igualar el pequeño boom que ha supuesto un pequeño jueguito de explorar mazmorras.

Y ciertamente es una pena, porque si bien no es necesariamente mala la forma en la que se realizan los DRPG a día de hoy, sí se echa en falta una vertiente mucho más casual y accesible, para aquellos que les gustan este tipo de juegos o sienten cierto interés en ellos, pero no tienen ni tiempo ni las ganas de ponerse realmente. Y sí, cada vez muchos desarrolladores buscan acercar a nuevas audiencias a este tipo de historias, ya sea mediante diferentes estrategias de diseño o hacer cosas como convertir animes populares en juegos de esta vertiente, a ver si consiguen rascar más cota de mercado. Sin embargo, el gran grueso de jugadores está demostrando que no es ni de una manera ni de otra, sino haciendo obras orientadas a ellos y a sus necesidades lo que van a apoyar al final del día, por lo que si poco a poco aquellos dedicados a crear cosas nuevas no espabilan, probablemente este nicho acabe sufriendo un estancamiento, si es que no lo está sufriendo ya… Porque si bien gracias a las obras que dieron pie a construir los cimientos de los Dungeon Crawler, la mitad de juegos que hay hoy en día no serían de la misma manera, aquellos que han cogido su legado no han sabido mantenerlo lo suficientemente fresco para poder generar tanto público como hicieran obras que acabarían no solo creando nuevos tipos de juegos e historias, también siendo cumbre en sus respectivos grupos. Hay que añadir que el trabajo de este pequeño estudio, no está exento de defectos y con un vistazo más profundo al respecto, uno se puede cercionar de que los Dragon Ruins, al final, no dejan de ser lo mismo que muchos llevamos mamando en cuanto a Blobbers, pero simplificado hasta el extremo. Además como le sucede a tantos otros, el juego gana mucho más en sesiones cortas que jugarlo de una sentada, porque dada su naturaleza, combinada con su diseño, tiende a volverse monótono muy rápido, hasta tal punto que se acaba sintiendo repetitivo a largo plazo. Por otra parte, si bien existe una narrativa más trabajada a partir de la segunda parte, adolece del mismo problema que otros juegos de la misma índole, con mucho más énfasis en el argumento, y es que, pese a sentirse más innovador que el original, no es particularmente interesante y acaba siendo olvidable a largo plazo, solo que aquí, por suerte, la trama y sus sucesos van directos al grano, sin intentar hacer filigranas para llamar la atención del jugador (como poner romances innecesarios, escenas subidas de tono o emplear gags que le hacen gracia a unos pocos).

Para acabar, no puedo dejar de pensar que Dragon Ruins en cierta medida se parece demasiado a Expedition 33, o al menos a lo que intenta representar ese juego. Ninguno reinventa la rueda, ni explora cosas que no se hubieran hecho antes, pero aun así, los dos hacen el esfuerzo en acercar una vertiente de juego, aún vigente, aunque cada vez más denostada por ciertos sectores, a un público más generalista y más pusilánime, que lo único que le importa es él mismo y su sesgada a la par que reducida concepción del medio (para muestra un botón y es recordar a todos los presentes cuando los fanes de Expedition dijeron que este había revivido el JRPG, cuando este lleva en alza desde bastantes años ya), con cada vez menos tiempo, a la par de ganas de interesarse por cualquier cosa que le produzca un mínimo de fricción… Todo sea dicho, no todo el mundo que ha jugado la ópera prima de Sandfall reúne dichas características, pero dada su enorme masificación, ha acabado calando mucho más en este sector que en los fanáticos más acerrimos del RPG nipón (y eso que ya hubo intentos por parte de Francia, como sucedió con el denostado Edge of Eternity). Es evidente que el videojuego de Graverobber Foundation no se ha acercado ni por asomo al brutal movimiento de masas que ha resultado el juego del estudio frances, pero en cierta medida si ha sido motivo de celebración y apertura dentro de los Dungeon Crawlers RPG, sirviendo como oxigeno para un estilo de obras, cada vez más acotadas a un publico más especifico y cerrado, que por suerte es más abierto a la par de tolerante, que el de los Roguelikes tradicionales, pero que aún necesita un empujón para poder compartir su afición con más personas, que al igual que ellos siente verdadera admiración por el legado que ha generado, combinado con el trabajo que hay detrás, pero que por hache o por be, es incapaz de sentarse a darle una oportunidad. Así que sí, por mucho que le pese a algunos puristas, el camino en la buena dirección lo ha marcado un “Dungeon Crawler para gente cansada” y es algo que cada vez más de este tipo de juego debería seguir… Porque de clones y homenajes de Wizardry está el mundo lleno, pero clones de Dragon Ruins y sus secuelas, por desgracia, no hay tantos…

Desarrollador: Blizzard North (PC), Climax Studio (PSX).

Distribuidor: Diferentes distribuidoras en función del año y versión. En el caso del port de consola se encargó EA.

Plataformas disponibles: PC (GOG, Game Pass, Battle.net) y PSX.

Versión jugada: La de PSX a través de la Steam Deck.

Fecha de lanzamiento: 2 de Noviembre en Europa, 3 de Enero en EEUU, las versiones de Windows. La versión de PSX fue lanzada en 1998 entre finales de marzo y principios de abril.

Género: Proto-Diablolike, ARPG, Hack and Slash.

Nivel de dificultad: Variable en función de la clase.

Duración: Entre 10-15 horas en función de la clase y la cantidad de contenido secundario realizado.

Estado: Finalizado el 26 de Noviembre de 2025.

Es curioso cómo la historia de los videojuegos puede ser en algunos casos tremendamente puñetera. Si bien Diablo II es conocido y recordado con cariño por ser el responsable de acercar a miles de jugadores la experiencia diablolike, realmente no fue el responsable original, ni de su creación, ni de su asentamiento, solo de su popularización masiva. Es bastante común en muchos círculos ignorar e incluso negar la existencia del primer Diablo, teniendo en cuenta su oscuridad en determinados mercados como el español o el latinoamericano; sin embargo, mientras hoy la cuarta entrega de la saga mueve a millones de personas día a día en sus diferentes eventos y temporadas, no sería nada si este juego no hubiera puesto tímidamente el pie en experimentar con un género actualmente de nicho como es el Roguelike tradicional, para construir su propia identidad… Algo que irónicamente sucedería también con la segunda entrega de The Legend of Zelda, a día de hoy denostada por su rareza, pero abiertamente imitada y elogiada cuando salió al mercado décadas atrás…

Por eso hoy he decidido una vez más enfundarme las botas, sumergirme en el pasado y traeros mi experiencia con el port original de PS1, que, al igual que sucede con el juego en sí, es también bastante vilipendiado por ser la peor manera posible de acercarse al título original, no solo porque no contiene la expansión, sino además porque tiene varios bugs, combinados con unos tiempos de carga supuestamente infames. Quizás lo que vaya a decir en párrafos posteriores no consiga cambiar la opinión popular que se tiene de este videojuego, pero me sorprende cómo lo que preveía como una experiencia horrible ha acabado convirtiéndose en unos días intensos de vicio, con sus más y con sus menos, pero que a la larga han conseguido dejar un poso muy positivo, pese a algunas situaciones incómodas. Por lo que esta entrada también quiero que sirva como un pequeño reivindicativo de este servidor, de que no todo lo que se dice en internet debe tomarse como una verdad absoluta.

Así que no voy a enrollarme mucho más; si de verdad tenéis interés en descubrir otra forma de ver a esta entrega y el gran papel que desempeñó para la industria, nos vemos unas líneas más abajo.

David Brevik en GDC dando una conferencia sobre el proceso de creación del primer Diablo.

Aunque el videojuego de Diablo nace como tal casi a principios del 97, realmente es una obra que llevaba muchísimo tiempo en gestación dentro de la mente de Brevik, que quería hacer su propia versión de Rogue o Nethack para sistemas MS-DOS. Enfocada en llevar una pequeña, party de tres personajes (que luego serían las diferentes clases del juego) con la muerte permanente y los turnos como principal enfoque, mientras también pateábamos mazmorras de manera procedural. Aunque el creativo mantuvo esa idea muchos años presente, no sería hasta una serie de casualidades que acabarían proyectándose, con ciertos matices. La primera es que David, acabaría entrando en una empresa encargada de generar imágenes prediseñadas, tanto para multimedia como para videojuegos, es en su estancia allí donde conocería a sus futuros compañeros de proyecto, los hermanos Schaefer, con los que fundaría Condor (su empresa de videojuegos) y donde se vería fuertemente inspirado por la estética de Primal Rage, que pese a ser un juego de un género radicalmente diferente, hizo que el autor quisiera plasmar ese estilo en su opera magna. Por desgracia, la gente del estudio, tenía que comer, así que el equipo de Brevik, se dedicó a diferentes proyectos licenciados para consolas como la Mega Drive, siendo en este momento cuando, sin saberlo, un simple trato comercial, le acabaría abriendo las puertas a su gran sueño. Nuestro protagonista se reuniría, a mediados del 95, con Silicon & Synapse, una pequeña distribuidora, que aunque estaba interesada en el supuesto gran proyecto de Condor, necesitaba sacar una versión de la Liga de la justicia para Sega Genesis. Lo que no sabía el equipo es que un poco después, esta editorial minúscula, acabaría volviéndose Blizzard Entertainment… Y que tras su éxito con el afamado RTS, Warcraft, acabarían volviendo a llamar a su puerta, esta vez, para poder trabajar codo con codo en “Diablo” el supuesto Roguelike con el que David Brevik llevaba soñando décadas…

Sin embargo, no es que Blizzard viniera con ruegos o dispuesta a dárselo todo al equipo de Condor; les gustaba la idea, pero necesitaban tener una visual de cómo iba a ser el juego y cómo iba a moverse, antes de implicarse y darle los medios a Brevik y a los suyos. Así que el equipo sin saber bien que hacer cogió una captura de pantalla del primer X-Com y sobre esta base, construyó todo el aspect ratio, arte y primeros sistemas del juego; tras verlo, Blizzard quedó encantada. Los primeros meses del proyecto, Diablo se parecía más a D&D y a Rogue que a lo que conocemos ahora; es gracias a la intervención conjunta de Blizzard South y parte del equipo de Condor que el juego viraría en una dirección mucho más arcade, pese a las reticencias reiteradas de David, ya que un poco lo que buscaba la filial californiana era un coctel de acción, RPG y multijugador para PC. Tras probar el juego en tiempo real, todos quedaron maravillados y Blizzard no solo colaboró, sino que además financió el proyecto; sin embargo, la cantidad acordada no fue suficiente para el estudio, teniendo que co-desarrollar en paralelo un juego de futbol americano para que tanto los responsables del ARPG como el resto de los trabajadores pudieran llegar a fin de mes. Es aquí cuando la motivación dio sus últimos resultados, consiguiendo inspirar a la parte sur de la empresa distribuidora, que compraría Condor y lo rebautizaría como Blizzard North, permitiendo tanto a los hermanos Schaefer como a David Brevik, llevar el desarrollo de su juego hasta las últimas consecuencias, permitiéndoles, pese a diferentes reveses como el crunch, parte de la financiación o problemas con el multijugador, sacar al mercado, uno de los juegos más importantes no solo para el género de los ARPG, sino también ser el precursor de todo un género, una manera de jugar, pero por encima de todo dar un golpe en la mesa dentro de una industria que aún tenía mucho que ofrecer, como es tanto la de los videojuegos, como la de los ordenadores.

Tras el éxito arrollador de Diablo en pocos meses, Electronic Arts se interesó muchísimo en la IP, especialmente en su rendimiento en otros sistemas, así que subcontrató a Climax Studios, autores del aclamado Silent Hill Origins, pero que en aquella época se encargaban principalmente de portar juegos a otras plataformas diferentes de su concepción (y seamos honestos, todavía lo hacen), para realizar dos versiones del juego, una para Nintendo 64 y otra para la primera PlayStation. La lástima es que, como la máquina de la Gran N empleaba cartuchos y un sistema de control bastante parco, aunque la versión del juego avanzó bastante para esta consola, acabó siendo cancelada, ya que EA previó que no le saldría a cuentas seguir invirtiendo dinero y el esfuerzo de su subcontrata en esta versión. Con PSX, por otro lado, sí se mantuvo el proyecto de principio a fin y a finales del primer trimestre de 1998 salió al mercado su versión para esta máquina, todo sea dicho, no exenta de críticas, por no llevar integrada, entre muchas otras cosas, la expansión: Hellfire, que añadía dos clases nuevas, con dos mazmorras extra, refinaba el juego y corregía problemas. Aun con esas, esta versión de Diablo consiguió hacerse un pequeño huequito en los corazones de suecos, alemanes, ingleses y ciertos sectores americanos, qué ignorantes del mundo del PC, tuvieron su primera incursión en este vasto género, a través de un port que, aunque correcto, para muchos estaba a años luz de lo que sería la versión original. En mi país, España, particularmente, fue bastante de nicho y, aunque he podido leer historias de alguna que otra persona que lo llegó a probar, la poca gente que jugó a Diablo lo hizo más en PC y especialmente a la segunda entrega, siendo muy escasos aquellos que probaron la primera versión y más en la consola de sobremesa de Sony… Según he podido investigar, en Latinoamérica, la situación fue muy similar a la nuestra. Y la verdad es una pena, porque, pese a sus aristas, la versión de Climax Studios, es un port bastante digno.

Aunque uno pensaría que son exactamente iguales, ya con solo la interfaz podemos ver de un rápido vistazo, cuál es la versión de PSX.

Uno de los principales activos con los que tenía que trabajar Climax era encapsular toda la información que hay disponible en el HUD original del juego y hacerla cómoda a nivel visual. Si bien se siente algo más fea, sí es muchísimo menos recargada y más compacta, que, teniendo en cuenta la época y el momento (dada la resolución de las pantallas y su empleo), permite que la acción se centre mucho más en los aspectos de exploración y combate. Además, como estamos en el momento que estamos con las imágenes prerenderizadas como norma para la mayoría de juegos del momento, pese a los pixelacos como puños de los que hace gala el port, se sienten hasta adecuados dadas las circunstancias. Pero si la versión de Diablo para la primera Playstation es recordada, no es tanto en su aspecto artístico, sino en sus infames tiempos de carga. Aquí hay que decir, que, como yo no jugué en el hardware original, no llegué a experimentar esperas muy largas, y eso que cada vez que hay un cambio de pantalla, una apertura de inventario, un despliegue de texto o directamente se quiere echar un vistazo a las estadísticas, hay un aviso en la esquina inferior derecha de que siempre hay una carga de disco. Supongo que si hubiera tenido que emplear una PS1 para jugar como se concibió en su momento, mis sensaciones no hubieran sido las mismas, pero sí debo decir que sin una máquina potente, gracias a la capacidad de acelerar que poseen muchos emuladores, incluso con una portátil emuladora pequeña, un teléfono o PC de baja gama, ni siquiera esta situación hubiese dado verdaderos problemas. Por lo que, a menos que el que me lea sea un auténtico purista que ame jugar en el sistema original, uno de los principales defectos tan expuestos antiguamente, a día de hoy es muy fácilmente superable, siendo más cuestión de cada uno el cómo quiere afrontar este título.

Continuando con los elementos diferenciadores de esta versión, hay que tener en cuenta dos puntos: El desplazamiento y el sistema de importación de personajes. Uno de los principales problemas de aquellos tiempos era intentar trasladar la sensación que se tiene al hacer clic al panel direccional o joystick del mando de la consola. Esta circustancia era particularmente problemática en aquellos juegos más orientados a la aventura gráfica o al point and click y uno, viniendo directamente de las versiones de ordenador del clásico de Blizzard y sus sucesores, podría pensar que sucede lo mismo con esta versión de Diablo, pero para sorpresa de todos, nada más alejado de la realidad. Al cesar lo que es del cesar, el control, aunque emula muy bien la sensación, no es igual de preciso y, dado el sistema de reconocimiento que se emplea aquí, el personaje tiende a intentar hacer zigzag cuando el juego detecta que durante el movimiento hay una posible pared u obstáculo, dándose según en ciertas localizaciones concretas, situaciones en las que, pese a no haber nada reseñable que esquivar, el personaje se mueva de esta manera al ir en línea recta hacia abajo o hacia el lateral. Particularmente, a mí me sucedía siempre que iba a la cabaña de Adria, ya que solía caminar al lado del río y, aunque no estaba pegado, mi personaje tendía a moverse así hasta atravesar el puente. También me empezó a suceder en los últimos niveles del infierno, donde la cantidad de enemigos y obstáculos tendía a generar este tipo de situaciones. Por lo demás cero problemas; el avatar se movía de una manera muy rápida y precisa la mayor parte del tiempo, aunque sí es verdad que, dado el tipo de recorrido y movimiento, acabé siempre jugando con el joystick, ya que era mucho más cómodo y el juego lo reconocía muchísimo mejor. El segundo tema sí ha sido motivo de muchas quejas a lo vasto y ancho de todo internet. El primer Diablo es conocido por su estrategia de no hacer respawn de los enemigos derrotados, por lo que, si bien estos sueltan un loot, solo podras obtener determinado botín una vez por partida, condicionando de sobremanera cómo te puedes armar el personaje y estando muy determinado por la suerte de cada uno. Para paliar esto, Blizzard North puso la función de importación, que nos permite guardar al personaje de forma separada a la partida y nos permite utilizar nuestros personajes en una partida nueva o ya empezada si hemos conservado sus datos, haciendo que, si bien en algunos casos tengamos que repetir ciertas secciones, podamos hacerlo con nuestra clase a mayor nivel y mejor optimizada. Esta función se mantuvo en la versión de PS1; sin embargo al programarla Climax Studios, sin darse cuenta, produjo un bug, que hace que si importamos cualquier personaje que lleve equipo de un color que no sea gris o azul, el personaje aparezca en la nueva partida, manteniendo su nivel y estadísticas, pero completamente desequipado y sin el inventario que arrastraba, provocando perder cosas de valor, que a saber si podremos volver a encontrar ahora en la nueva partida...

Esto hace que la versión de PSX no solo sea vilipendiada por muchos; además, le añade una capa adicional de dificultad, al tener que hacer aún más microgestión tanto del personaje como de su equipo, porque si llegas a tener que depender en algún momento de este sistema, tienes que pensar muy bien cómo y qué llevar, para no perder aquello que tanto te costó conseguir previamente. Sin embargo, debo decir que yo pude completar una partida con mi pícara de principio a fin, sin necesidad de tener que emplear este método, así que, más allá de lo que investigué previamente a ponerme con el título, poco más puedo deciros al respecto. Si es verdad que yo ya iba sobreavisado, pero si bien el loot cambia en función de cada partida y enemigo, también lo hace la tienda de armas, cada vez que entras y sales de la mazmorra, por lo que con un poco de cabeza es muy facil armarse bien aprovechando este truco, ya que Griswald en el equipamiento caro, suele vender cosas bastante potentes que funcionan muy bien si tienes el dinero suficiente, que por otra parte es muy facil de obtener, ya que aunque los adversarios muchas veces dropeen equipamiento inutil para ti, en la tienda se sigue cotizando bien, por lo que es muy interesante ir limpiando pisos, dejar allí el equipamiento vendible y luego ir yendo y viniendo para farmear facilmente oro. Por último, y también muy importante, es que si realizas bien ciertas misiones secundarias, estas te suelen reportar tanto armaduras como armas, que pueden serte de gran utilidad. Quitando mi arco, que tenía x200 de daño adicional que fue directamente comprado, tanto mi armadura como casco eran de la última secundaria del juego, siendo más los anillos que me incrementaban las estadísticas y me reducían el daño sufrido, accesorios obtenidos puramente del RNG. También hay que decir, que el juego calcula en el momento de la muerte de las criaturas el tipo de objeto que va a soltar, por lo que con un poco de paciencia y save scumming en el emulador creo que sería posible obtener un RNG más adecuado, pero siendoos honesto, con la suerte que tuve, no me fue necesario probar este método a fondo, por lo que una vez más os lo comunico en carácter informativo.

Tanto la versión de PC como la de consola nos ponen largos párrafos locutados para exponernos tanto narrativa como lore.

Pasando ya al juego propiamente dicho. Encarnaremos a una de las tres clases: Guerrero, Pícara o Hechicero, que han acudido a Tristam para auxiliar a sus gentes, detener al traidor de Lazarus, derrotar a Diablo e intentar encontrar y salvar al príncipe Albrecht. Si bien la premisa es muy sencilla, tiene mucha más chicha de la que uno podría imaginar, la pena es que en el juego base no está ampliada, ni siquiera en la cinemática inicial, que presupone que ya vienes informado y lo que hace es mostrar los estragos que los demonios han hecho con la capital de Khanduras. Ya lo mencionamos con Dragon Slayer, pero incluso durante estos años, era muy habitual encontrar este tipo de detalles en el manual, donde en este caso, sí se nos relata un poco más de las órdenes a las que pertenecen nuestros héroes, todo el tema del apocalipsis e incluso información acerca del rey Leoric. Pero aun con esas, no llega a ser necesario ahondar mucho más en los motivos iniciales utilizando recursos externos, ya que el juego se preocupa mucho de mostrar su narrativa a través de densos y largos diálogos o fuentes desperdigadas a lo largo y ancho de las ruinas de la ciudad. Si bien es un contenido muy facil de encontrar, también dada su naturaleza en la que se deja en manos del criterio del jugador si acceder o no, probablemente sea muy común que muchos usuarios a lo largo del tiempo, ya sea por edad, desconocimiento o pereza hayan acabado evitando gran parte del mismo, ya que por muy interesante que sea todo el tema contado en el tomo del exilio oscuro, requiere el esfuerzo de encontrarse en la mazmorra, leerse y luego resolver el acertijo convertido en misión secundaria, de cual todo sea dicho, requerira esfuerzo adicional en o releer el contenido o preguntar a todos los aldeanos a ver si alguien da con la tecla (o tirar de guia si eres un vago de mierda como yo) ya que aunque las primeras determinadas misiones secundarias son facilmente superables, las que relacionadas con lore, son particularmente oscuras y densas...

Con el desarrollo de los personajes, sucede tres cuartos de lo mismo; mucho de su background suele estar relacionado, con escuchar sus diferentes diálogos conforme vayamos profundizando en el interior de la catedral, las pistas que nos van dando tanto de misiones como de otros personajes implicados en la misma, pero sobre todo, lo que más nos aclara es cuando alguno está relacionado directamente con alguna tarea personal, y creedme que todos los NPC tienen mínimo una o dos misiones asociadas a ellos, además de aquellas en las que participan de manera más terciaria. Por desgracia, los villanos no sufren el mismo tratamiento… Si bien se expande su historia también a través de escritos y conversaciones con los aldeanos, no llegan a estar tan presentes en el juego, ni tener un peso particularmente importante, más allá de ser obstáculos a batir. En cierta manera tiene cierto sentido con determinados monstruos como el carnicero o los demonios del pozo, pero, por ejemplo, el arzobispo Lazáro, que es uno de los rivales más importantes, si bien llega a tener más mención, no llega a ser particularmente interesante o relevante hasta que el juego nos fuerza a tener que derrotarlo para poder acceder al jefe final. Mención también al hecho de que cuando pronuncia su legendario speech, un jugador astuto habrá salido del área y se habrá puesto a cubierto, ya que en la sala donde este, está ubicado, está también llena de monstruos bastante peligrosos, que están scripteados para empezar a atacar cuando acabe la supuesta escena en tiempo real. El último gran enemigo: Diablo, es incluso peor, porque ni tiene una rimbombante escena hablando, ni le ponen una cinemática específica (quitando la introducción del juego) y, ni más allá de ciertos momentos de lore, apenas es tenido en cuenta para el resto de los mortales, es más, cuando nos enfrentamos a él, casi pareciera un enemigo normal, porque su IA nada más nos detecta, le hace lanzarse de cabeza hacia nosotros como si fuera uno de los tantos mobs que hemos ido eliminando previamente…

Si bien todo el tratamiento de la narrativa no tiene por qué ser un impedimento para el jugador, sobre todo para aquellos acostumbrados a los videojuegos de la época o para los fans de la acción pura sin complicaciones. Si se siente que la obra de Condor podría haberle dedicado un poco más a refinar ciertos aspectos de la trama y cohesionarla mejor para que los jugadores que busquen ese toque narrativo puedan salir satisfechos… Más que nada porque muchos de los elementos mostrados aquí no solo forman parte de la base que conformaría la historia de las posteriores entregas, sino que además son bastante interesantes por sí mismos. Elementos como el papel de Deckard, toda la caída de Tristam, el destino final de nuestro avatar, toda la leyenda de los señores demoniacos es combustible suficiente para emocionar a muchos, con los métodos adecuados. Eso sí, en defensa de la saga, sí puedo decir que poco a poco se intentó virar en una dirección mucho más clara y más cercana a contar una gran historia de manera más accesible, ya que, aunque todavía no he tenido el placer de jugar a su segunda parte, sí sé de primera mano que Diablo III hace mucho énfasis en poner cinemáticas, usar scripts y centrar tanto los diálogos de la historia principal como de las secundarias a intentar expresar lo más claro posible todo lo que quiere contar. Y aunque tampoco he podido jugar aún a la aclamada última parte, tengo testimonios de amigos de largas cinemáticas en momentos clave que desgranan hasta el último detalle. Y aunque no he jugado a la versión de PC. Si he estado viendo a gente jugar e informándome y aunque parecería que esto debería ser del port y que la versión original debería tener más trabajado esto, nada más lejos de la realidad, no importa la manera de jugar que escojas, ambas comparten y muestran la misma narrativa de principio a fin, por lo que al final, es una cosa más del momento, que otra cosa.

Uno de los principales problemas de este juego es cuando los enemigos te rodean en una zona abierta… Aquí es cuando se nota la herencia de los Roguelikes tradicionales…

Pasando al apartado jugable y núcleo principal de la obra. Como ya hemos adelantado, nuestro objetivo será bajar a lo más profundo de la catedral de Tristam, para cazar a Diablo y salvar a Albrecht para ello deberemos ir explorando los diferentes pisos, eliminar todo lo que se mueva a nuestro paso e intentar juntar los suficientes recursos, así de manera constante, hasta que nos salte la pantalla de créditos finales. Si bien uno podría pensar que el loop jugable de Diablo es tremendamente repetitivo y no se equivocaría, si la fórmula ha creado todo un género, es precisamente porque esa misma manera de diseñar el juego también lo hace muy adictivo, más cuando sabes que cada vez que empiezas una partida, esta puede ser diferente a la anterior, por mucho que empleemos la misma clase. Por otro lado, el meterte en entornos cambiantes, que suponen cierto reto, pero que permiten de manera adecuada hacer progresar rápidamente a tu personaje, gracias al sistema también aleatorio de loot, activa ciertas conexiones en nuestro cerebro que nos hacen al final querer más y más (aunque es algo que seguro que ya muchos sabéis) independientemente de si es la primera entrega o la más actual. Lo que sí hay que entender aquí es que, aunque la base funciona, no está tan pulida como en entregas posteriores y, si peca, no es precisamente de simplicidad. Como ya expuse en párrafos anteriores, la chicha del juego reside en ir con una de nuestras clases explorando el interior de la catedral y derrotando a todo lo que se interpone en nuestro paso sin embargo, aquí, como sucede en los roguelikes tradicionales, el posicionamiento y el tipo de ataque son cruciales. En los juegos posteriores se premia mucho el emplear bien tu clase, saber cómo hacer combos con las habilidades y construir una build óptima; aquí, quitando la necesidad de tener un buen equipamiento, el resto cae en manos del conocimiento del jugador y el RNG. Mientras que a partir de Diablo II tenemos un sinfín de clases que condicionan mucho la manera de jugar, en la primera entrega los arquetipos disponibles, si bien también llegan a ser determinantes dado el límite de puntos de atributo y su comienzo, realmente son mucho más flexibles, pudiendo tener cosas como una pícara que emplea magia y arco, un guerrero que utilice todo su poder físico pero reserve ciertos puntos para castear algún que otro sortilegio o un hechicero que, aunque confíe en su magia, deba acabar también subiendo su fuerza para poder emplear los más poderosos bastones. Al contrario que en sus secuelas, el primer juego quiere sentirse más abierto al permitir a los jugadores avispados experimentar con los sistemas y obtener sus propias combinaciones, una vez más herencia de los roguelikes tradicionales.

Otro punto a tener en cuenta, que hemos adelantado antes, es el hecho de que el combate es mucho más exigente también; los enemigos de tu nivel necesitan mínimo varios golpes o conjuros para caer y, dada su resistencia y número, los enemigos tienden a intentar atosigarnos arrinconándonos o directamente lanzándonos un montón de proyectiles. Esto consigue que un personaje que recurra puramente al combate cuerpo a cuerpo las pase canutas en muchas ocasiones, teniendo que aprovechar los espacios para intentar producir cuellos de botella o intentar reducir el número de enemigos para poder desenvolverse bien. Pero para los personajes a distancia tampoco es muy diferente, porque como aguantan incluso menos en los encuentros cercanos, se ven forzados a intentar mantener una buena separación y que los monstruos se dispongan en fila o de uno en uno para poder despacharlos de forma segura, buscando entornos cerrados o con cobertura, ya que los enemigos tienden a disponerse en oleadas y buscar los flancos. Esto se acrecienta más a partir del séptimo piso, donde empiezan a ser habituales las hordas de enemigos especializados en lanzar proyectiles, que siempre buscan agruparse y spamear un montón de ataques desde posiciones seguras, infligiendo una enorme cantidad de daño en el proceso, por lo que requiere que el jugador piense cómo emplear el lugar a su favor, utilizando esquinas para reposicionarse y curarse, intente buscar estrategias para sorprender a los enemigos por otro lado o incluso busque forma de atraerlos en números más reducidos para poder ir despachándolos. Todo esto consigue que, aunque el juego suceda en tiempo real y favorezca la acción directa, siga forzando a actuar con premeditación y de manera segura, obligándonos a ir yendo poco a poco limpiando las estancias mientras vamos explorando y quedándonos con la disposición de los diferentes lugares, teniendo en muchas ocasiones que sopesar si es interesante mantenernos con los escasos recursos que disponemos y nuestro inventario lleno o si nos merece la pena intentar avanzar algo más. Si bien el trabajo de Blizzard North no es precisamente un Survival Horror ni lo pretende, cuando estamos luchando por nuestra vida en ciertas áreas cada vez más mermados, sabiendo que un paso en falso puede ser nuestro final, intentando mantener el tipo escondidos en una esquina esperando a ver si no aparecen demasiados enemigos que pongan fin a varias decenas de minutos de progreso, la verdad es que consigue generar muy bien esos mismos sentimientos de tensión…

Además, otro punto a tener en cuenta, y es una sensación que me ha dado revisando la versión de PC, es que no sé si intencionalmente, pero Climax, ha subido la dificultad en el port de PSX, porque si bien los enemigos siguen siendo duros en la versión original, en el juego para la consola de Sony, son incluso más resistentes, necesitando aún más castigo para morir. Uno podría pensar que esto no es tan preocupante, pero determinados monstruos, como los demonios lanzadores de rayos de las cavernas, son un verdadero grano en el culo, por su daño masivo a distancia, su resistencia y su movilidad, igual que sucede con la súcubo y sus variantes, que aun no siendo tan resistentes, acaban dando muchos problemas; eso sí, por suerte, tanto la IA de los monstruos como su daño se mantienen intactos. También el juego, independientemente de la versión que escojamos, tiende a colocarnos unidades de élite, que son criaturas que van en conjunto con las demás, pero tienen un nombre diferente, un color distinto, pero estadísticas superiores, siendo poco abundantes, pero ejerciendo como minibosses para intentar mantener alto el desafío y también el interés, porque el mejor loot sale precisamente de su eliminación. Todo esto contribuye a que pese a su complejidad el juego se mantenga lo suficientemente interesante para que el bucle de entrar y salir constantemente de la mazmorra se sienta organico y la progresión satisfactoria, porque pese a que sigue siendo un mata-mata lo hemos logrado a través de esfuerzo, estrategia, dominio del juego, pero sobre todo gracias a una buena composición tanto de personaje como de equipo, ya que si determinadas secciones de un piso se nos atragantan, podemos buscar otro enfoque para afrontarlas, hacer un alto para recuperar fuerzas y optimizarnos o directamente podemos huir al siguiente piso y dejarlo para más adelante cuando nos sintamos capacitados para ello, ya que ni la misión principal ni los contenidos opcionales tienen tiempo para completarlos o son perdibles, por lo que sí, puedes dejar tareas para cuando se te apetezca hacerlas o incluso directamente ni hacerlas (en mi caso particular, yo ni siquiera complete todas las misiones secundarias).

Estar al tanto de nuestro nivel, estadísticas y equipo, será fundamental para saber bien como hacer las mejores builds.

Eso sí, no lo he dicho antes durante el análisis, pero quiero dejarlo claro ahora: Diablo solo se encuentra traducido al inglés, francés, alemán y sueco. Según tengo entendido la versión de GOG añade diferentes idiomas como el italiano y algunos mods añaden lenguas adicionales como el español, pero según he podido investigar para la versión de PC y como he podido comprobar de primera mano con la versión reseñada hoy, la traducción es fan y en algunos casos deja bastante que desear… Si bien da el apaño con los menús y para la narrativa funciona bien, es bastante inexacta en ambos casos con cosas como localizaciones, objetos, clases o enemigos, por lo que podéis escoger vuestro propio veneno. La locución, por su lado, no emplea ese problema, pues se mantiene la del inglés original, haciéndose bastante destacable el buen trabajo de los dobladores, algunos concretamente destacándose por sus fuertes acentos, que le dan bastante color a determinados personajes. En lo técnico por otra parte, a menos que le apliquéis cosas que mejoren la calidad visual, como ya dijimos está todo marcado por un 3D prerenderizado muy del momento y con el que Condor solía trabajar habitualmente, lo que, junto con su estilo artístico oscuro y gótico, le da una fuerte personalidad. Como ya dejé caer, a mí en lo personal es un estilo que me gusta mucho y que se ve genial en sistemas o monitores más pequeños, por lo que si no os casa que se note tanto el píxel, no escaléis demasiado la resolución…

Si bien el primer juego de Diablo no está exento de fallos y su versión de Playstation añade algún que otro palo más a la rueda, pese a los años a sus espaldas, sigue siendo una excelente manera de zambullirte en la saga, más con las opciones de hoy en día, que nos permiten acceder a él a golpe de cuatro clics. Y se que a algun que otro le puede echar bastante para atrás dado que este juego no solo compite directamente con todos los clones que le salieron al paso, sino también con sus secuelas que se encargan de expandir la formula a la vez que rellenan los huecos dejados por este juego, pero creedme cuando os digo que yo iba precisamente con esa mentalidad y pese a sus aristas, el buen hacer del equipo de Brevik ha sabido no solo callarme la boca, también ha conseguido sorprenderme para bastante bien, hay que añadirle el extra de que yo soy bastante neofito también en el mundo de los diablolikes y si con un poco de paciencia he podido entrar y disfrutar de la versión de PSX, estoy seguro que cualquiera más fan del genero, nostalgico de la epoca, arqueologo de los videojuegos o todo junto, podrá disfrutar incluso mucho más de lo que yo lo he hecho, teniendo en cuenta que yo me esperaba lo peor… Aun así, pese a que pienso que Diablo es muy disfrutón en consola y lo recomiendo abiertamente, creo que para aquellos que buscan tanto la comodidad como la experiencia completa, sería mucho más interesante para ellos tirar directamente de la versión de ordenador, que dispone de la expansión y que también puede modearse a día de hoy para adaptarla a las necesidades de cada uno. Entonces, si tenéis la consola original o alguna manera de emularla a vuestro gusto, que no os eche para atrás la versión de la sobremesa de Sony, porque creedme que una vez que le pilléis el truco, la vais a disfrutar igual o incluso más.

Si bien el trabajo de Blizzard North es muy importante a todos los niveles, quitando para determinados sectores, ha pasado sin pena ni gloria, siendo muchísimo más celebrada y recordada su segunda parte, que en países como el mío fue carne de cibers y locutorios donde los chavales, tanto de mi edad como más mayores, iban a pasar las tardes, aprovechando no solo para explorar mazmorras, sino incluso para pegar tiritos en el Counter-Strike. Por eso, aunque mi altavoz sea muy escaso, quiero reivindicar una vez más para mi generación y para las demás la revolución que significó la aparición del primer juego de la saga Diablo, pero sobre todo servir de voz para todos aquellos jóvenes, ahora ya crecidos, que recuerdan con cariño y nostalgia la grandeza de poder jugar a semejante juegazo en una pequeña tele de tubo y con un mandito gris en sus manos.

Desarrollador: Vulgat.

Distribuidor: Vulgat.

Plataformas disponibles: PC (Steam).

Versión jugada: La de Steam a través de mi PC.

Fecha de lanzamiento: 26 de Octubre de 2017.

Género: Roguelike Tradicional.

Nivel de dificultad: Alto/Muy Alto/Extremo (Según la dificultad escogida).

Duración: Variable en función de la habilidad del jugador (Una Run ganada de principio a fin, me ha durado entre 55 minutos y una hora, aunque realmente le he metido una media de 11 horas para vencer en dos niveles de dificultad).

Estado: Finalizado en fácil el 6 de octubre de 2025, en normal el 14 de octubre de 2025.

Año 2008, tras muchas diatribas, una serie de desarrolladores centrados en el mundo de Roguelike decide en Berlín hacer 13 mandamientos que diferencian a un “Roguelike” o un “Roguelike puro” de lo que no lo es. Lo que pareciera un consenso de cuatro frikis dentro de un nicho, acaba convirtiéndose en algo esculpido en piedra, cuando los fanes de este género lo convierten no solo en: La interpretación de Berlín. Si no, también cuando no dudan en emplearla como arma arrojadiza contra cualquier pobre desgraciado que tenga la osadía de considerar cosas como Slay the Spire, Hades o Dead Cells. Roguelikes. Cuando clarísimamente no lo son… (Spoiler, eso dependerá realmente a quién le preguntes) Por lo que, tras idas y venidas, guerras lingüísticas de por medio, Devs saliendo a dar su propia visión e incluso caza de brujas, internet decide hacer lo que es justo y correcto, separar a estas dos vertientes en dos subgéneros: Roguelike tradicional, en el que entran cosas como Nethack, Brogue o ADOM, entre muchos otros, y los Roguelikes modernos, de los cuales hemos citado ya algunos ejemplos y es lo que se le suele venir a la cabeza al jugador medio cuando piensa en este nicho en particular. Antes de que me preguntes, hacer esta aclaración es necesario para entender no solo al título al que nos enfrentamos hoy, sino también para comprender que cuando hablamos de los juegos que buscan emular el estilo tradicional o directamente se enmarcan en dicha definición, tienen un diseño jugable radicalmente opuesto a lo que solemos estar acostumbrados y, por ende, aunque hemos podido palpar algunos exponentes a lo largo de estas últimas décadas, no es que sea precisamente uno de los nichos ni más jugados, ni más conocidos…

También quiero decir que todo esto es nuevo para mí, pues si bien conocía la interpretación de Berlín, no es que haya tratado con muchos Roguelikes más tradicionales, por lo que considero interesante aprovechar este espacio que nos ocupa, además de la festividad de Halloween, para abrir la veda y poco a poco introducirnos en este fascinante subgénero, que, pese a todo el esnobismo que le rodea, también está cargado de historia del medio, experimentos interesantes, además de propuestas estimulantes para todos los públicos si se sabe buscar dónde. Por lo que, como tenemos que empezar desde algún sitio, hoy vamos a explorar en mayor profundidad el trabajo de Jeremiah o Vulgat, desarrollador independiente responsable de Golden Krone Hotel, un magnífico roguelike tradicional que combina sensibilidades modernas con los elementos habituales que definen al género, siendo un cóctel la mar de interesante que no sé si llegará a más gente, pero del que tengo muchas ganas de hablar y estoy seguro de que al menos le despertará la curiosidad a más de unx.

Así que poneos cómodos, que hoy nos toca chupar sangre…

Nuestro objetivo será llegar hasta Fane y cobrarnos nuestra venganza, o no…

Golden Krone Hotel nos pone en la piel de Sorina Arobase, una cazadora de vampiros que se las vio en el pasado con Fane, el príncipe vampiro exiliado. Ahora, maldita, recibe una invitación de su antiguo enemigo para que se reúnan en lo más alto del Hotel Golden Krone, si es que nuestra heroína puede llegar viva para contarlo, ya que nuestro anfitrión se ha encargado de llenar las salas de unos magníficos invitados, que harán algo más que darnos una cálida bienvenida… Si bien hay personajes con los que podemos hablar de diferentes facciones que nos dan pinceladas acerca del mundo, el rogue no hace demasiado hincapié en la narrativa y realmente tampoco es necesario, porque, como sucede en otros exponentes del género, la premisa es tan solo una excusa para meter al jugador a mazmorrear; es más, hay juegos que directamente ni siquiera tienen una narrativa, como es el caso del referente de esta obra: Dungeon Crawl Stone Soup, que más allá de hacerte buscar el orbe de Zot, no es que tenga mucho más que decir. Es más, no sería hasta determinadas escisiones del género como los Pokémon Mundo Misterioso o el The Guided Fate Paradox donde veríamos un intento de acercamiento a intentar contar historias, con resultados de todo tipo. Esto también permite que esta clase de juegos pueda meterte todo tipo de criaturas, situaciones, profesiones, razas o localizaciones; por eso, aunque el juego de Vulgat se desarrolle en un hotel, puede tener un salón de fiestas con goblins artificieros, una galería llena de gorgonas y espejos o incluso la posibilidad de viajar a lugares como un zoo o el mismísimo infierno. También es lo que permite que el propio Fane tenga contratados tanto a humanos como a vampiros, sin que haya demasiada rotura de la suspensión de la incredulidad, pese a que estos no peleen abiertamente entre ellos cuando se ven.

Lo que funciona en estos juegos y lo que te hace querer volver es todo el apartado mecánico, además del funcionamiento puro del gameplay, que se va aprendiendo a capas, experimentación, pero sobre todo a través de ensayo y error. La base es simple: Empezamos en lo más bajo del hotel y hay que subir a la décima planta para poder plantarle cara al jefe final en el camino deberemos obtener cuatro anillos de un total de 9, para así desbloquear el acceso. La localización de estos anillos siempre está detrás de los mismos lugares y bosses, pero los accesos a los mismos serán aleatorios en cada partida, por lo que, por ejemplo: Los baños se abren o bien en el piso 3 o en el 4, sin embargo, en esas mismas habitaciones, también se puede abrir el acceso a la cloaca y al invernadero. Si se abre la primera localización mentada, el invernadero no aparecerá en esa run y viceversa, mientras tanto, las alcantarillas pueden aparecer o no. Si aparecen las anteriores, incluso puede llegar el extremo de que solo se abran estas y no se abra nada más en estas estancias, obligando al jugador a subir al piso 5 o 6 para buscar otro lugar donde recolectar los anillos. También se le añaden un montón de mecánicas más que iremos desgranando en breve, pero lo más importante de estos juegos es que el tiempo solo transcurre cuando realizamos acciones, es decir, que si nos mantenemos quietos, todo se detiene, pero al movernos, atacar, descansar, ingerir pociones o lanzar conjuros, todos los que se encuentren en la sala también actuarán. Estos dos elementos son la base fundamental no solo de Golden Krone Hotel, sino de todos los juegos de este tipo, y saber dominarlos puede hacernos avanzar o directamente hundirnos en el pozo nada más empezar. Tener claro a dónde dirigirse, cómo moverse, cuándo actuar, cuándo esperar e incluso qué hacer es vital, siendo este tipo de obras, en muchas ocasiones, juegos más estratégicos a la par que sesudos que otros también de turnos, pero más comunes y centrados en otros aspectos como la narrativa. Llega a ser tan capital que muchas veces hay partidas que literalmente ya están perdidas nada más empezar, por una mala decisión, un camino abierto que dificulta más de lo que debería o directamente escoger una clase a la que no te ajustas bien o requiere una mayor planificación para usarse correctamente.

Porque ese es otro punto importante, las profesiones del juego. Habitualmente, en este tipo de videojuegos, un factor decisivo que aporta muchísima rejugabilidad y que permea totalmente la experiencia son las diferentes clases, aquí expresadas como disfraces u outfits para Sorina. Si bien empezamos solo teniendo disponible al oficial, que es el traje por defecto, a medida que juguemos iremos desbloqueando más y más, hasta tener un total de 18 para elegir, afectando significativamente a la partida, ya que cada una tiene una serie de ventajas y desventajas que la hacen totalmente diferente al resto, añadiendo también que en algunas comenzamos siendo humanos o vampiros, por lo que añade una capa extra de dificultad según los casos. Por poner ejemplos rápidos: Tenemos al mercader, que aparte de empezar como humana, tiene 1000 de oro de fondos y se cura recogiendo dinero; tenemos a la cultista, una clase vampírica centrada en aprender dones vampíricos y explotarlos pese a que tiene una fuerza inicial más baja; También hay diferentes tipos de magos en el juego como el de hielo, devastador en su campo, pero incapaz de aprender magia de otro tipo, el de luz que sea vampiro o humano, emite luz natural o al erudito que es el mago estándar y que se potencia enormemente gracias a su enorme inteligencia, además de saber bien qué hechizos aprender; pero es que esto no termina aquí tenemos trajes tan locos como el que te permite convertirte en hombre lobo, el del comandante que te permite usar ejércitos de NPCS humanos o vampíricos o el Revenant que es un espíritu que solo se cura al consumir pociones, pero que no sufre hambre u otros estados alterados. Si bien no llega a los niveles de Tales of Maj’Eyal que tiene una inmensa combinación de razas y oficios, además de que tampoco está tan balanceado como debería con ciertas opciones, es bastante disfrutable probar y experimentar con todas, hasta encontrar la más óptima para ti, dándote juego suficiente para decenas de horas si tu intención es exprimirlo, o bien tener la sensación de que estás experimentando diferentes estilos de juego y posibilidades con las opciones disponibles si solo vas al grano (como fue mi caso).

Una de las clases más interesantes es el Alquimista, que permite identificar pociones y transmutarlas, aunque empiece como vampiro…

Pero lo que hace verdaderamente único a la par que interesante a Golden Krone Hotel son su conjunto de subsistemas y mecánicas que hay que ir poco a poco descubriendo a la par que dominando para salir airoso de los diferentes peligros que se nos avecinan. Antes mencioné levemente el vampirismo, que es uno de los elementos fundamentales del juego, ya que la dualidad entre humano/chupasangre tiene ligada un montón de submecánicas y elementos tonales, conformando dos acercamientos radicalmente diferentes, pero intrínsecamente ligados… Ser humano implica poder realizar magia, descansar para curarse, poder disparar con el revólver y no ser atacado por la facción de los cazadores de vampiros; sin embargo, sentimos hambre que se ve aumentada moviéndonos, peleando o realizando conjuros, las tiendas son más caras e inevitablemente vamos poco a poco convirtiéndonos en vampiros. Como criaturas de la noche, aumenta nuestro ataque físico, podemos acceder a dones a través de la sangre demoníaca, podemos curarnos consumiendo charcos de sangre que sueltan nuestros enemigos al ser golpeados, no sentimos hambre, vemos y podemos ocultarnos en la oscuridad y otros vampiros nos ven como aliados, pero entre sus desventajas tenemos una reducción enorme del atributo de inteligencia en conjunto con una menor resistencia a la magia tanto el agua como la luz solar nos dañan y si estamos mucho tiempo sin ingerir alimento, perdemos vida de manera progresiva… Aunque uno pareciera mejor que otro, al final no se trata de elegir uno sobre otro, sino de ir jugando inteligentemente con ambos. Una clase mágica podría estar en enorme desventaja vampirizada, pero también puede aprovechar la transformación para reservar maná y hambre, hasta que vea conveniente reconvertirse en humana; un personaje centrado en pura física gana ciertos bonos de combate si pasa a transformarse en monstruo, a costa de perder otras ventajas. Como el juego da herramientas para pasar rápidamente de un estadio a otro gracias a las pociones, es muy fácil sopesar bien en qué momentos conviene una forma u otra, si has administrado bien tus recursos.

Pero como dije antes, esto tan solo es la punta del iceberg. Mencioné de pasada en el párrafo anterior las facciones, que es un mecanica interna no explicada en la que, según en qué estado nos encontremos, tendremos unos enemigos determinados. A veces, cuando nos vemos rodeados de vampiros, puede ser interesante transformarse en uno para tomar un respiro o viceversa para darle esquinazo a cazadores humanos. Hay jefes en el juego que pertenecen a un bando u otro y solo podremos atacarles si estamos en el equipo contrario, forzándonos a enfrentarlos haciendo gestiones antes del cambio (si es que no, nos encontramos la sorpresa por primera vez). Además, hay facciones neutrales como los licántropos o los murciélagos que son atacadas por todos los enemigos, a favor de tener sistemas de juegos únicos, o la facción de los monstruos, que es exclusiva de los NPCS y es hostil con todo el mundo… Tan solo es un subsistema más, pero ya da muchísimo juego dentro de la obra y es muy interesante tanto de explotar como de descubrir. También dije antes sobre el agua y el sol; en el caso de la primera, hay estados alterados diferentes en función de cuánto estemos metidos pasando de mojados a sumergidos y dando pie a situaciones diferentes, por ejemplo: Mojarse implica ganar resistencia al fuego y, en el caso de los vampiros, ganar dicha ventaja, más daño progresivo adicional en caso de estar sumergido, somos inmunes al fuego, pero tanto atacar como desplazarnos cuesta el doble, infligiendo daño severo a los chupasangres estar en esta situación; existen tanto localizaciones, enemigos, como jefes y conjuros que pueden generar estas situaciones, por lo que aprender bien su funcionamiento puede ser vital según donde nos encontremos. Por otro lado, el hotel es enfocado directamente por el sol, día a día, existe todo un sistema de tiempo (concretamente, un ciclo completo de día-noche son 180 turnos) para la incidencia de los rayos solares. También hay que añadir que estos siguen una trayectoria realista, según el espacio y la hora, entrando también en juego tanto la noche como la fase lunar. Entender cómo funciona esta mecánica es otro pilar fundamental para poder salir airoso, los cazadores humanos astutos jugarán durante el día y aprovecharán la luz, para intentar que los vampiros enemigos pisen en falso y ardan por contacto con el sol, además de utilizar sortilegios o balas para romper ventanas y con ello utilizar el tiempo a su favor, mientras los vampiros serán cuidadosos moviéndose en lugares oscuros durante el alba, evitando zonas abiertas y se desplazarán libremente cuando caiga el sol, aprovechando las zonas en penumbra para sorprender a sus enemigos. Porque no entender esto, puede llevar a más de uno, a algún que otro susto o sorpresa innecesaria…

Todo esto se complementa tanto con los conjuros, los dones, además de las pócimas, que son herramientas imprescindibles para hacer las partidas más exitosas. No todas las clases tienen acceso o necesitan tener acceso a poderes, pero todas van a emplear pociones, por lo que entender el funcionamiento de las mismas es capital, junto con el factor de riesgo-recompensa que ello implica me explico: Quitando una clase del juego que conoce que hace cada brebaje, el resto cuando recibe uno, debe ingerirlo para poder identificarlo, ya que en el menú se nos mostrarán tres efectos posibles que puede tener cada una de las bebidas, esto consigue que haya cierta tensión a la hora de emplearlas, dándole también cierto factor estratégico, como en esta selección es donde encontramos objetos que recuperan el hambre, que cambian estadios, que curan heridas, que eliminan estados alterados, pero que también producen explosiones, envenenan, invocan monstruos o incluso enseñan dones, es toda una lotería a la que ir arriesgándose a jugar, para poder avanzar, porque tener identificadas determinadas pociones, nos permite más adelante ir jugando sobre-seguro e ir empleándolas de manera más adecuada conforme podamos reponerlas (En el juego hay una abundante cantidad de pócimas y existen dos localizaciones especificas donde su número se multiplica) Además hay clases muy dependientes de ellas, como los hechiceros que las necesitan para reponer hambre y mana o el Revenant, que no se puede curar de forma natural, solo ingiriendo brebajes. Por otro lado, aunque los hechizos y poderes vampíricos son más opcionales, también pueden ser muy útiles si se explotan bien, por ejemplo los hechizos de hielo generan agua y también dañan más a criaturas tanto acuáticas como mojadas o sumergidas, por lo que si se utilizan adecuadamente pueden ser devastadores, ataques como el rayo o la columna de fuego, pueden producir daños severos, si se combinan con el conjuro Clever, que reduce el consumo de mana a la par que mejora la inteligencia del hechicero, pero es que también tienes hechizos para levitar, para aumentar el poder físico, para curar e incluso para empujar a los enemigos, por lo que con un poco de astucia, pueden ser muy eficaces. Los dones que son su contraparte son arrasadores, produciendo miedo, invisibilidad, silencio, permitiendo embestir o esquivar ataques e incluso haciendo cosas como que los enemigos no sangren, generen charcos para recuperarse fácilmente, sin embargo, como los vampiros no poseen maná, hay un riesgo mayor al tener que emplear la propia barra de vida para utilizarlos.

Conocer cómo funcionan cada una de las mecánicas, será fundamental para poder salir airosos del hotel.

Aunque pueda parecer abrumador tantos sistemas y mecánicas a tener en cuenta para poder jugar de manera eficiente, si por algo se caracteriza Golden Krone Hotel es por su sencilla curva de aprendizaje, combinado con su interés por que todo sea lo más accesible posible. Muchos otros exponentes del género, para poder ser jugados, requieren por parte del jugador aprender a poder vislumbrar qué demonios está pasando. Esto viene de la herencia de Rogue, que se centraba en mostrarse con lenguaje ASCII para poder ser ejecutado por cualquiera en su ordenador, pero que a día de hoy implica más problemas para el neófito más acostumbrado a dejarse guiar mínimamente por los gráficos que otra cosa, por lo que ya el simple hecho de que el juego de Vulgat te permita disfrutarlo de una manera más clásica o más moderna es un primer gran paso. También hay que añadir que muchos de estos juegos no se tutorializan o su tutorial es mínimo; aquí se cubre lo suficiente para que puedas entender cómo funciona bien el juego, para posteriormente ir probándolo en fácil, hasta que te vayas acostumbrando a los diversos niveles de complejidad del título. Es más, tiene un modo de accesibilidad en las opciones, que hace saltar un aviso cada vez que nos metemos en un sitio complicado, sirviendo de ayuda en los primeros compases para recordarte determinadas mecánicas como la del agua o el sol, hasta que te veas preparadx para desactivarlo. Otro de los puntos a favor que tiene es que está activado el movimiento en 4 direcciones por defecto, lo que también suaviza la obra, ya que en este tipo de juegos es muy común el movimiento diagonal y aprenderlo no solo requiere tiempo, sino que además genera frustración, pues es muy habitual que los enemigos busquen las esquinas o rodearte en grupos o columnas para castigarte golpeando de esta manera. Al tener este modo activado, si bien no puedes ni moverte ni atacar de esta manera, los enemigos tampoco, por lo que puedes jugar más tranquilx, hasta que te acostumbres a usar elementos como los pasillos, escaleras o zonas oscuras.

Hay que añadir también que el esquema de control de este videojuego es bastante variado y fino, cosa que no suele ser tan habitual en otros productos de este nicho, que centran casi toda su jugabilidad o bien en comandos o bien en reducirse todo a teclas o ratón aquí tienes esas opciones, pero también puedes jugar con un mando o con tu propio pc consolizado (Steam Deck, Rog Ally. etc.), si dispones de uno, lo que hace que encontrar la manera óptima de jugar para cada uno sea aún más sencillo. En mi caso personal, yo empecé con el teclado, pero tras probar con mi controlador de Xbox, acabé jugando siempre con él, puesto que era mucho más cómodo para mí ejecutar tanto los comandos como emplear herramientas como examinar (utilidad que no hemos tocado, pero que funciona muy bien para aprender); incluso cosas como el movimiento se me hacían mucho más ágiles empleando este método. Aun con todo, la obra te da suficientes maneras de ir poco a poco desgranándola a tu ritmo. Otro punto a resaltar, es que si bien, no hay ayudas o consejos directos durante las runs, cada vez que mueres si saltan en el menú de fin de partida, indicándote cúal es el error que has cometido antes de diñarla, así como una serie de tips que podrías haber empleado para no volver a cometerlo… Si bien no son indicaciones demasiado específicas en función de cada fallo, sí son lo suficientemente efectivas para tenerlas presentes e ir aprendiéndolas a través de cada paso en falso, porque hasta los elementos más nimios deben ser interiorizados para ir jugando cada vez mejor.

Otra cosa a tratar de manera positiva es que la obra de Jeremiah no tiene una gran variedad de enemigos, biomas o sistemas, más allá de lo ya dicho, por lo que para alguien nuevo en los Roguelikes tradicionales es una bendición, porque, al igual que muchos de sus predecesores y coetáneos, tiene una curva de aprendizaje algo elevada que hay que ir asimilando para poder avanzar; sin embargo, como muchos de sus elementos se comparten entre diferentes partidas, con leves variaciones, es más fácil comprenderlo todo a base de pura repetición. Volviendo al ejemplo de los pisos 3-4 y sus ramas, ahí en esas localizaciones, la semilla procedural va a generar siempre o la alcantarilla, o los baños o el invernadero; la primera vez que visitas esos sitios, es evidente que vas a ciegas, pero como siempre que juegues es probable que pises uno de los tres, cuando hayas jugado un montón de runs, aunque cambie la orografía, vas a saber cuál es mejor para entrar, que enemigos habitan allí, el jefe que puede estar en su interior, así como que estrategia emplear para obtener el preciado anillo que se guarda tras el boss a batir (menos en las cloacas, que es más una zona de leveo) esto consigue que poco a poco, con las configuraciones adecuadas, puedas ir sintiendo que puedes solventar con mayor facilidad los diferentes retos que te presenta el juego, pues a base de ir experimentado con ellos, encontraras las formulas que mejor se ajusten a tu situación actual, clase y recursos disponibles. En cierta medida, puede recordar a aquellos fans de los juegos de estrategia, a su juego favorito, donde a base de ir jugándolo horas y horas, mientras asimilas sus sistemas, ves tutoriales y pones en práctica diferentes planes, es como vas creciendo como jugador. Por cierto, este juego también tiene recursos en línea lo suficientemente concisos para ayudar a gente más perdida, como es el caso de su wiki oficial o este excelente tutorial, entre muchos otros.

La inspiración directa de este juego, Dungeon Crawl Stone Soup, si bien tiene un buen puñado de tutoriales para aprender, no llega a las cotas de accesibilidad de Golden Krone Hotel…

Pese a todo lo bueno dicho, el juego de Vulgat no está exento de fallos. El primero y más acuciante es que no está del todo bien balanceado, porque si bien hay clases muy eficientes, también hay oficios desastrosos que hacen el juego más difícil de lo que deberían. Por ejemplo el mago de teletransporte o el mago de luz que mencionamos unos párrafos más arriba son profesiones bastante reguleras, que no terminan de funcionar bien, sin mucho trabajo por parte del jugador o teniendo que ser empleado por expertos en la obra… Esto consigue que jugar con el oficial, el erudito, el alquimista o el revenant sea mucho más productivo para alguien que solo quiere disfrutar del juego sin complicaciones… El segundo, y también a tener muy en cuenta, es precisamente el escaso contenido y el factor de repetitividad que tiene el título. Si bien puede ser muy bueno que todo sea muy similar a medida que juegues, también hace que se sientan las runs muy parecidas unas a otras, matando parte de la emoción del descubrimiento a medida que juegas y haciendo que muchas partidas se centren más en la optimización, una vez ya conoces mejor todo, que en ir poco a poco desgranando o enfrentándote a cosas nuevas que puedan surgir, consiguiendo que un jugador dedicado quizás a las 20-25 horas ya haya visto todo lo que el título tiene para ofrecer. Por eso otros exponentes tienden a meter muchos más subsistemas, localizaciones, enemigos, razas o clases, empantanando más sus juegos, obligando al jugador a hacer un esfuerzo extra para comprender bien todo. Pero a la vez dándole muchísimas más horas de contenido en el proceso, donde además también está descubriendo un sinfín de cosas nuevas. Siéndoos honesto, yo siempre he preferido un contenido más escueto y más fino, pero yo no soy el jugador promedio en general, ni de la industria ni de este nicho, por lo que si muchos de estos juegos tienden a esos derroteros, es porque precisamente su comunidad es quien lo demanda…

Aun con todo, sigo pensando que Golden Krone Hotel es un excelente exponente del Roguelike tradicional, que sabe muy bien introducir a aquellos curiosos en el género, presentando un juego simple a primera vista, pero complejo, con una interfaz limpia, diferentes maneras de poder controlarlo, suficientes opciones para contentar tanto a novatos como asiduos y el contenido necesario para poder disfrutarse un puñado de horas. Si bien es cierto que su simplicidad también puede servir para alejar a unos cuantos, teniendo en cuenta que la mayor parte de los jugadores comunes va a desconocer tanto este título, como aquellos reservados para un público más exigente, descubrir, aprender y dominar obras como estas va a ser un trampolín perfecto para sumergirse en cosas más elaboradas a la vez que se descubre un poco más de un nicho bastante desapercibido para la mayoría, que como mucho ha paladeado con cosas como Crypt of the Necrodancer, los juegos de Mundo Misterioso o alguna pieza experimental de compañias como NIS o Idea Factory, y si me apurais, puede que ni eso, dados los derroteros por los que nos movemos hoy, donde la gente cada vez juega menos novedad o experimentación y se dedica a utilizar los juegos como entretenimiento fácil y rápido, sin mayor interés en algo que no sea eso que la industria le ha puesto por delante… Por lo que el hecho de que existan juegos como estos, pese a la dureza de lo que puede haber fuera, es una victoria, porque son el precedente que poco a poco debe ir tomando el género para acercarse a gente que pueda estar interesada, pero no con la suficiente paciencia para afrontar desafíos aún más duros o complejos. Camino que por cierto ya han empezado también a recorrer los Blobbers o Fist-Person Dungeon Crawlers y que espero que podamos tocar otro día.

En resumen, traeros hasta aquí Golden Krone Hotel, ha sido un experimento bastante satisfactorio, no solo porque me ha abierto más los ojos en cuanto al género de los Roguelikes tradicionales, sino que además a abierto la veda, para ir desgranando aún más este pequeño nicho, servir de referencia para aquellos que puedan tener cierto interés pero no conozcan mucho acerca de este fascinante mundo y en definitiva abrirle los ojos a todos aquellos que pensaban que los roguelikes eran cosas como Hades, Vampire Survivors o Dead Cells, que paradojicamente son mucho más conocidos actualmente y jugados que muchos de los representantes clásicos más vitoreados por los hardcoretas del supuesto rogue puro y duro, dado que han sabido adaptarse a sensibilidades más modernas, en vez de buscar emular tanto las sensaciones de antaño o contentar aquellos que solo buscan más de lo mismo… Aun con esas, debemos vitorear que cada vez existan más opciones en este medio que nos permitan disfrutar de géneros antaño más tapados, porque una vez que empecemos a recorrer este camino, serán muchas más obras las que queramos experimentar, para bien emular esos sentimientos iniciales o para descubrir títulos que se nos resistían, pero que ahora pueden ser fuentes de diversión o fascinación aún más grandes. Quizás el trabajo de Vulgat no vaya a revolucionar nada, pero como dije en el anterior post, a veces solo necesitamos dar el primer paso para poder empezar a echar a andar, y si ese empujón te lo da, un juego tan fascinante y amigable como Golden Krone Hotel… Bienvenido sea.

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Desarrollador: Nihon Falcom.

Distribuidor: Nihom Falcom.

Plataformas disponibles: FM 7, PC-88, PC-98, MSX, X1, Game boy, Sega Saturn.

Versión jugada: Saturn a través de emulación en la Steam Deck

Fecha de lanzamiento: 10 de septiembre de 1984 (original), 6 de noviembre de 1997 (Sega Saturn)

Género: Proto-JRPG, Proto-ARPG, Dungeon Crawler.

Nivel de dificultad: Alto (Requiere conocer las bases y no estan explicadas en el juego y tampoco hay manuales en línea en español o inglés, por lo que hay que tirar de guías)

Duración: 6 horas o más en función de la paciencia del jugador.

Estado: Finalizado el 21 de Septiembre de 2025.

A fecha de salida de esta publicación, la veterana empresa nipona de JRPG, Nihon Falcom, habrá lanzado y estará celebrando el lanzamiento del remake de la primera entrega de una de sus sagas más prolíficas: Trails. Con la nueva reedición de Trails in the Sky, una versión que, gracias a su traducción, rediseño y pulido, quiere convertir a su franquicia en lo que siempre debió ser en nuestras tierras, una punta de lanza en lo que se refiere al vasto mercado del RPG japonés puro y duro, que lleva siendo machacado por el equipo de Masayuki Kato desde hace más de cuatro décadas. Sin embargo, pensar que todo el trabajo de esta compañía se reduce a la saga Kiseki o a los Ys es pecar de tanto reduccionismo como de ignorancia. Aun así querido o querida lectorx, si estás leyendo estas palabras con cierto grado de enfado, no te culpo, pues mientras para nosotros Squaresoft o Enix, en menor medida, eran el pan nuestro de cada día, empresas como Atlus en ese entonces o la que estamos tocando hoy eran más una raya en el agua del escaso charco que representaban este tipo de obras que algo consistente que pudiéramos recordar…

Así que hoy, aprovechando que hace poco se cumplieron 41 años del lanzamiento original del primer Dragon Slayer y que, todo sea dicho de paso, es una genial excusa para explorar un juego bastante desconocido para nosotros, además de ser predecesor de Xanadu, al cual en un futuro también me gustaría dedicarle unas líneas. Qué menos que aprovechar la ocasión para enfundarnos las botas y sumergirnos de lleno en un videojuego, que fue más influyente de lo que aquí podríamos imaginar, que resultó vital al sentar las bases de trabajo que seguiría una de las empresas más importantes del medio, pero sobre todo consiguió poner a personas como Yoshio Kiya, Tadanobu Inoue o el queridísimo Yuzu Koshiro en el radar e imaginario colectivo de cientos de japoneses, amantes de la informática, pero sobre todo de los juegos de aventuras, que acabarían siendo la base, con la que conocemos este género a día de hoy.

Una de las primeras imágenes de Yoshio Kiya, trabajando en las oficinas de Falcom.

Antes de hablar del juego en sí, sería interesante hacer un poco de retrospectiva y remontarnos a los orígenes de la empresa. Falcom es fundada el 9 de marzo de 1981 por Masayuki Kato, antiguo trabajador de una empresa automovilística japonesa; su misión allí como informático era realizar diferentes tareas con los equipos rudimentarios de la época. Durante su estancia, su jefe ve potencial en él y le asigna un puesto de responsabilidad en una nueva sucursal ubicada en Tailandia, donde sería responsable de la mayoría de toma de decisiones, así como de diferentes procedimientos administrativos. Es aquí donde Kato descubre a la empresa Apple, junto a su flamante nuevo equipo: El Apple II. Tras adquirir uno, aprender su funcionamiento y hacer modificaciones rudimentarias de software y videojuegos para su hijo, el protagonista de nuestra breve historia queda fascinado y, pese a llevar una carrera intachable en su sector, decide poner toda la carne en el asador en su sueño, abandonando su puesto para fundar su propia empresa: Nihon Falcom, una empresa dedicada tanto a la venta de ordenadores como al desarrollo de videojuegos y programas. Sin embargo, pese a todas las ilusiones de su fundador, sus andaduras por el sector estarían totalmente alejadas de lo que él tenía planeado.

Durante cierto tiempo, Falcom se dedicó a dar asistencia técnica y administrativa a empresas públicas japonesas. Es tras su colaboración con JICA que el pequeño equipo de Kato puede empezar a hacer rodar su negocio con Computer Land Tachigawa, donde por fin se encargaría de la distribución de equipos y software de Apple. Pero aun con esas, la tienda no terminaba de arrancar, dado el género que ofrecían, junto a su elevadísimo precio, por lo que, juntando toda su experiencia, el fundador de Falcom, optó por diversas estrategias, como dejar a los clientes probar los equipos durante sesiones largas, ofrecer material en papel de forma gratuita o tazas de café a todos los que estuvieran por el establecimiento. Estas estrategias dieron resultado y fueron atrayendo a jóvenes programadores; entre estos aparecería otro de nuestros protagonistas: Yoshio Kiya, un joven mecánico, amante de la informática, que en su tiempo libre desarrollaba videojuegos y que solía frecuentar el local para poder trastear con equipos que, dada su situación, no podía permitirse… Es a través de las idas y venidas de Kiya, que empieza a entablar relación con el dueño, consiguiendo obtener su ayuda para la creación de su primer juego: Galactic Wars, obra que a la vez allanaría el camino de la Nihon Falcom que conocemos a día de hoy.

Poco a poco, Falcom iría metiendo las patitas en el desarrollo, mediante diversos juegos de todo tipo de géneros, desde juegos de acción, pasando por rompecabezas de tono erótico, hasta obras de aventuras siendo estas, las más queridas y recordadas, empezando por Panorama Toh, el que sería uno de los germenes de la obra que hoy nos ocupa: Dragon Slayer. El juego que hoy nos ocupa nació en el 84 tras una competición entre Yoshio Kiya y Tadanobu Inoue (otro empleado de la compañía) para ver cuál de los dos programaba mejor y podría crear el próximo gran hit de la empresa. Inspirado en The Caverns of Freitag, Kiya creó su propia versión para PC88, consiguiendo la victoria, relegando la versión de Inoue a ser publicada primero como prototipo y luego como expansión en la revista LOGIN. Aunque parezca poca cosa, esto fue un gran hito dentro de la historia de los JRPG japoneses y permitiría a Kiya empezar su meteórica carrera como desarrollador, que luego explotaría con Dragon Slayer II: Xanadu y sucesivas entregas de la saga, convirtiéndolo en una figura tan importante dentro del país como lo serían Yuji Horii o Hironobu Sakaguchi, aunque para nosotros los occidentales parezca cuento chino…

Comparativa entre diferentes versiones. A la izquierda la versión original de PC-88, a la derecha, la de Saturn.

Metiéndonos ya de lleno en el juego en sí, es interesante explorar obras tan primigenias, porque nos permiten no solo ver cómo eran los videojuegos antaño, sino también trazar una línea hasta la actualidad, viendo como ha ido transformándose el medio. Dicho esto, jugar actualmente a Dragon Slayer, es equivalente a deporte de riesgo. A menos que, al igual que yo, te guste la arqueología o sientas una inmensa curiosidad por cuáles fueron los orígenes de Falcom o del JRPG, debo desaconsejarte claramente que empieces por aquí, porque tanto el juego del 84 como sus posteriores versiones o remasters tienen de todo, menos aquellas cosas que podríamos llamar “calidad de vida”, y esto puede ser una gran barrera para muchos o directamente una fuente de tedio interminable, que el juego no trata ni de limar ni de esconder; es más parte de su gracia es que sabes a lo que vas cuando estás zambulléndote en él. Así que con esto en mente por delante, es como decido meterme aquí, para contaros mi experiencia, quizás no del todo exacta, pues elegí la versión supuestamente más accesible y a la par más incompleta, pero eso lo desarrollaremos un pelín más tarde, pero aun así me parecía menester aclararlo, puesto que más allá de mi supuesto “análisis” y la retrospectiva de TodoRPG en formato de video, no es que haya más fuentes en la lengua de Cervantes de este juego…

Ahora sí, al turrón. ¿De qué va Dragon Slayer? La premisa es simple somos un guerrero que se infiltra en una serie de mazmorras para acabar con un dragón y no, no hay más, no hay grandes giros argumentales, ni pueblos en peligro, reyes, princesas o más personas involucradas eres tú y la gran bestia a batir, junto a sus esbirros, que más que tener un trasfondo o un motivo, están pensados para o bien destruirte o bien ser una molestia (un saludo al mono verde); por haber, no hay ni explicaciones de por qué nuestro héroe tiene una especie de casa/cabaña en el interior de estos lugares. Probablemente algún amante del retro se esté tirando de los pelos, elevando su puño al cielo y gritando que porque narices no me he leído el manual antes, pero cuando tu supuesta fuente de información está en japonés, poco más se puede rascar al respecto… Y sí, hay guías en internet, pero no te van a aclarar más que las mecánicas básicas y da gracias, porque el resto, te va a tocar a ti a base de paciencia y coscorrones aprenderlo y, si bien es cierto que no es lo más óptimo para un juego de estas características, te hace en cierta manera retrotraerte a esos tiempos donde todo era más simple y los jugadores teníamos tiempo, pero sobre todo ganas, para invertir todo lo que esté a nuestro alcance para prosperar, aunque tuviéramos que perder tardes y tardes. No sé si Kiya lo tuvo en cuenta de manera intencional, pero debido a esto, Dragon Slayer juega muchísimo con el ensayo y error, pero sobre todo con la experimentación, cosa que algunos de sus coetáneos, como Hydlide, descartarían en pos de hacer una obra más líneal pero a su vez más obtusa…

Siendo claros, todas las mazmorras que componen el juego son iguales (2 para el juego base, el port de Game Boy y la versión de MSX, 20 para la versión 2.0, 2+7 si le metemos el parche de LEVELS o 5 si escogemos la versión de Saturn) y nunca cambian independientemente de cuando o como se inicie la partida, siempre que arrancamos, estamos en el mismo lugar, los secretos, enemigos o potenciadores siempre están en los mismos sitios y el dragón aguarda en una zona específica del mapa, que normalmente no suele estar marcada y que nunca varía, sin embargo, aunque la obra tiene cierto toque de RPG, premia más, el conocer bien nuestros recursos, así como las mecánicas básicas, además de conocer bien el terreno, pues cada dungeon aunque idéntica en cada partida, es diferente de todas las demás y por ende se aborda de manera diferente. Por ejemplo, la primera de todas funciona como un tutorial del juego, que se puede romper fácilmente si sabemos utilizar el hechizo Break, mientras la segunda implica aprender el uso de los transportadores, pues es el típico calabozo de teleportación que veríamos en miles de DRPG posteriores, mientras que la tercera mazmorra aglutina ambas cosas, haciendo que a su vez sea un laberinto para rizar aún más el rizo.

Esto consigue que, aunque la base siempre sea igual, haya un poco de componente estratégico, a la hora tanto de ver como abordar el desafío que se nos presenta, como de emplear determinados hechizos, enemigos o hasta el entorno como nuestra casa o las propias paredes. Cosas como ver si utilizar el anillo para mover bloques e intentar aprisionar una tumba y que con ello no spameen enemigos en esa localización, quizás intentar ubicar una llave al lado de un portal, que al otro lado tiene cofres, para poder ir abriendolos, más rápido y así transportar mejor su contenido o directamente ubicar tu casa en un punto lleno de recursos para evitar más idas y venidas, para con ello poder agilizar un poco más el grindeo, que junto con la experimentación, al final es la otra pata fundamental de la experiencia. Porque sí, si bien hay monstruos y eliminarlos nos reporta experiencia, esta solo sirve para aprender conjuros; para subir nuestra fuerza, requeriremos de cristales; para nuestra salud, de oro; y para nuestro maná, de pociones, que por cierto, en el caso de estas últimas siempre tendremos que cargar, pero todo lo demás tendrá que ser ubicado en nuestro hogar para poder reportarnos algún beneficio y, si hay alguna fase que no tenga suficientes recursos para afrontar al dragón o bien nosotros los perdamos por culpa de los enemigos, nos harán entrar en un softblock o directamente en un block que nos haga o bien reiniciar la mazmorra o quizás toda la partida.

El hechizo de Map junto con el de Break, serán capitales para desenvolverse mínimamente por las diferentes mazmorras.

Que el eje central del juego nos obligue a ir llevando en grupos grandes (en caso de las monedas o pociones) o de uno en uno (en caso de los cristales) los diferentes elementos a nuestra casa/cabaña para poder fortalecernos, es sin duda la decisión de diseño más tediosa jamás pensada. Podría deciros que una mazmorra media puede durar una media de entre una hora, hora y media si no la has jugado nunca, quizás 30-45 minutos si ya has tenido la oportunidad de probarla; fácilmente de ese tiempo, al menos el 70% estás grindeando o bien explorando para, por ende encontrar primero la ubicación del jefe y segundo, puntos a los que poder acceder para sacar materiales. Además, como las peleas reportan poco y se resuelven pronto, mediante el Bump System (en este sistema no hay animaciones de combate, si no que los personajes chocan y el que mejor ubicado esté y mejores stats tenga, más rapido golpea, menos vida pierde y más velozmente destruye al enemigo), muchas veces vas a estar esquivando a los enemigos, porque estos nunca dejan de spamear, añadiendo que, a medida que matas criaturas menores, empiezan a aparecer aquellas que reducen ataque, magia o incluso experiencia, por lo que acaba saliendo más a cuenta mantener los nidos controlados y solo usarlos para aprender rápidamente los hechizos que necesitamos, que ponerte a perder el tiempo luchando… Esto consigue que, aunque te la puedas pasar bien desentrañando el diseño de la mazmorra y viendo cómo abordarla, al final, en cierta manera, te la pases dando largas caminatas para simplemente fortalecer a tu personaje.

Tampoco ayuda el Dragón, que es un serio obstáculo a tener en cuenta. Para vencerlo, tenemos que destruir cada una de sus cabezas y estas tienen tanto 650000 de HP como 600000 de Ataque. Combina eso con el Bump system de este juego, que es un sistema incluso más primitivo que el de sus contemporáneos, encargado de priorizar el encuentro único sobre todas las cosas, haciendo todo más engorroso… Pues si golpeas al jefe y le quitas 5000 puntos de vida y él a ti te quita 10000, cuando te alejes, tú mantendrás el daño infligido, pero él volverá a tener todos los puntos de vida intactos en escasos segundos, por lo que, una vez más, sale más a cuenta patear la mazmorra e igualar tu HP y ataque a la salud del boss, para cuando te quieras enfrentar a él, de un toque destruyas cada una de sus cabezas y así te quites el primer problema de encima… Ah, pero espera ¿que hay más? Pues sí, porque una vez que destruyas al reptil, sus cuatro cabezas, expulsarán en diagonal cuatro coronas. El siguiente objetivo será, buscarlas, recuperarlas y llevarlas a nuestro hogar para así conquistar el calabozo, pero aquí es cuando viene el giro, porque siempre que derrotas al señor de la mazmorra, tu casa se teletransporta a un nuevo lugar al azar y el juego la rodea de nidos de enemigos, para que siempre que quieras volver, te encuentres con la sorpresita. A eso añádele que estas tumbas van a spamear de manera prioritaria enemigos de alto nivel especializados en reducir stats, y apaga y vámonos…

Además, escoger versión es como elegir qué tipo de veneno quieres meterte. El juego original y sus ports para otros PCs de la época te darán la experiencia original, a costa de no tener banda sonora, efectos de sonido terribles, infames tiempos de carga, combinados con una jugabilidad que es de todo menos ágil. Irte a la versión de la portátil de Nintendo te dará unos sprites más nítidos, pero está menos detallada en todo lo demás, se juega igual de lenta y solo contiene una pista musical, que, dependiendo de a quién le preguntes, te dirá que escucharla en bucle es para cortarse las venas… ¿Entonces, por descarte, es mejor jugar la versión de Saturn? ¿No? Eso es lo que pensé yo; sin embargo este port, pese a coger las mejoras de la versión 2.0, tener una pista musical más tranquila a la par que poco molesta y tener un diseño gráfico con estilo 16 bits precioso, tiene dos inconvenientes. El primero es que, por mucha capa de pintura que tenga, la experiencia base es la misma tanto para bien como para mal, el segundo punto y el más grave, es que no puedes terminarlo sin trucos. Sí has leído bien, necesitas trastear con el emulador para poder terminar el juego. ¿Por qué? Porque la fase final del juego se rediseñó en la consola de 32 bits y se cambió una área entera de piedras de subida de nivel por llaves, por lo que, hagas lo que hagas o intentes, lo que intentes estás vendidx al no poder llegar de manera legal a esos 650000 puntos necesarios de ataque para poder tumbar al dragón. Según tengo entendido, un usuario intentó hacer la maña de pegar la casa a las cabezas del jefe e ir yendo y volviendo antes de que se reseteara la salud del monstruo para así vencer la fase, pero tras estar varias horas seguidas, acabó dejándolo por puro aburrimiento… Yo también lo intenté, pero cuando me tiré una hora entera para bajarle 10000 puntos de HP, me acabé desesperando y alterando los valores de salud y ataque en Retroarch con la esperanza de terminar el juego de una maldita vez. ¿Resultado? Lo conseguí a costa de que me petara el juego en varias ocasiones mientras lo intentaba (menos mal que existen los save states). Así que, por mucho remaster que intentaran hacer, más que arreglar, reventaron el juego…

Muchas veces el dragón estará en las localizaciones menos predecibles.

Pese a todo lo malo, me he divertido probando e intentando terminar Dragon Slayer. Creo que, pese a que loop jugable es tedioso hasta el infinito, hay muchas buenas ideas e intenciones detrás de su diseño, siendo lo que pesa no tanto la intencionalidad, sino más bien el momento en el que fue concebido, situación en la que prácticamente el género del JRPG estaba naciendo y donde los dungeon crawlers que existían eran todos derivaciones o bien de Ultima y Wizardry o directamente iban a su propio rollo intentando experimentar a ver qué demonios acababa saliendo. El juego de Yoshio Kiya es literalmente eso coger una idea puramente experimental, dandolé su propio toque, para posteriormente venderla en un mercado que ni siquiera llegaría a imaginar que eso podría existir, que, pese a todo quedó tan fascinado que vendió lo suficiente, no solo para generar una secuela, sino también para conseguir influir en una serie de obras, que, junto a esta irían caminando para construir un género que, pese a lo que crea el imaginario colectivo actual, está mucho más vivo que nunca. El juego del 84 permearía titulos como su propia continuación Xanadu, Dragon Quest e incluso el primer The Legend of Zelda, que saldría un año y medio después terminando de perfilar asperezas que tanto la obra de Falcom, como la de T&E Soft solo podían intentar aspirar. Pero yéndonos un paso más allá, sin quererlo, Kiya estaba sentando también mucho de los elementos tonales, a la par que bases de diseño que también expandirían posteriores secuelas, no de su compañia u producto, sino de Sir-Tech y de otros desarrolladores japoneses que empezaron a sentir aunténtica fascinación por todo el mundo de los rastreadores de mazmorras, así como sus derivados.

El mundo ha olvidado al primer Dragon Slayer; decir que la obra se encuentra en el ostracismo, es a todas luces ser generoso, pues su rival directo y coetaneo Hydlide es más recordado, tanto como objeto de burla o como, en el caso de los que pudimos asomarnos a él de una manera más consciente, una pieza arqueológica que entraña más de lo que el occidental medio con Twitter y tiempo libre podría imaginar… Sin embargo, aunque el ARPG de Falcom cumple un rol similar, apenas existe consciencia de él, más allá de su valor histórico, sobre todo entre los flipados del género o de la arqueología videojuegil. Pues una vez más, el promedio está más ocupado peleándose entre sí por intentar tapar una carencia inexistente en un medio como es el JRPG, que irónicamente está más vivo y saludable que nunca, o directamente está echándose un Fifita, porque eso de los turnos, dragones y demás mandangas es para flipados que no se duchan… Y honestamente, tampoco les culpó, como ya he mencionado a lo largo de todo el texto, enfrentarse a juegos de rol siempre es complicado dada su complejidad y duración, pero se añade un handicap extra en los que tienen un corte más clasico, más allá de los 16 bits, puesto que las convenciones que tenemos asociadas al medio, nacieron con obras como Phantasy Star IV, Chrono Trigger o Final Fantasy VI, entre muchos otros, juegos con años de referentes a sus espaldas, equipos ya veteranos del medio siendo consciente de a lo que se estan metiendo, además de una tecnología lo suficientemente avanzada, para poder diseñar de una manera más consciente a la par que limpia, mientras que los juegos de 8 bits o menos, aún estaban arando el campo, como quien dice…

Aun así, creo que, aunque no todos vayáis a jugar a títulos como este, es necesario que se descubran, que exista divulgación, que la gente de a pie interesada no solo en el mazmorreo, sino también en el JRPG o ARPG, descubra más tanto del género que le gusta, como aprenda aún más sobre sus referentes, puesto que, aunque todos tenemos un origen, no siempre es fácil saber cuál es, en el caso de ciertas personas o empresas. A día de hoy, quizás no tanto en nuestra lengua, pero a nivel internacional, Nihom Falcom se ha convertido en una empresa muy a tener en cuenta. Quizás todavía no llega a los niveles de popularidad de los que gozan otras como Squarenix, sin embargo, sí se empieza a acercar a ese estatus de culto que tienen otros estudios, como el que se encarga de realizar los Tales of, o como consiguió Atlus en su momento antes de despuntar con Persona 5. Aun con todo, parece que el relanzamiento de su saga Trails, con el primer remake de Sky, parece ser el camino que quizás dentro de unos años coloque a la empresa nipona como la punta de lanza que siempre debió ser.

Parecería nimio, pero muchas veces, para llegar a algo, no se trata de tener la mejor idea, sino de empezar, de ir construyendo poco a poco algo, cayendo, equivocándote, pero creciendo, cambiando y mejorando en el proceso, para en definitiva encontrar tu camino. Cuando nació en el 84, Dragon Slayer no estaba destinado a ser un hit (Aunque Kiya lo pretendiera) nunca lo fue ni nunca lo será, pero aun con eso, si no existiera, quizás la Falcom que queremos y adoramos no existiría, jamás existiría Ys, menos aún Legend of Heroes y sin ellos, jamás nos podriamos haber acercado a todo lo que significa Trails y su macrouniverso. Así que aunque nadie te recuerde y aunque mañana nadie se acuerde de ti, gracias por ser la primera piedra en el camino a un género, Dragon Slayer, gracias por ser la raíz de tantos juegos que me gustan y que sé que me gustarán, pero sobre todo gracias por allanarle el camino a todos esos grandes títulos que muchos aún no conocen, pero cuando lo hagan disfrutarán igual o más que el próximo Expedition 33. Por otros 41 años más de legado… ¡Feliz cumpleaños atrasado!

Desarrollador: Wabbaboy (Miguel Arroyo)

Distribuidor: Wabbaboy (Miguel Arroyo)

Plataformas disponibles: PC (Steam)

Versión jugada: Steam Deck (PC)

Fecha de lanzamiento: 31 de Enero de 2025

Género: Soulslike en primera persona (Más cercano a King’s Field o Shadow Tower que a Dark Souls)

Nivel de dificultad: Bajo-Medio.

Duración: Menos de 5 horas.

Estado: Finalizado en solitario el 5 de Julio de 2025

Cuando empecé a escribir sobre videojuegos, mis primeras referencias fueron otros blogueros del mismo palo muy orientados a los juegos más tapados, más de nicho e incluso aquellos que se molestaban en darle una vuelta a ciertos aspectos lúdicos más desapercibidos del medio. No puedo negar que, en cierta manera, mis textos, aun perteneciéndome, olían como aquellos que una vez me sirvieron de inspiración. Lo mismo me sucede ahora que comienzo una nueva era aquí en Substack, aunque no sea mi intención. Probablemente puedas coger este escrito, separarlo de este espacio, pegarlo en el de ciertos escritores de renombre y no se diferencie demasiado, y eso está bien. Porque es a través de imitar a nuestros referentes como vamos ganando soltura para posteriormente desarrollar nuestro propio estilo, además de que aunque naveguemos por sus fórmulas, si jugamos bien nuestras cartas, pueden salir cosas realmente interesantes.

Esto sucede en todos los procesos creativos, en todas las artes y en todos los géneros, en mayor o menor medida. Es más, navegar ciertos tipos de obras, es una manera excelente de hacerse llegar a determinados tipos de públicos sedientos de la siguiente gran experiencia que les levante el piso a la vez que sea muy similar a aquella que les marcó en primer lugar. Esto es algo que las grandes empresas saben muy bien, por eso se dedican a cultivar de manera industrializada estas supuestas “modas” hasta que el empacho es tal, que toca irse a otra cosa… Sin embargo, aun con todo lo que conlleva que un segmento de obras deje de estar en el foco principal, muchas de estas “etiquetas” o maneras de crear, permanecen, transformándose y mutando en determinados nichos, que pase lo que pase, seguirán como buitres hambrientos esperando para devorar lo que sea, que les echen hasta que solo queden los huesos…

Los Soulslikes se han convertido en una nueva moda que poco a poco está empezando a mostrar signos de desgaste. Aquella tendencia que empezó con Dark Souls y que en cierta parte revitalizó Elden Ring, sigue atrayendo masas, pero no con el interés genuino que había hará ya una década, donde todo el mundo quería ser como la gran obra de Miyazaki, existir siguen existiendo los exponentes, salir, siguen saliendo al mercado, pero aunque cosas como Khazam, Rise of the Ronin o Black Myth: Wukong, buscaron dar un golpe en la mesa a través de probar nuevas fórmulas, han acabado convertidas en una raya en el agua, en el inmenso mar que conforma el imaginario colectivo. Mientras, los más pequeños, los menos sonados, han empezado a mirar hacia atrás, a explorar fórmulas que antaño fueron referentes, pero que nosotros ni siquiera llegamos a palpar, ideas ahora obsoletas que vuelven con un lavado de cara lo suficientemente atractivo para que nos parezca innovador, demostrando que existen más referentes a los que poder asomarse más allá de los cuatro más conocidos, además de que quizás hay ciertas estrategias de diseño que son más relevantes de lo que imaginábamos o incluso recordábamos. Y, entre todos ellos, está Flyknight.

King’s Field IV arranca con la premisa de que un ídolo maldito, corrompe la tierra de Heladin y a sus gentes, así que para detener sus efectos, el rey, junto a sus sabios, manda una expedición militar a la “Ciudad Antigua” antaño raíz de todo mal, para devolver esta fuente de oscuridad a su origen para sellar la maldición de una vez por todas. Una vez que la brigada entra en las ruinas, jamás regresa, tocándole al príncipe (el jugador) sumergirse en lo más profundo de esta corrupción para cumplir el propósito que aquellos que vinieron antes no pudieron realizar.

Tras esta breve exposición imagina que en vez de ser el heredero al trono, fueras un miembro de esa unidad que se ve perdida para siempre en las profundidades, en esta ocasión no para devolver algo al lugar que pertenece, sino para obtener un bien que se le robó a tu raza, la capacidad de volar, de eso va Flyknight. Y al igual que su referente, por mucho que seamos un soldado, también hemos llegado tarde. Las cuevas que exploramos están infestadas de aquellos que vinieron antes que nosotros, de bestias que ansían nuestra carne y de compañeros ahora corrompidos, que una vez pudimos considerar amigos. También nos toparemos con otros caballeros, con sus propias luchas y motivaciones a los que será difícil considerar aliados o enemigos, además veremos vestigios de antaño civilizaciones, viejos bastiones ahora abandonados, todo en nuestro camino por llegar a Lunamoth la bruja que nos ha arrebatado el futuro.

Si Devil Spire atufa más a Ultima Underworld que a otra cosa, es debido a su estructura de pisos, ambiente oclusivo y crecimiento progresivo, combinado con su estructura. Aquí, aunque pudieran parecer evidentes, las referencias van más allá de lo obvio. Antes menté a King’s Field porque es una de las patas de la silla más importantes, pero no es la única, se nota mucho que aunque los insectos primen, mucha de la identidad a nivel de diseño bebe también de Dark Souls y no solo me refiero por el outfit de los Flyknights que literalmente es el del caballero de elite del juego de From Software, sino por muchísimo más. Desde los estus, pasando por las hogueras, hasta los cameos de ciertas armaduras o armas, pero quizás lo que más me recuerda al trabajo del propio Miyazaki son los diversos NPC que nos topamos por el camino, es a través de nuestras diversas relaciones con ellos, como se va entretejiendo la narrativa. Un mercader ambulante que está aquí por sus motivos personales, un compañero de armas ahora escéptico con todos por el resultado de la misión, pasando por nuestro mentor que parece más de lo que dice, hasta un guerrero de otra raza lleno de altanería, son ellos, son sus cábalas, sus preocupaciones, sus acusaciones, sus consejos, los que van dándonos pistas de algo más, que simplemente hacia donde seguir.

Pero no son los únicos, los diferentes adversarios que nos topamos en el camino, aquellos enemigos sin nombre que salen a nuestro paso, aunque en menor medida también tienen algo que contar. Al igual que sucedía con los caballeros de plata o los caballeros negros que contaban una historia del lugar que habitaban, además de ser los más representativos, aquí diría que los que más igualan esa función y evocan esa sensación son los cadáveres reanimados de aquellos que nos acompañaron al principio de la expedición, antiguos camaradas, ahora convertidos en monstruos que aparte de luchar contra nosotros, también luchan contra el mismo hecho de estar en pie, recordándonos una vez más que por muy lejos que llegaron, por mucho que se esforzaron ellos también fracasaron y es por eso que tú podrías ser perfectamente uno más…

Mención especial a las diversas localizaciones del juego, que aunque escasas, van también narrándonos más acerca del mundo, de los lugares que otros habitaron antes, mientras a la vez funcionan como una escala progresiva de nuestro progreso. Diría que son las dos últimas zonas las que más resaltan las influencias que ejerce From Software sobre el trabajo de Arroyo, primero con esa zona entre tribal y pantanosa, que me recuerda mucho a los comienzos de Shadow Tower Abbys combinado con la propia Ciudad Infestada del primer Dark Souls. Por otro lado, tenemos el área del canal que se encuentra salpicada de viejas edificaciones que conforman un pequeño conjunto de ruinas que me evoca a lugares como Irithyll del Valle Boreal o ciertos segmentos de la Ciudad Antigua. Asimismo, todos y cada uno de los lugares que visitamos también aportan frescura al tener su propia manera tanto de desarrollarse como de explorarse, volviendo a la primera localización citada, esta se extiende a través de varios caminos con diferentes alturas, dando un toque de verticalidad al conjunto en función de que parte queramos explorar primero y así, con cada uno de ellos, teniendo cada uno sus recovecos, atajos, a la vez que secretos que incitan a buscar hasta en el rincón más inusitado.

Todo esto se conecta con el combate, que diría que no solo es la parte más referencial, sino además la más fresca al darle una vuelta de tuerca de manera muy elegante a los enfrentamientos propios de los Proto-Souls más reconocidos, pero partamos primero de la base más absoluta. El primer King’s Field se siente muy particular por la forma en la que está dispuesto. Cuando la PSX salió al mercado, el equipo de From, quería poner toda la carne en el asador haciendo un videojuego puntero en el uso de la nueva tecnología de las 3D, irónicamente, sin conocer realmente como exprimirla bien, por lo que muchas limitaciones de ese título aparecen al intentar casar el concepto planteado con las limitaciones del momento. Uno de los pilares fundamentales de esta obra son los combates, pero en un mundo en el que sistema de fijado de Ocarina of Time aún ni existía combinado con que tampoco se había empleado nunca este estilo de juego para este género concreto hicieron que el grueso de las peleas se desarrollara en una especie de baile donde todo se basa en medir distancias para intentar asestar el golpe sin ser herido en el proceso, Y si bien es cierto que la magia alivia un poco la carga, no es que mejore demasiado con un sistema de control de tanque…

Las posteriores entregas de la saga, junto con spin-offs como Shadow Tower, si bien añadieron una serie de mejoras, siguieron orbitando a través de este concepto de resolver los encuentros, por lo que a día de hoy requiere adaptarse a unas formas muy particulares de jugar, que son más frustrantes de lo que deberían… Por suerte, Arroyo, que ya ha navegado como jugador en estos conceptos, ha sabido darle una serie de giros en su propia obra para tener lo mejor de los dos mundos. Para empezar, aunque aquí no parece haber un sistema de fijado como tal, nuestro personaje sí es más responsivo, mucho más ágil, puede seguir a sus oponentes gracias a unos controles más suaves y mientras su energía no este baja o no este sobrecargado, el tiempo de ejecución de sus animaciones es bastante rápido. Por lo que al final estás jugando a un Action RPG con un sistema en primera persona moderno que nada tiene que envidiar a cosas como FPS o Walking Simulators actuales, que también exprimen maravillosamente este sistema. No obstante el juego también hace todo lo posible por aferrarse a su pedigrí, aprovechando bien parte de los defectos antes mentados para darles una vuelta de tuerca y de paso diferenciarse de todo el resto de propuestas que hay pululando por ahí.

Si bien ahora somos más veloces, un personaje de un Soulslike medio en tercera persona se desplaza más agilmente que nuestro caballero insecto, también tiene más acciones disponibles (como la esquiva) además de ser más agresivo o responsivo, pero pese a ser más lento, el combate de Flyknight se siente más medido, mucho más inteligente. La gracia de los soulslikes en su origen siempre ha sido esa, intentar no ser pillado por sorpresa, saber cuando golpear, cuando defender, como responder, pero sobre todo como prepararse para los desafíos que nos esperan; sin embargo, conforme han pasado los años y hemos tenido más juegos como estos a nuestras espaldas, cada vez sentimos menos sorpresa, por ende menos anticipación ha sido necesaria para ir superando los retos, no obstante al cambiar nuestra forma de ver el mundo, al luchar con adversarios que son más veloces que nosotros, al poder tener la oportunidad de leer el entorno mucho antes de entablar combate, pero sobre todo al no tener que estar atados a determinadas configuraciones, la cosa cambia.

Aquí somos más lentos, no podemos esquivar, ni hay subidas de estadísticas, ni de nivel, más allá del equipo que portemos en cada momento; sin embargo, los combates se sienten igual de vivos. Si bien podemos luchar contra multitudes y esto se va haciendo cada vez más común a medida que avanza el juego, las peleas son más satisfactorias, cuando nos vamos encontrando con los rivales de uno en uno, ya que el combate se centra mucho en ese vals antes mentado, pero ahora glorificado, donde nos mantenemos a una distancia prudencial para intentar bloquear o movernos, mientras a su vez intentamos acercarnos para asestar golpes, lanzar algún hechizo e incluso apuntar con el arco. A esto le añadimos el hecho de poder destruir las extremidades de los enemigos antes y durante los enfrentamientos que permite facilitar la lucha, si sabemos exactamente dónde golpear. Por ejemplo, si vamos andando y encontramos a un arquero rival en una posición elevada podriamos emplear nuestro propio arco para rebanarle un brazo, obligándolo a soltar el arco y cargar contra nosotros con sus pies. Otro buen ejemplo sería utilizar determinado hechizo que permite dañar grupos de extremidades y tirárselo a un enemigo, mientras vamos lidiando con el otro cuerpo a cuerpo, para así frenar el avance del segundo y lidiar con el primero.

Todo esto culmina con los jefes, que aunque escasos (Yo solo me enfrente a 3 y a un subjefe) requerirán de ser leídos correctamente para con ello poder ver bien como debemos movernos, saltar o bloquear, aprender bien que armas son más eficaces contra ellos (Ya que existen varios tipos, con un tipo de daño específico) por ende que build debemos emplear en cada situación, así como del entorno en el que se encuentra para hacer un uso óptimo del mismo. Al cesar lo que es del cesar, son muy pocas peleas de este calibre, pero son muy variadas y divertidas, cada una requiere diferentes acercamientos, por ejemplo, el primer boss requiere ver muy bien donde estamos para aprovechar la disposición del escenario y con ello acercarnos a él, por otro lado, la pelea final, incluye elementos de bullet hell que hasta requiere aprender ciertos patrones. Así que ni tan mal.

Al final, ¿A quién se parece más FlyKnight? ¿A Dark Souls? ¿O a King’s Field? ¿Quizás a Shadow Tower? Si me preguntáis a mi, creo que tiene un poco de todos ellos y es, gracias a su suma, la razón de su existencia. No se sí Miguel Arroyo buscaba algo más con esta obra o simplemente quería homenajear a estas grandes a la par que desconocidas obras, pero lo que si es cierto, es que Flyknight ha conseguido mucho más que ser un simple batiburrillo de conceptos, pese a sentirse un pequeño bocadito de todo lo que este extraño mundo tiene que ofrecer. Para muchos, se siente como algo más parecido a lo que hoy en día haría From Software, el poso que ha dejado, es algo más que ser un simple clon o alumno aventajado y aunque su creador tiene puestas las miras en otro proyecto que parece ser para él mucho más significativo, me da a mí que lo que realmente demanda y esperan sus nuevos seguidores, no es tanto un juego de acción de puzles, sino, qué nuevas tiene que ofrecer este extraño a la par que desolado mundo de insectos sin alas…

Si bien se ha quedado en su nicho y no ha calado tanto como otros, Flyknight es fascinante. Es muy pequeñito y sencillo, pero aun con esas se siente más fresco, que otros Doble o Triple A que han probado suerte últimamente en el género. Además, dada su duración y su estilo jugable, funciona genial tanto para los amantes de este nicho que buscan algo nuevo o bien rellenar hueco entre juegos más grandes, así como para aquellos foráneos que quieran disfrutar de una experiencia refrescante que evoca más a esos juegos oscuros de los que todo el mundo habla, pero que luego en realidad, solo unos pocos han podido probar y más aún completar. Eso sí, no deja de ser uno de tantos de esos soulslikes que paladea con el concepto del desafío, la observación o la exploración, por lo qué aunque sea más accesible, no significa que sea “fácil” per se, a menos que tengas algo de bagaje ya adquirido.

En definitiva, creo que su mayor aliciente es el hecho de poder conocer aún más en profundidad parte de ese estilo jugable y de diseño que destilaba la vieja From, pudiendo mantener la comodidad a la vez que la accesibilidad, sirviendo a su vez como trampolín al legado más desconocido de una empresa, que hoy por hoy, vive exclusivamente de explotar y navegar en una versión más simplificada a la par que moderna, de estos conceptos. Por eso y pese a no ser perfecto, creo que si disponéis de una cuenta de Steam y algo de efectivo, estoy seguro que este diminuto juego, hecho con la suma de tantos, conseguirá haceros volar a nuevas cotas de descubrimiento…